cippodromon

Tres letras

2011-11-05T12:20:00.001-07:00

Por suerte, todo termina.

El ensayo como ficción / La ficción como ensayo

2011-10-03T04:33:00.000-07:00

Por Rafael Cippolini
Jueves 6, 13, 20 y 27 de octubre de 10:30 a 12:00. Biblioteca.

Inscripción en recepción a partir del 22 de septiembre, de lunes a domingos (excepto los martes) de 12:00 a 19:30.

¿Puede el ensayista determinar nuevos límites para la ficción? ¿Por qué la narrativa sigue saqueando las estrategias de la ensayística? ¿Nuevos géneros híbridos a mitad de camino entre ensayo y narrativa? ¿De qué modo reutilizar el ruido ficcional de los medios como materia prima de inéditos modos de reflexión? En tiempos de cultura web y de permanentes reformulaciones virtuales, ¿bajo qué formas establecer certezas con materiales no del todo probables?

Si toda una generación moderna se abocó a tensionar los límites entre ensayo y ficción en una práctica simultánea (Bataille, Borges, Huxley, Martínez Estrada, Gombrowicz, Sartre, Blanchot, Connolly, Lezama Lima), si otra generación se dedicó a imprimir más desafíos a estas geografías de escritura (Sontag, Sollers, Mailer, Sarduy, Arbasino, Libertella, Correas, Eco, Perec, Thompson), y en las últimas dos décadas se fueron progresivamente multiplicando las pruebas de convivencia y mutua exploración desde las disciplinas y formas más diversas (Magris, Calasso, Aira, Baudrillard, Vila Matas, Chitarroni, Foster Wallace, Perniola), ¿cuáles son los desafíos inmediatos y futuros para la polémica interrelación de estas prácticas?

Jueves 6 de octubre a las 10:30
Jueves 13 de octubre a las 10:30
Jueves 20 de octubre a las 10:30
Jueves 27 de octubre a las 10:30

Dirección y contacto
Malba – Fundación Costantini
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Visiten la C i p p o W e b

Cazador de cruces

2011-07-27T12:23:00.000-07:00

Originalmente en Ñ

Sucedió en noviembre de 2009. Invitaron a Umberto Eco a programar un conjunto temático de exposiciones, lecturas, conciertos y proyecciones. Rápido y astuto como suele ser, recicló una de sus antiguas pasiones (las poéticas de la clasificación) que muy pronto transformó en un libro fabuloso (un catálogo que puede leerse de modo independiente y contemporáneo a aquellos eventos): El vértigo de las listas (Lumen).

¿De qué trata? De una enciclopedia deforme, adictiva, una literalmente excesiva (más de cuatrocientas páginas) sucesión de imágenes de alto impacto (clásicas, modernas, contemporáneas) potenciadas por otra sumatoria de textos tan diversos como demoledores (de Hesíodo a Italo Calvino, del Dante a Thomas Pynchon, de Rabelais a Joyce, de la Biblia a Carlo Emilio Gadda).

Ninguna novedad: hace más de medio siglo que Umberto Eco se empeña en demostrarnos que los más intrincados laberintos del conocimiento pueden entremezclar tóxicamente provocación y diversión, divulgar e interrogar en un mismo y certero golpe de efecto. ¿Por qué irrita tanto a la intelectualidad más cool? Precisamente porque más que masivo (sus libros son best-séllers desde antes de publicarse), Eco se aprovecha impúdicamente de todos los recursos populares a su alcance para instalar o reinstalar una hipótesis de invariable sugestión. En este sentido, Eco es un curador perfecto, un patafísico que usa al Louvre como un enorme rompecabezas que interconecta y complota toda la cultura occidental convirtiéndola en un gran accidente, y también un extendido patio de juegos.

Todavía no encontré quien argumente que trata de un enfático remix curatorial de El idioma analítico de John Wilkins, que Borges publicó en Otras inquisiciones, en 1952. Más aún, cuando un muestrario de los escritos del naturalista inglés del siglo XVII se reproducen en sus páginas. Lejos de desmentirla, esta imputación me serviría para ir más allá de la construcción de una tradición (los constructores de listas, o como aduce Eco, de elencos, catálogos o propiamente enumeraciones), sino más exactamente de una guerra: las incesantes mareas de reclasificación del mundo (del Gran Bazar de nuestras culturas) embisten, una y otra vez, contra el complejo de órdenes que rigen nuestros modos de conocer y apreciar (otras estéticas de dogmas y determinismos). La retórica de las listas, su aparente capricho (repertorio cargadísimo de colecciones, formas incatalogables, mirabilias, excesos y aparentes anomalías, arqueologías y conexiones culturales shockeantes) guarda en sí toda una dinámica de conocimiento heterodoxo. A no dudarlo, El vértigo de las listas debería ser un manual obligatorio para todo aspirante a curador que se precie.

Umberto Eco y las telenovelas del siglo XIX

El Mal nunca envejece (ni siquiera cuando ofrece su decadencia como espectáculo), así como jamás pasan de moda –tal como insistimos– las intrigas que complotan por el orden y el desorden del mundo ¿de cuántos modos se diferencian y entrelazan, a lo largo de la historia, la seducción del caos, los caprichos del saber y los enunciados de las leyes que gobiernan al universo? Al fin de cuentas, ¿existe un temario más atractivo?

El cementerio de Praga, publicada apenas un año más tarde de El vértigo..., parece simultáneamente, a primera lectura, una reescritura y una variación de toda la anterior producción narrativa del semiólogo, sin desconocer que a su vez ésta también puede entenderse como una reescenificación de parte de su métier teórico. Nos encontramos con la obsesión por los géneros populares (¿qué tan lejano resulta el parentesco entre las estructuras folletinescas a las que rinde homenaje con su escritura de la dinámica de tantas temporadas de series que actualmente se ofertan tanto por cable como por Internet?), por la descripción minuciosa de lugares (suerte de guía novelada de ciudades), el casting de los personajes y situaciones históricas (en este caso Garibaldi, Dumas, Freud y Dreyfus, entre otros), las conspiraciones, las estéticas del esoterismo, los libros malditos y los saberes adulterados o reprimidos. Pero concurrentemente en esta oportunidad tenemos que sumarle la construcción de un personaje –acabado arquetipo de traición y ruindad– el ilegítimo Capitán Simone Simonini, falsificador esquizofrénico, a quien Eco comparó, en algunos aspectos, con el Premiere Silvio Berlusconi. Alguna crítica ha reprochado a la novela su falta de concisión, su progresiva disgregación, desconociendo la elaboración de un suspense emparentado, como dijimos, con las estructuras proliferantes de los folletines y telenovelas.
En este punto, ¿no resulta sugestivo proponer a El vértigo... como un instructivo de uso para abordar El cementerio de Praga? Tan cierto como que podría servirnos para acercarnos además a cualquiera de sus otras novelas, todas articuladas, como veremos, al modo de narraciones de hipótesis, aunque en esta oportunidad, tratándose de una reescritura plural, los mecanismos se presenten como todavía más adecuados. Zdenek Frybort, traductor checo de la obra de Eco, deslizó que esta novela no es otra cosa que la profundización de un regalo que le hiciera al teórico y novelista: una de las primeras guías turísticas de Praga, repleta de mapas y de materiales anexos con los que construir una buena historia, a partir de un nutrido muestrario de lugares y hechos impresionantes.

Otras poéticas de la hipótesis

¿De cuántos modos se ensaya con la ficción? Dicho de otro modo, ¿de qué manera se ficcionaliza mediante el ensayo? ¿Estas inestables fronteras entre el ensayo y los textos de ficción no son un síntoma cada vez más afianzado en la literatura de nuestros días? ¿Cuántas diferencias de fondo encontramos entre ficcionalizar una guía turística de Praga del siglo XIX y ensayar sobre la misma? ¿Qué es finalmente lo que determina la efectividad de una hipótesis? ¿La práctica del ensayo no flexibiliza el uso que hacemos de los materiales narrativos? En "Hacia la Guerra de guerrillas semiológica", combativo ensayo de 1967, Eco expuso que el fin de toda guerrilla cultural no era precisamente el análisis de los contenidos televisivos, sino más exactamente los sillones de la teleaudiencia. Una suerte de aprendizaje crítico contra las formas latentes de la agenda de los medios masivos. Años después y al respecto, aclararía: "Me refiero a un rango de habilidades simples. Después de años de práctica, puedo caminar en una librería y entender su esquema en unos segundos. Fijar la mirada en el lomo de un libro y realizar una buena conjetura sobre sus contenidos a base de varias señales. Si veo las palabras Harvard University Press sé que probablemente no será un romance barato". ¿No estamos frente a una excelente oportunidad para analizar de qué modo las dos obras de Eco que reseñamos resultan útiles a la luz de lo manifestado en aquel ensayo de fines de los sesenta?

Lo cierto es que El cementerio de Praga sigue obteniendo el éxito de muchos libros polémicos. Ante todo, porque la narración hipotetiza sobre la creación y efectos de una obra maldita como Los Protocolos de los Sabios de Sión, sino por los elementos y recursos ficcionales (y sobre todo expresivos) con los que confecciona la narración.

El rabino jefe de Roma, Riccardo Di Segni, denunció el mensaje de Eco tildándolo de ambiguo: "El problema es que no se trata de un libro de rigor científico que analiza estos fenómenos, sino que es una novela de trama atractiva que acaba convenciendo".

¿El reverso del sonado caso de Hugo Wast (seudónimo de Gustavo Martínez Zuviría), acusado de narrativizar Los Protocolos... en novelas como Oro y El Kahal?

Si Christian Salmon, en un libro de fines de los noventa titulado Tumba de la ficción, advertía sobre los aún ocultos peligros de una obra de ficción (dando como ejemplo vertebral la fatwa pronunciada contra Salman Rushdie), ¿no resulta imperioso observar más de cerca las consecuencias y secuelas de la proliferación de un tipo de texto que desdibuja los bordes de la ficción y el ensayo? Enrique Vila-Matas lo plantea de este modo: "Creo que existe una saturación de la ficción que se sabe ficción y también una saturación del ensayo que se sabe plomizo. Sebald, Magris, Piglia, son otros casos claros de introducción del ensayo dentro de la ficción, o viceversa. Mezclar a Montaigne con Kafka, por ejemplo, me parece en este preciso instante una idea muy interesante".

Sicalipsis de la falsificación

¿Tensionar los límites? "Sentí –explicó Eco, en un reportaje reciente– que no sabía cómo el lector iba a recibir a este personaje y si podría confundir entre verdad y ficción. Así es como creé una historia folletinesca y decidí escribir una novela basada en una serie de documentos, tal vez los más odiados de la historia reciente, basados en los protocolos de los sabios ancianos de Sión, para reconstruir la historia del antisemitismo del siglo XIX hasta llegar a Hitler."

¿Cómo percibimos la ficción? ¿Cuáles son sus límites con la teoría? ¿Acaso El vértigo... no es un ejemplo de la realización desde y a partir de la ficción, en tanto sus categorías clasificatorias resultan tan antojadizas como improbables? Como sea, el editor italiano de El cementerio... afirma que la traducción de la obra al árabe será beneficiosa culturalmente, ya que desmitifica Los Protocolos de los Sabios de Sion, que a pesar de sus cuestionamientos de autenticidad siguen utilizándose como fundamento de antisemitismo.

Descansando de mí

2011-06-23T17:20:00.000-07:00

Glosario de vidas digitales alternativas

Torino: ¿Qué es exactamente lo que extrañás de Second Life?

Napoleón: Nunca me interesé demasiado en los vaivenes del proyecto en sí, en sus implicancias económicas o de competencia con ciertos servicios de las redes sociales. No es este aspecto el que me atrajo del mayor de los metaversos. Por el contrario, lo que me sedujo es la producción de experiencia personal: ¿qué tipo de sociabilidad podía experimentar en Second Life que difiera de mi vida física? Napoleón es una vida alternativa. Un ensayo de vida alternativa.

T.: ¿Por qué alternativa? ¿qué es lo que determinaría su alternatividad?

N.: Alguna vez afirmaste que Second Life es un experimento psicológico, y es el este sentido que me interesa. El jugar a ser otros, a permitirme ciertas vivencias que o postergaría o negaría en mi vida no digital. No es nada excéntrica la fantasía de vivir varias vidas. Este impulso me llevó a crear un avatar al que bauticé Napoleón Baroque. Digamos que es una variación de mí. Pero para que este impulso tenga sentido, es fundamental encontrar modos de interacción con otros que compartan esta idea.

T.: ¿Y te resulta difícil?

N.: En parte. Hace tiempo que mi compañera en Second Life es Nisei Oh, a quien no conozco en mi RL (Real Life). Me encanta su estilo, me alucina su modo de habitar este mundo virtual. Al fin de cuentas, un avatar es sólo estilo, un conducto antropomórfico de interacción cargado de estilo (risas).

T.: Llevás años en la exploración del software ¿existe algo así como un patrón de experiencia?

N.: Es lo que se llama guión. Ya que un usuario de Second Life te hable de guión implica una ideología. En ese sentido siempre tuve un plan, que fue relacionarme con otros usuarios que plantearan sus vidas alternativas de modo similar. En este punto comienzan las divergencias. Hay quienes experimentan con la morfología avatar –son alienígenas, animales, se cambian de sexo o lo que fuera-, otros con situaciones extremas a las que jamás se animarían en entornos físicos, otros que simplemente buscan modos de pasar el tiempo.

T.: Te cansaste varias veces. Eso fui leyendo en tu blog.

N.: Imposible no cansarse, imposible no desilusionarse. Lo que agota es la interacción de dimensiones: en el metaverso sos un gladiador de otra galaxia, en tu cotidianidad física un periodista especializado. ¿Acaso no es parte de la modelación de la neurosis que encarna más de una generación de jugadores de videojuegos?

T.: ¿Estás en contacto con otros avatares de tu antigüedad?

N.: No mucho. La gran mayoría de adictos cambia de avatar. En mi caso, soy demasiado fiel a mi forma digital: sigo con el mismo avatar después de años. Hace tiempo que decidí mantenerme en mi aspecto. De hecho, últimamente entro poco. Son épocas. Ya volveré a la carga. Como si con mi vida física no me alcanzara. Son otras tantas maneras de descansar de mí.

Posteo 405

2011-05-31T17:53:00.000-07:00

Nada en particular.

¡Hasta ayer!

Hoy les comento la participación en este evento mendocino.

Click sobre la imagen para ampliar.

¿Vos también fuiste postpunk?

2011-04-28T06:51:00.000-07:00

¿Efecto de la lectura de Gente que No? En parte, seguramente. "El rock está muerto, pero es nuestra cultura" dijo alguna vez Richey James Edwards. Lo cierto es que bandas como Los Corrosivos, Antihéroes, Barrio Turco, Copiloto Pilato, El Lado Salvaje, Sentimiento incontrolable, 1 x 1, Mimilocos, La forma, Don Cornelio y la Zona, Valió la pena, Harry, Los Macarras, Los Pillos, Puñalada correntina, Chiquero, Cadáveres de niños, Alerta roja, Salto al vacío, Los Penes, Los Apáticos y otras tantas son parte de nuestra biografía. Lo digo sin nostalgia: hubo algo muy potente en todo aquello. Algo que nos influyó mucho, sin ninguna duda. Hace tiempo que venimos hablando con Rosana Schoijett -con quien somos amigos desde esa época- de volver a concentrarnos en la figura y el talento de la desaparecida Mónica Vidal, clave en la escena de los últimos cinco años de los ochenta.

Rosana me invitó a charlar a Confesionario y amigos, este viernes 29 de abril de 22 a 24 hs.

La cita es en FM UBA 87.9.

www.rojas.uba.ar/contenidos/radio/index.php

www.uba.ar/radiouba

www.facebook.comradiouba

Va a estar bueno.

Té en Gaiman

2011-03-15T15:20:00.000-07:00

La Patagonia se funde con la música y el arte

Por Susana Reinoso, en Ñ

TRELEW, Chubut.- El músico Gustavo Santaolalla, el artista plástico Milo Lockett y el ensayista Rafael Cippolini acompañaron con entusiasmo la habilitación de la ·Escuela de Arte, de alcance secundario y terciario, que este lunes comenzará el dictado de clases para una matrícula próxima a los mil alumnos en un imponente edificio construido a las afueras de esta ciudad patagónica.

Con un clima espléndido y la participación de músicos del Teatro Colón, la Escuela convocó a gente de toda la provincia. La construcción y equipamiento del edificio se aproxima a los 42 millones de pesos, las aulas son espaciosas y adaptadas a la enseñanza de disciplinas artísticas y humanidades.

En el nuevo edificio se dictarán profesorados en cuatro lenguajes artísticos: música, teatro, artes visuales y danzas, así como se brindará formación artística profesional en guión, iluminación y cámara, televisión y radio, diseño multimedial, diseño gráfico, producción de medios audiovisuales y periodismo.

Santaolalla, dos veces ganador del Oscar por la musicalización de películas consagradas como "Secreto en la montaña" y "Babel", dijo en una entrevista pública que arrancó varios aplausos en el espacioso gimnasio de la escuela, que "una de las cosas más revolucionarias es aprender, porque cuando uno aprende cambia y se transforma. Por eso es tan valiosa una escuela vinculada con las artes. De vez en cuando, sin dejar de vivir en el presente, miro hacia atrás para no olvidar de dónde vengo. En lo personal, siempre estoy aprendiendo".

Santaolalla dio pistas que explican su éxito actual en los Estados Unidos y la Argentina donde, además de ser parte de varios proyectos (entre otros, la musicalización del documental que Adrián Caetano hará sobre Néstor Kirchner), se ocupa particularmente de sus vinos y su cerveza artesanal con la que ya ha llegado a varios restaurantes de alta gama de Buenos Aires.

El ensayista Rafael Cippolini, por su parte, tuvo una presentación pública en la que se trazó el panorama actual de las artes plásticas. Y el reconocido artista plástico Milo Lockett llevó a la provincia de Chubut una obra de gran porte que quedará en la Escuela de Arte.

En su intervención, Cippolini fue de la configuración del canon artístico en la Argentina hasta la crisis actual de la ficción, analizando la actual proliferación de formatos que conviven en las artes plásticas actualmente.

Milo Lockett, artista chaqueño consagrado que tiene a su cargo en el Chaco una infinidad de acciones culturales de contenido social, vendió a la provincia, con destino a la Escuela de Arte, una obra pictórica que combina la pintura sintética y el barniz con color sobre tela, en blancos y grises, de 2,20 por 2,50 metros.

Foto de Lockett, Cippolini y Santaolalla por Susana Reinoso.

La fotografía argentina a comienzos del Siglo XXI

2011-03-05T12:02:00.000-08:00

En el número de Ñ aparecido hoy se publicó esta nota.

A continuación su versión original con las fotos seleccionadas.

Observemos este síntoma: cualquier historia de la fotografía argentina reciente estaría incompleta si no incluyéramos y analizáramos buena parte de la obra de artistas como Rosalba Mirabella, Carlos Herrera, Adriana Bustos o Nicolás Bacal, aunque ninguno de ellos sea estrictamente un fotógrafo. Surgidos en la última década (tienen entre 25 y 40 años), cada uno de ellos utiliza la fotografía en tanto modo privilegiado de producción; sin embargo suelen igualmente definirse en formatos disímiles como la instalación, el dibujo o la pintura. Es cierto, este síntoma posee su tradición, pero no deja de acrecentarse.
¿Expansión de las prácticas? ¿contaminación? ¿contagio visual? Por lo pronto, se trata, antes que nada, de un deslizamiento conceptual: cuando a principios de los ’60 Alberto Greco enseñaba el registro fotográfico de sus Vivo-Dito, para la mayoría de los espectadores estaba claro que la obra residía en la performance y no las fotografías. Hoy nadie podría negarles el mismo status. ¿Acaso Yves Klein no puso en escena esta paradoja con su Salto al vacío de 1960? ¿Podríamos escindir la escenificación del gesto de su resultado final?

Poco menos de quince años antes los Madí utilizaron una fotografía (la gran M urbana de los relojes Movado) para promocionarse y definirse (una obra de promoción). No deberíamos desconocer que la tradición fotográfica se sostiene en un relato como cualquier otro, repleto de reinscripciones. Es sabido que un pintor como Juan Del Prete fotografiaba sus obras y luego las destruía. Ni más ni menos: llevó durante muchísimos años un registro de pinturas que sólo podían conocerse en su reproducción fotográfica. ¿Triste memoria de una obra desaparecida o fabulosa reformulación fotográfica de sus potencias visuales?
Al fin de cuestas ¿de qué hablamos hoy cuando hablamos de fotografía? ¿Acaso suponer en una misma línea al daguerrotipo y a la imagen digital no es una construcción tan artificial y caprichosa como cualquier otra? ¿Sigue siendo la máquina fotográfica –y sus características- la que definen una práctica?
¿Es la captura, es el click, es el disparo que congela aquello que el ojo descubre con una instantaneidad con la que jamás podrán competir el dibujo, la pintura o la escultura? No deja de ser paradójico que hablemos de clic en una época en la cual sacamos fotografías hasta con teléfonos celulares (click expandido).

Ni siquiera se trata del símil real. Un artista como Augusto Zanela se muestra obsesionado tanto con el dispositivo como con el fenómeno óptico: nuestra retina no es más que el producto de un formato cultural entre otros.
Más sencillo resulta detectar continuidades en aquello que elegimos retener: ya sean rostros, cuerpos, paisajes u objetos.
Cada creador le imprime su estilo. Están aquellos que se elijen a sí mismos como modelos: Flavia Da Rin, que explora sus mundos de fantasía como si jamás dejara de observarse en un espejo mágico, Osías Yanov, que indaga en los retratos familiares de su infancia para trazar unas vidas paralelas que parecen provenir de dimensiones similares pero distintas, Ananké Asseff que nunca deja de observar al espectador mientras éste la observa, o Sandro Pereira que perfora varios autorretratos en una suerte de collage-superposición para obtener una imagen deformante de sí mismo. O Alberto Pasolini, cuando se retrata producido como bailaor de flamenco punk o imitando a Michael Jackson en su álbum Bad. Performer, sí, pero sólo en fotografías.

El retrato y el autorretrato no hacen más que reinventarse. Los rostros, como subraya el antropólogo David Le Breton, ejercen su gramática particularísima.
Decanos en la materia, Marcos López, Marcelo Grosman y Res marcaron el camino escenificando las diversas identidades que dan forma a nuestra personalidad nacional. Los mitos de la argentinidad, sus morfologías, sus uniformes y fantasmas, sus rasgos, el paso del tiempo, las transformaciones, los leimotivs políticos y la singularísima revisión por medio de la fotografía de grandes hitos de la historia del arte, reactivaron ya no lo mejor de una tradición propiamente fotográfica, sino que crearon vasos comunicantes con un imaginario más allá y más acá de la fijación en cualquier formato. Exceso, última exposición de López compuesta de obras realizadas en técnicas de las más heterogéneas, debería servir de muestra y ejemplo de este desborde. Nada más saludable que encontrar la fotografía fuera de ella misma en una pluralidad que hubiera desconcertado no mucho tiempo atrás. Si hablamos de los hitos de memoria afectiva y colectiva, tampoco podemos olvidarnos de las minuciosas reconstrucciones de Dino Bruzzone.

¿Es la fotografía la que da contexto o éste último el que se impone al medio? Ahí están las tan disímiles obras de Guadalupe Miles y Karin Idelson proporcionándonos materiales para elaborar una respuesta, más no sea provisoria. La fotografía vive del instante, de la sensación de tiempo congelado, pero más que nunca ese instante se reconfigura en millones de detalles que podrían provenir de cualquier parte del mundo, aún siendo tan propios, tan nuestros. Burroughs dijo alguna vez que definimos al nativo como aquel sin el cual un lugar no sobrevive ¿acaso el estilo de una fotografía no reelabora la sensibilidad que recorre nuestra memoria?
Una fotografía, lo mismo que un cuadro, no es más (ni menos) que una ventana, un nuevo fragmento del mundo. Para establecer una narración que nos especifique, siempre mejor que sea esta pequeña unidad la que determine su institucionalización y no al revés.

Un precioso libro de Guy Davenport (Objetos sobre una mesa. Desorden armonioso en arte y literatura) nos avisó hace años que muy posiblemente haya sido el daguerrotipo el que reinventó las posibilidades de las naturalezas muertas. Las limitaciones de estas cámaras obligaron a poetizar los estilos de observación hacia los elementos que nos rodean. Recomiendo regresar una y otra vez a las obras de Cecilia Lenardón, Miguel Mitlag y Raúl Flores: el menaje, el amor a los diseños vintage, la impactante conexión de los colores, la estudiada disposición de objetos que enrarece al azar, el mundo en sus propuestas invariablemente resulta cercano. No necesitamos ver demasiado lejos, sino permitirnos redescubrir las posibilidades de lo inmediato.
¿Y el paisaje? ¿Es un clásico, es inevitable, es un clisé que sigue dando réditos? Sigo creyendo que no existe nada tan subjetivo como la percepción y apropiación visual del espacio. No tenemos más que detenernos en las imágenes isleñas y fluviales de Laura Glusman, en los bosques, riveras y playas de Alejandro Chaskielberg, en los recorridos urbanos de Eduardo Rey, en los trayectos visuales de Alejandra Urresti por Finlandia y Cuba así como en el revés de sus sets, en las la intemperie fueguina de Gustavo Groh, en las viviendas atlánticas de Marino Balbuena, la arquitectura patagónica de Fernanda Hernández, la visión monocroma de Francisco Salamone de Esteban Pastorino, las varias series de Jorge Miño, los hoteles de Daniela Gutiérrez, el Proyecto Habitable de Soledad Dahbar, así como en los abandonados espacios de Geraldine Lantieri. El mundo es aquello que miramos y redescubrimos mutado cuando volvemos a mirar. No puedo dejar de señalar el impacto que tuvieron en mí las tempranas obras de Alberto Goldenstein y Mario Gemín dedicadas a Mar del Plata (especialmente la serie Perla Zen Garden, de este último). Sin dudas sus actitudes influyeron decisivamente en más de una generación de fotógrafos.

No hace mucho aseveré que nuestro inconsciente ya no se estructura en palabras, como creen muchos psicoanalistas, sino más precisamente en bits. ¿Acaso las imágenes de Mara Facchin no investigan tan justo este vértice entre lo percibido como natural o artificial? ¿De qué hablamos cuándo tanto separamos lo analógico de lo digital? ¿De economía? ¿De tiempo? ¿Qué es lo que se pierde?
La era digital no sólo implica una nueva mediación de la máquina, sino por el contrario y como suele suceder con las transformaciones tecnológicas, una nueva sensibilidad y circulación. Nuestra actual relación con las fotografías poco tiene que ver con la que teníamos hace más de quince años. Desde que se popularizaron las máquinas digitales, jamás sacamos e hicimos circular tantas fotografías. Y la mayoría de ellas van directamente a la web (a plataformas como Fotolog, Flickr, Facebook o Blogs): jamás vimos tantas fotografías como desde que tuvimos acceso a internet. La producción fotográfica de Yanina Szalkowicz se concentra en este escenario: la sociabilidad y la vida cotidiana en tiempos de redes sociales. Exponer en la web resulta para cualquier artista contemporáneo tan imprescindible como hacerlo en una galería. Su hermana, Cecilia Szalkowicz, merece un reconocimiento especial por su sostenido trabajo en la incorporación de fotografías en formatos múltiples que mixturan instalación, proyecciones, gigantografías, ediciones mínimas y diseño espacial. Una tarea que desde mediados de los ’90 viene desarrollando en colectivos como Suscripción, o aún antes, Fotoclub, creado por Gabriela Forcadell.

Un aparte para aquellos artistas que siguen revisando y tematizando en sus imágenes –directa o indirectamente- los componentes basales de la fotografía: la luz y el tiempo de captura. La particular luminosidad de los espacios libres de Ignacio Iasparra, el color y sus múltiples percepciones en los pantone de Erica Bohm, las fuentes de luz tapadas de Ernesto Ballesteros, las miradas en los matices de la oscuridad de Bruno Dubner, la demora y espesor de visión en Arturo Aguiar y las composiciones temporales de Javier Soria Vázquez.
¿Existe un cambio de actitud? La respuesta es decididamente afirmativa si inquirimos en los proyectos tan distintos como los de Yamandú Rodríguez, Rosana Schoijett y Guillermo Ueno. Con substanciales pasados y presentes rockers a sus espaldas (tan lejos del star y la amable agresividad que esto implica), cada uno en su estilo sigue generando una zona de visión social que instaura una diferencia.
En la década que pasó, como en ningún otro momento en nuestro medio, la fotografía logró un espacio autónomo en la exhibición específica y en el mercado, más no sea como proyecto a futuro. A espacios fundadores como las fotogalerías del San Martín y del Rojas, se sumaron galerías como Ernesto Catena y la desaparecida VVV, simultáneamente al crecimiento de las muestras de fotografía en todo tipo de salas de exposición. La expansión de los modos fotográficos en otros formatos vino a coincidir con una definitiva reubicación y revaloración de la fotografía, interacción que deberíamos seguir estudiando.

Como sabemos, la homogeneidad o diversidad sólo dependen de la astucia del espectador.

Las fotografías seleccionadas son de (arriba hacia abajo): Alejadro Chaskielberg, Ananké Asseff, Laura Glusman, Cecilia Lenardón, Javier Soria Vázquez, Nicolás Bacal, Rosalba Mirabella, Alejandra Urresti, Yamandú Rodríguez y Osías Yanov.

Así ensayo

2011-02-11T17:14:00.000-08:00

Así como otros escriben canciones, filman películas o dibujan historietas, yo escribo ensayos. No existe mucha más explicación que esa. No es que me proponga de este modo desentrañar los misterios del mundo, sino al revés: intento proseguir el ritmo de lo que pasa por mi cabeza. Con eso me sobra. Sería una idiotez denominar a lo mío historia, literatura, crítica, filosofía o lo que fuera. Mis ensayos son una ecografía textual de la actividad de mi cerebro, y diciendo esto me disgustaría apartar de vista a mis sensaciones. Durante años escribí muchas cosas que no encajaban demasiado en nada. Redescubrir a Montaigne a tiempo fue una gran dicha. Seguramente llegué a él por Caillois, pero no estoy seguro. Fue entonces cuando supe cómo denominar a lo que hacía compulsivamente. No sé si necesito decirlo, pero mis curadurías son ensayos y ninguna otra cosa. Es decir, mi trabajo se limita únicamente a hacer ensayos, en toda la precariedad del término. Un ensayo es una prueba, un intento, una versión provisoria que seguramente será modificada por otras futuras. El ensayo es el arte de crear hipótesis, es decir, de proponer merodeos. Suposiciones. Es en este punto donde su parentesco con lo ficcional se vuelve tan patente. Diciendo que soy curador señalo mi particular compromiso con el arte contemporáneo: no soy un curador que escribe ensayos sino absolutamente al revés. Lo mío es escribir en cuadernos ideas que a veces saltan al espacio. En este sentido, la curaduría es una forma maravillosa para seguir aprendiendo de todo lo que me rodea.

Theory Trip

2011-01-11T16:13:00.000-08:00

Jordi Carrión utiliza al arte contemporáneo para ampliar la visión literaria. Marc Jiménez cree que la teoría actual es insuficiente en cuestión de arte. Sigo ubicándome en la tensión de estos dos presupuestos, pero no sólo. Necesitamos una antropología del arte para repensar la cultura web como estética expandida, como estética social (jamás como un estilo). ¿Qué mutaciones experimenta nuestra sensibilidad? ¿De qué materia están compuestas hoy nuestras ficciones?
¡Quiero que mis sentidos sean un invento del arte contemporáneo!

Foto: Charlie Herrera en Macro Extraterrestre por Verónica Gómez

Videojuegos, algo más que una de las bellas artes

2010-12-24T05:48:00.000-08:00

Hoy en Ñ

Acaso cuando estamos viendo una película como Transformers no irrumpe la sensación de ser espectadores de un gran videojuego? ¿Incluso hasta no tenemos la certeza de que fue diseñada según sus reglas y en esto reside buena parte de su seducción? Y al revés, cuando jugamos a clásicos como Resident Evil o Kid Icarus ¿no nos invade otra vez la impresión de encarnar (aunque sea en módica parte) el rol protagónico de una película de acción? Ya sabemos que son precisamente los productores de Hollywood y los desarrolladores de videojuegos quienes inventaron esta percepción con fines de lucro, aunque no deja de ser sintomático que una generación (o incluso dos) de directores de cine y guionistas crecieron como aficionados o fanáticos de las consolas Nintendo y Sega.

Para ellos se trata de muchísimo más que de un simple entretenimiento o un negocio: de hecho, desde muy chicos vienen escuchando la polémica sobre la presunta nocividad de los videojuegos y (por otra parte) de sus bondades educativas. Estéticamente, observaron de cerca la mutación y perfeccionamiento de su poder gráfico y su redefinición tecnológica, alimentándose de todo. Hace rato que los videojuegos comienzan con un trailer y no sabemos quién influye más a quién. Guillermo del Toro, director de la saga Hellboy y El laberinto del fauno, piensa que –según declaró a la revista Edge– “los videojuegos son una herramienta narrativa increíble, que los cineastas deberían tener en cuenta en lugar de rechazarlos. En este momento muchos ya nos permiten disfrutar de una experiencia narrativa más global que la mayoría de las películas”. Si creciste jugando al Duke Nukem o Heretic sin dudas tu cerebro confronte ese banco mental de dinámicas con lo que sucede en cualquier producción cinematográfica.

Nuevas percepciones

Sin embargo, recién ahora estamos comenzando a escribir la historia cultural de este desplazamiento, que se compone de un entrelazado de hipótesis y revisiones (a lo largo de más de cuarenta años) que señalan como uno de los más prolíficos motores de la industria del entretenimiento fue transformándose en un parámetro ineludible a la hora de evaluar dinámicas narrativas cada vez más centrales, así como adhesiones y argumentaciones progresivamente más sólidas a la hora de evaluar sus beneficios en el aprendizaje y, más aún, una modificación acaso radical de experimentar nuestros modos perceptivos.

Ya sabemos, para un nativo digital los videojuegos son bastante más que una de las bellas artes.

En los últimos años fue acrecentándose la contraofensiva digital ilustrada. Si por una parte un apocalíptico Hal Foster, profesor de Arte y Arqueología de Princeton, viene alertando sobre la expansión indiscriminada del diseño en cada aspecto de nuestras vidas (de la cirugía estética a las personalidades diseñadas –drogas de diseño–, del diseño de nuestro pasado –museos de diseño– a niños de diseño –mediante la modificación del ADN–), ¿qué decir entonces de los efectos culturales de los videojuegos, prototipos acabadísimos de un diseño integral? Hasta en sus versiones más descuidadas, invariablemente resultan sofisticados y reciclables. Al fin de cuentas, están por todas partes, hasta en nuestros bolsillos ¿acaso no son una de las ofertas básicas de cualquier teléfono celular? Por no hablar de los juegos en Red. No hay vez que visitemos un ciber-locutorio y no nos encontremos con grupos de testosterónicos adolescentes y pre-adolescentes sociabilizando desde sus aventuras de software. Hasta nos atrevemos a decir que su modo de participar en la imaginación social está en parte determinado por esa división que agrupa las temáticas de los juegos digitales en arcade, simuladores, estrategia y juegos de mesa electrónicos. Los parámetros de la era Web siguen redefiniendo nuestros hábitos enciclopédicos.

El cada vez más influyente Henry Henkins, director de la carrera de Estudios Comparativos de Medios del Massachusetts Institute of Technology, cuyo primer libro es una ardiente defensa cultural de los videojuegos, viene desarrollando en su instituto un programa titulado Education Arcade especializado en la utilización de videojuegos en ámbitos educativos, desarrollando a tal efecto prototipos conceptuales como Supercharged! , que sumerge a los usuarios en los rudimentos del electromagnetismo o Revolution , desarrollado en conjunto con Microsoft, que propone un modo dinámico de analizar aspectos de la guerra de la independencia norteamericana.

¿No estaría bueno tener nuestra versión de San Martín o de Belgrano en bits? Todo lo contrario a un caso aislado. Leemos en la Web que en los últimos meses la Universidad Alcalá de Henares y la empresa Electronics Arts, como tantas otras instituciones en el mundo, vienen analizando la relación de su alumnado con los videojuegos comerciales, y ahora saben que el 90,24 % de ellos consideran que es posible aprender utilizándolos (y proponen como ejemplo a los populares Spore para la asignatura biología, Sim 3 para lengua y literatura, The Beatles Rock Band para música y FIFA 10 para las asignaturas del ámbito lingüístico social). ¿Qué nos habrán enseñado subliminalmente Pac-man y Space Invaders? Sin dudas resulta evidente que la influencia de los videojuegos es tanto más profunda que la simple transmisión de contenidos, como para instalarse en un potente modo de observar el mundo.

Como si poco fuera, el concepto mismo de videojuego viene modificándose aceleradamente. No sólo en lo que respecta a las políticas de producción (las más de mil empresas desarrolladoras de videojuegos activas en la actualidad poseen equipos de trabajo que pueden oscilar entre un centenar de personas –en algunos pocos ejemplos, como World of Warcraft, The Matrix Online o Guild Wars, en la última década– o muy reducidos grupos de dos o tres expertos) sino también en relación a la cantidad de bibliografía –académica, periodística y ensayística– que crece año a año y sigue extendiéndose desde tesis psicológicas a sociológicas, antropológicas, estéticas y terapéuticas. El crecimiento no sólo es paralelo sino que continuamente se intercomplejiza: si hace apenas unos días nos enteramos que la Universidad Nacional Autónoma de México viene desarrollando un programa de realidad virtual para tratar el estrés postraumático en víctimas de violencia de la fronteriza Ciudad Juárez (del mismo modo que en otros puntos del globo viene utilizándose desde hace veinte años software de entornos 3D para tratar trastornos como aerofobia, claustrofobia, acrofobia, aracnofobia y trastornos obsesivo-compulsivos), todavía no se conoce demasiada bibliografía sobre los efectos psicológicos y sociales de videojuegos porno como Virtual Hottie 2, promocionando gráficos tridimensionales hiperrealistas como la mejor herramienta digital para volver realidad virtualmente las fantasías sexuales.

En enero de este año, la versión online de Ñ hacía público un reportaje a Jaron Zepel Lanier -quien hace poco menos de tres décadas elaboró la categoría realidad virtual –a propósito de la edición de su libro You Are Not A Gadget , en cuyas páginas celebra a todos aquellos que deciden desertar de las redes sociales y la atracción de las novedades informáticas, marginándose de las consecuencias culturales de plataformas y productos como Google, Wikipedia o Youtube, entre otros. Un descontento que es simultáneo a la creciente expansión de lo que conocemos con el nombre de realidad aumentada y no pocos han pronosticado como el futuro de los videojuegos: un articulado de dispositivos que suman información virtual a nuestra percepción habitual.

Mientras que la realidad virtual se define en la sustitución de un entorno físico por uno digital, la realidad aumentada agrega datos a los objetos reconocidos digitalmente, a los entornos materiales que transitamos. Así, ARQuake Project se presenta como una versión del videojuego Quake programada para exteriores: los enemigos esta vez se presentan en tu propia casa y en tu propio barrio, cerca de los mismos objetos que componen tu cotidianeidad. Lo que en una película como Terminator observábamos como tecnología fantástica, hace tiempo que existe y se reelabora. Es entonces nuestra percepción la que se ve alterada: en estos prototipos pronto necesitaremos nuevas estrategias para diferenciar lo puramente programado de lo unplugged. Las relaciones entre virtualidad y visualidad siguen su curso. “Los repartos entre realidad y ficción ya no son los mismos que antaño”, Marc Augé dixit.

Como en ningún otro momento de la historia, la información sobre videojuegos crece descontroladamente configurando hermenéuticas inéditas. Si hace décadas que juegos como Doom invitaban a los usuarios más avanzados a crear nuevos niveles de dificultad y capítulos alternativos (variaciones en su narrativa, situaciones desconocidas), hace años que la experiencia de los usuarios se ve reflejada en archivos de toda clase dispuestos en la Web.

En Youtube, por ejemplo, no son pocas las compilaciones de experiencias virtuales y terminales: decenas y decenas de muertes de Lara Croft, entre ridículas y épicas, comprueban que las heroínas y héroes de los videojuegos acumulan más decesos y vidas que cualquier otro referente no informático. Más curioso resulta pensarlo sabiendo que es el propio usuario quien encarna digitalmente su perfil.

Esta simbiosis es la que facilita y potencia el vaso comunicante entre cine y videojuegos que citábamos al inicio de esta nota. Sabemos que Lev Manovich, formado en la Unión Soviética como programador y teórico de las artes, autor del célebre El lenguaje de los nuevos medios de comunicación, trabajó activamente en la producción de Tron, película de aventuras de la factoría Disney de 1982 en la cual los videojuegos fueron tema y estética.

Desde entonces, son muchos los videojuegos que fueron llevados a la pantalla grande: del citado Tomb Rider a Super Mario Bros, del Príncipe de Persia a Mortal Combat, de Final Fantasy a Silent Hill, pero simétricamente no son pocos los éxitos cinematográficos que tienen sus versiones en videojuegos, de Alien a E.T, de Volver al futuro a Los cazafantasmas, de Shrek a Toy Story.

El tema es complejo: en la mayoría de los casos resultan sólo merchandising electrónico, pero en otros fueron generando nuevas versiones de análisis para abordar el filme original, en un peculiar ejercicio de remake crítica.

Capítulo aparte para los metaversos (los mundos digitales en entornos 3D). Nos interrogamos ¿pueden asimilarse a la categoría de videojuegos? En octubre de 2008, Peter Greenaway declaraba a Ñ sus deseos de realizar un largometraje en Second Life.

Modelos de sociabilidad digital tantas veces mal asimilados a las redes sociales, hace pocos años inspiraron predicciones sobre el futuro 3D full de la Web, cada vez más alejado de las metáforas de escritorio con las que están diseñados los programas que utilizamos a diario, ¿modificaría esta posibilidad nuestras concepciones de integración y entorno? Como sea, el formato videojuego cada vez se entromete más con nuestros estilos de observar y comprender el mundo.

Televisión: cuenta regresiva

2010-12-10T06:38:00.000-08:00

El sábado 18 de diciembre cierra la muestra Televisión. El Di Tella y un episodio en la historia de la TV. Si no la viste, el momento es YA.

Hace unos días atrás, el suplemento ADN del diario La Nación publicó una reseña de Diana Fernández Irusta que dice así:

Una muestra de archivo que no derive en el academicismo: tal el desafío que se propusieron Inés Katzenstein y Rafael Cippolini al encarar la curaduría de la exposición Televisión. El Di Tella y un episodio en la historia de la TV , que puede verse actualmente en el Espacio Fundación Telefónica. El objetivo, por cierto, no era fácil: recrear un período de tiempo particularmente intenso (entre 1965 y 1969), en el que varios artistas del Instituto Di Tella incorporaron el dispositivo televisivo en indagaciones que, en su mayoría, redundaron en obras efímeras:performances , happenings e instalaciones de las que apenas quedaron testimonios materiales. "Decidimos no reconstruir las obras -explica Katzenstein-. Lo que intentamos hacer fue restituir lo que habían sido."
La opción es comprensible. Muchos de esos trabajos -concebidos para interactuar con un específico marco temporal y espacial- devinieron en emblemas de una época y de un modo de entender el vínculo entre el arte y la vida que pondría en cuestión cualquier intento de reconstrucción más o menos puntillosa ("en algunos casos preferís el mito que las sobrevivió", bromea la curadora). Pero el hiato también es tecnológico: la mayoría de los equipos televisivos utilizados cuatro o cinco décadas atrás hoy, sencillamente, no existe.

El importante trabajo curatorial deriva, entonces, en dos grandes ejes. Por un lado, la participación de tres artistas invitados (Jorge Macchi, Miguel Mitlag y Andrés Di Tella), que dialogan con el fenómeno televisivo y su impacto en el imaginario expresivo de los años 60. Por el otro, un montaje que, a su modo, propone la inmersión en una época (entre otras cosas, gracias a una selección de emisiones televisivas datadas en ese entonces, cedidas por un coleccionista privado), en un entramado discursivo y en los planteos de obras cuyas huellas pueden rastrearse a partir de la exhibición de diversos documentos ( storyboards , registros mecanografiados o manuscritos, notas administrativas, recortes de prensa), la grabación del testimonio actual de sus creadores y maquetas especialmente realizadas para la muestra por estudiantes de arquitectura de la Universidad Di Tella. Estas últimas, visibles en monitores de televisión, establecen una suerte de doble distanciamiento: no vemos la obra original sino su recreación plástica, así como tampoco vemos la maqueta real sino su fantasma electrónico.

La herencia del Di Tella

Entre los proyectos ¿recreados? ¿citados? ¿evocados?, se encuentran Simultaneidad en simultaneidad , acción de Marta Minujín que transformó el Instituto Di Tella de la calle Florida en un estudio de televisión, y ese ícono de la experiencia pop que es La Menesunda , creación conjunta de Minujín y Raúl Santantonín que incluía un circuito cerrado de TV. El visionado de un film de Leopoldo Maler permite acercarse un poco más a lo que pudo haber sido aquella experiencia de mediados de los años 60.
En otro sector de la muestra, la lucidez presente y pasada de Roberto Jacoby reenvía a la conjunción de inquietud sociológica y pulsión artística. La reflexión sobre los circuitos de comunicación masiva aparece citada tanto en el manifiesto Un arte de los medios de comunicación(firmado en 1966 por Jacoby, Eduardo Costa y Raúl Escari) como en los documentos ligados alHappening para un jabalí difunto , falsa crónica (con fotografías de celebridades incluidas) de una experiencia artística que, a través de los medios, generó la construcción informativa de un hecho que nunca había ocurrido. También está la referencia a Situación de tiempo , instalación con notoria influencia del videasta coreano Nam June Paik que David Lamelas realizó en 1967. Entre las "perlas" de archivo se encuentra la misiva que Enrique Oteiza, director del Instituto en ese momento, le envió a Julio Llinás, gerente de promoción y publicidad de Siam Di Tella, en la que le solicitaba los 17 televisores que requería la obra de Lamelas.

El impacto cultural de la televisión también emerge en Mr. Músculo , de Jorge de la Vega, y en dos obras de técnica mixta realizadas por Luis Felipe Noé en esa misma época: Nuestro señor de cada día (con el rostro de Cristo enmarcado en un monitor) y Understanding TV (pieza que asume la pantalla catódica como una superficie ambiguamente refractaria).
Invitado a la exhibición y con unos cuantos puntos en común con el tema propuesto, el cineasta Andrés Di Tella presenta una instalación que homenajea la figura de Marta Minujín a la vez que ancla en la propia historia del realizador. La articulación es simple: hay dos pantallas enfrentadas; en una, un primer plano de Minujín; en la otra, un zapping televisivo. Mientras el flujo mediático alterna ficciones, titulares catástrofe, dibujos animados, asesinatos, conflictos sociales y proezas deportivas, el rostro de la artista -el reflejo del monitor asomando por detrás de sus anteojos- permanece impasible. ¿El efecto anestésico que tanto crítico cultural pronosticó ante la avalancha de imágenes?
Miguel Mitlag, otro de los artistas invitados, retoma ciertos lineamientos de la obra de Lamelas -Situación de tiempo- para aludir a la repetición perceptiva por medio de una situación escenográfica (el montaje de tres esquemáticos estudios de TV).

Finalmente, Jorge Macchi, al centrar la mirada en las páginas web que rastrean la decadencia del equipo de rayos catódicos (con fotografías de televisores rotos o arrojados en basurales), pone el acento en una cuestión de estricta actualidad: la "caída" de la imagen electrónica y su anunciado relevo a manos del formato digital. En todo caso, un anclaje en sintonía con una exposición que, más allá de la cita y el homenaje, también representa un punto de partida para nuevas indagaciones sobre la imagen y su circulación masiva. (Hasta acá la nota de ADN).

Alicia de Arteaga también realizó una reseña de la inauguración en su blog.

Jorge Zuzulich escribió un ensayo muy recomendable para Arte al Día, que comienza así:

"A mediados del siglo XX, en el contexto internacional, la televisión produce una nueva modificación productiva y receptiva de relevancia. La “novedad” del directo trae consecuencias en una vertiginosa sociedad definitivamente instalada en el marco de la cultura de masas.

La idea de programación domina su constitución, esto es diversas franjas horarias ocupadas con producciones acordes al target de televidentes. La aparición de la posibilidad de registro, esto es del video, y su posterior democratización a partir de la puesta en circulación de los equipos portátiles de videoregistro, puso a disposición de artistas provenientes del campo del arte conceptual la posibilidad de pensar en imágenes, algunos contra el medio televisivo y otros expandiendo sus posibilidades expresivas.

Es en esta situación de fricción en la que “nace” el video-arte, más específicamente ligado a dos acciones Fluxus: Exposition of Music- Electronic Television, de Nam June Paik, realizada en marzo de 1963 en la Galería Parnass (Wupertal) y la acción Entierro de un televisor de Wolf Vostell en mayo del mismo año. Otro de los hitos fundantes del nuevo medio es la exposición colectiva TV as a Creative Medium, en la Howard Wise Gallery (New York) durante 1969." Se la puede seguir leyendo acá.

Eduardo Villar publicó una reseña en Trastienda Plus (hacer click acá) y Vanesa Vicencio Dubost para El Leedor (ver acá).

El diario Clarín y la revista Ñ editaron dos análisis muy buenos de Marina Oybin que ya posteamos en el Cippodromon y que pueden releerse acá y acá

También El Argentino dio cuenta de la exposición en esta nota.

La nota posteada en Juanele también me parece ajustada y tiene muy buenas fotografías. No se la pierdan. Puede leerse acá.

Andres Di Tella y Cecilia Szperling también dedicaron entradas a la muestra y sus obras. Por ejemplo acá, acá y acá.

Por último, quiero realizar una mención especialísima a dos joyas: las inmersiones que dos de mis blogs favoritos, Artilunio y Microplacton acometieron con la exhibición. La visión de Fabiana Pérez que puede leerse acá es muy recomendable, así como su registro visual que puede visitarse acá.

Cece es autora de otro de los recorridos que seguí con más placer (ver acá). Ambos posteos -y ambos blogs-, especialmente recomendados. (Emocionante el diagrama del inefable Teodoro Placeres).

Las imágenes que ilustran este apresurado resumen pertenecen a las dos últimas fuentes citadas.

El diario del zapping (extended version)

2010-11-29T08:08:00.000-08:00

Rafael Cippolini permaneció diez horas ante una pantalla saltando entre canales en busca de “los principios axiales del ecosistema televisivo”. Aquí, los apuntes de una maratón que recorre los géneros de moda: el chisme, El concurso de baile y la TV autorreferencial.

Publicado el sábado en Ñ

Versión total

La tentación fue tan grande como bizarra: esbozar algunos de los principios axiales del ecosistema televisivo argentino hoy. Ante todo, porque la propuesta en sí era una trampa: someterme a diez ininterrumpidas horas de programación de la aún denominada pantalla chica no fue nada distinto, es fácil deducirlo, a una sobredosis. Cuenta una leyenda, seguramente falsa, que S. Ignaty Witkiewicz rescribía absolutamente drogado cada uno de los apuntes de campo de Bronislaw Malinowski, padre de la antropología moderna, para quien trabajaba como secretario. Claro, en su caso no era la droga el objeto de observación. Durante 600 minutos consecutivos dejé entrar en mi cuerpo a uno de los más poderosos aliens mediáticos: esto sucedió entre las 15 horas del martes 16 de noviembre y la una de la mañana del miércoles 17. Esta es la crónica de esa inmersión abusiva.

Son las 15:05 hs. América TV. Santiago del Moro, conductor de Infama, se relame: Roberto Pettinato demolió en twitter a Susana Giménez. ¡Escándalo! ¿La causa? El reportaje de la diva a Edward Niño Hernández, el enano colombiano de 24 años, 70 centímetros de alto y 11 kilos que acaba de ingresar al libro Guinness de los récords como el hombre más pequeño del mundo (dos centímetros menos que Nelson de la Rosa, el fallecido Hombre-Rata dominicano que también visitó oportunamente a la prima donna. Interrogado por un notero, el saxofonista defiende la autonomía de cada medio: “no me gusta mezclar lo que escribo en internet o en una revista con lo que hago en la televisión.” Toda una declaración de sana esquizofrenia digital del director de la revista La Mano. “Por otra parte, no la ataqué. Sólo me limité a escribir todo lo que se decía en esa entrevista. Una friketeada total. La miraba y me decía: “se está riendo de ese chico”. Creo que Susana se está riendo de todos nosotros. ¿Qué pasa si mañana trae a un tipo con 32 dedos? Además, si quiere presentar a gente pequeña, que lleve a Cristian Castro”. Pettinato está fuera del estudio (de hecho lo entrevistan en la calle), pero sigue en la pantalla.
Comienzo a tomar nota: la televisión argentina se define en la constante modelación ya no de la condición humana, como quería André Malraux, sino más específicamente de la condición freak. Sometidos a su influencia, todos somos divinos freaks.

Una voz en off anuncia que están llegando al programa Zulma Lobato y Marcelo Polino. Apenas pasaron unos minutos desde que encendí el aparato y la autorreferencialidad es aplastante: como sucedía con las estéticas de la modernidad, el objeto de la televisión es la televisión misma, a partir del incesante monitoreo de su casting. Lo que sigue modificándose, advierto, son los modos de acceso a su staff. Zapping.

15:09 hs. Crónica TV. El locutor conversa con una especialista en el tema propuesto: “Cómo proteger a los menores en internet”. Se trata de un mini-curso de defensa personal -para entornos software-: la inseguridad también azota la virtualidad. ¿Ud. tiene idea qué está haciendo su hijo frente a un monitor? Contrariamente a las elecciones de Pettinato, la televisión aconseja sobre los usos de la web. Los chats también son peligrosos. Pienso inmediatamente en la célebre viñeta de Peter Steiner en el New Yorker: un perro navegando en la red le comenta a otro perro “en internet nadie sabe que sos un perro”. ¿Sabe Ud. que su hijo está mirando televisión? Continúa la especialista: “debemos formar ciudadanos digitales”. Los chicos “que nacieron con un mouse en la mano” tienen otra percepción de lo público y lo privado.
Interrumpe la tanda. Se trata del avance de un programa titulado Presos en acción contra la policía.

15:30 hs. Canal (a). Ciudad Natal. Documental biográfico dedicado a Oliverio Girondo. Su sobrina Susana Lange sostiene que le disgustaba que lo denominaran bohemio. “En realidad era un noctámbulo”, aclara. Delfina Muschietti, poeta y ensayista, subraya el explícito erotismo de su poesía (“se huelen, se sienten, se acercan”) y el múltiple escándalo de su libro Espantapájaros, de 1932, subtitulado “al alcance de todos”. Según Muschietti, Oliverio introduce la noción de mercado en la literatura argentina. Me pregunto si fue pionero en intuir las masivas estrategias del pop. ¿Arqueología de freaks? Oliverio fue un deforme, en una época en la cual lo público y lo privado adquirían otros formatos.

15:59 hs. Canal 13. Veo Este es el show. Pedro Alfonso, productor de Ideas del Sur conocido como Peter, aparece en una pantalla con su novia Paula Chávez. En estudio, Denise Dumas y José María Listorti reciben a parte de la primera plana del canal: Marcelo Tinelli, Pablo Codevilla y Adrián Suar (por teléfono). Peter les dispara “Quiero actuar en La Malparida”. Cuando a quemarropa le preguntan si prefiere el escenario o el escritorio, el muchacho de José Mármol sin dudarlo responde: “las dos cosas, igual que Suar”. Si este último primero fue reconocido como actor y luego como productor, Peter invierte la carga: primero productor, luego mediático y ahora ¿quién lo dice? actor. ¿Fort y Peter en plan doppelgänger televisivo de Tinelli y Suar? Tinelli promociona Soñando por bailar 2011. Esta vez, la trayectoria no cuenta: una avalancha de nuevos Peters tendrán sus warholianos 15 minutos de fama. Es más, Peter también declara que quiere bailar en el ciclo.

16:22 hs. Canal 7. Estudio País. Juan Alberto Badía y Mabi Weiss conversan con un practicante de quadrugby, deporte paralímpico que se juega en canchas de básquet y silla de ruedas. Lo políticamente correcto también tiene su lugar en la tele. Viene la tanda.

16:27 hs. América TV. Adelanto: se casa el príncipe William, hijo de la multimediática princesa Lady Di. Informe: obesidad infantil, la nueva epidemia. La lucha contra el sobrepeso gana en rating.

16:48 hs. Canal 7, nuevamente. En Estudio país Rodrigo De la Serna presenta fragmentos del trailer de Revolución, película de acción (sic) en la que representa a José de San Martín. Aparece Ricardo Fort autointerpretándose en una publicidad de créditos: ineludible. Juego de preguntas y respuestas en la que triunfa un peluquero recordando a René Houseman. ¿Cuánta información absorbemos por minuto?

17:01 hs. Canal 9. ¡Escándalo! Viviana Canosa entrevista a la vedette Paola Miranda que acaba de alejarse de la obra Bravísima, cuya figura central es Carmen Barbieri (¿quién dijo que la televisión es endogámica? ¡la gran familia Tinelli siempre ubicua!). Silvia Süller luce vincha y rulos y denuncia casting sábana en un escándalo que comenzó en Facebook (¿de qué modo los medios se continúan unos en otros?). Según se dice, la cara de la televisión argentina alguna vez fue Pinky. Hoy es Ricardo Fort (cada época sintetiza sus valores). Süller es una ametralladora de pistas sobre Germán, presunto amor secreto del Willy Wonka criollo. ¿Qué oculta el tatuaje con forma de escorpión en sus pectorales? ¿Qué papel juega en todo esto Nilda, empleada histórica de Tita Soldán? No hay espectador que no se sienta Perry Mason.

17:40 hs. Canal Encuentro. Biopic sobre Charlotte Brontë. Una historia devastadora: cuatro muy jóvenes hermanos vencidos por la tuberculosis (entre ellos la célebre Emily), a quienes apenas sobrevive unos años. Fallece un mes antes de cumplir los 39. La televisión es una enciclopedia de biografías trágicas. Incluso Los Simpson.

17:57 hs. Telefé. En el aire la familia creada por Matt Groening. Ante la presencia de un tal Javier (homosexual con un physique du rol que recuerda a John Waters), Homero teme por las inclinaciones sexuales de Barth, a quien somete a distintas pruebas de virilidad. ¿Qué haría Homero en Cuestión de peso? ¿De qué manera se mide el ranking de dramas?

18:01 hs. Canal 13. Lo cierto es que Homero Simpson no es uno de los participantes, pero Claribel Medina entrevista a Nazarena Vélez, que engordó 30 kilos luego de ser madre. “Cuanto más flaca, más trabajo tengo”, afirma. Para un artista el trabajo no resulta directamente proporcional a la presencia mediática. Pienso en Britney Spears en sus períodos más darkies.

18:13 hs. Regreso a Telefé justo en el momento en el que Barth escucha una frase definitiva de boca de su padre: “mañana serás un Stallone cualquiera”. Concluye el capítulo y a las 18:25 hs y la pantalla es tomada por Marley, Osvaldo Principi y un psicótico presuntamente ficcional denominado Atilio (3.2,1 a ganar!). El ciclo está finalizando. Quizá por eso literalmente abandonan el set de filmación –dejando a un participante en suspenso- para darse una vuelta por los decorados del programa venidero: la casa de Gran Hermano 2011, que en esta oportunidad realizarán la pre-selección por internet. Cerca de la pileta se encuentran con Mariano Peluffo con quien recorren las instalaciones. Más vidas para ser observadas. Hubo una época en la cual la vida privada de una figura televisiva era sólo un valor agregado a su carrera profesional (Radiolandia hizo de este plus un imperio). El modelo Fort es exactamente su reverso.

18:58 hs. Canal Volver. La máquina del tiempo nos trae Una familia especial (como la tuya). Llego justo para escucharle a Luis Brandoni decirle a un extraterrestre Mario Pasik: “le tocás un solo pelo a mi hijo y se arma una guerra interplanetaria”. Mariano Martínez y Mike Amigorena interpretan a dos aliens que compiten al ping-pong utilizando sus poderes galácticos en un club de barrio contra una delegación china. El entrenador asiático exige un control anti-doping. ¿Ciencia-ficción costumbrista?

19:34 hs. Canal 9. Telenueve 2º edición. Titular 1: Los tecno-mecheros roban una notebook. Una vez más televisión dentro de la televisión: los malhechores son descubiertos por una cámara de seguridad. Titular 2: El bypass en la mujer por stress laboral. Titular 3: La adicción compulsiva a los mensajes de texto. Me quedo alucinado con la patología del hipertextismo. Pensar que hubo una época en la que se insistía en que la cultura escrita iba a claudicar frente a la audiovisual. Hace rato que escribimos masivamente en pantallas. De todos modos, el influjo de la televisión resulta tan grande que los espectadores la quieren hasta en sus celulares. Titular 4: El riesgo de la comida en la calle. Titular 5: Festejaban en el Trencito de la Alegría y un adolescente de accidentó. Terminó en el Otamendi. Titular 6: En un parque de Los Ángeles, un gato atacó a unos cocodrilos. En los siglos XVI y XVII florecieron en Europa los gabinetes de curiosidades. La televisión tiene una extensa arqueología.

20:01 hs. Canal Encuentro. Escucho al historiador Horacio Tarcus referirse a Salvadora Medina Onrubia, célebre militante anarquista, eximia cuentista, mujer de Natalio Botana y abuela de Copi. El diálogo forma parte de otro documental biográfico (el tercero de la jornada). Por alguna razón narrativa, los canales culturales proyectan un estado contemplativo similar al del libro sin abandonar la dinámica visual de la tele.

20:15 hs. América TV. RSM. El exprimido de los medios. Mariana Fabbiani le dice a Humberto Tortonese: “Soy una muy buena catadora de chipá. No te olvides que mi familia es correntina”. Inmediatamente después se desata en toda su furia el efecto kundalini: vuelvo a ver el reportaje a Peter en Este es el show. Es una maravilla: un programa sobre la televisión que repite lo ocurrido en otro programa sobre la televisión que se emitió apenas unas horas antes. Remixes de remixes de remixes. Viralidad sin control. Hasta hace algunos años, las audiciones que tematizaban los contenidos televisivos reconocían una suerte de jerarquía orbital: se presentaban como satélites de los programas centrales. Hoy, los programas supuestamente periféricos proporcionan contenidos al central en una continua circulación de nombres. No sorprende que sea Fort quien lleve al extremo esta lógica: autoexpulsado de ShowMach, su ubicuidad estalló. Todos los canales y todos los horarios son suyos. Como en las horas de vuelo: cuanto más tiempo estés en el aire, mayor será el efecto. Su vida mediática se dirige directo a nuestros inconscientes.

21:14 hs. Telefé Noticias. Entre las 17:00 y 17:30 hs, Vanesa, una niña de 3 años, cayó por un pozo de 23 metros de profundidad y 30 centímetros de diámetro en Florencio Varela. Mientras un equipo de bomberos hace lo imposible por rescatarla y cabales como Crónica TV siguen en directo cada alternativa de rescate, en el estadio River Plate se juega en superclásico que Canal 7 transmite en directo. Todo el glamour trash de la televisión queda postergado por la urgencia de estos dos disímiles acontecimientos.

21: 30 hs. Canal (a). En una edición sobre la anatomía de los clásicos, el historiador Sergio Vaggio señala las diferencias con toda actitud conservadora. A propósito ¿el canal Volver es clásico o vintage?

21:43 hs. Canal 13. La Malparida. Renata Medina (Juana Viale) contrata a un malviviente para que sabotee los frenos hidráulicos de su marido Lorenzo Uribe (Raúl Taibo) de quien planea vengarse. Lautaro (Gonzalo Heredia), hijo de este último y amante de la primera, encuentra las pruebas necesarias para hundir a su tío, conocido como El Almirante (Gabriel Corrado), hermano de su padre, también amante de su madrastra, pérfida heroína que asesinó, entre otros, a la ex mujer de su marido. Las tragedias griegas parecen una leve fábula lineal comparadas por la cantidad de cruces pasionales ocurridos por estos pocos personajes. Si en la era web los repartos entre ficción y realidad (Marc Augé dixit) cada día se vuelven más lábiles, el sentido narrativo de las novelas televisivas se extrema progresivamente hasta un grado alucinante de verosimilitud. Si la realidad parece ficticia, imagínense hasta dónde debe sobrextenderse la ficción.

22:28 hs. Utilísima Satelital. Casas de familia. Transcurridas ocho horas y media sin moverme de enfrente de la pantalla, mi cerebro flota hace rato por algún sitio desconocido que paradójicamente se parece a éste. Veo al arquitecto y conductor Carlos María Dibar pasearse por una cada contemporánea de inspiración étnica y no sé por qué pienso en el planeta Heliconia de Brian Aldiss. Veo en uno de los ambientes una pareja de esculturas egipcias y de inmediato linkeo mentalmente el nombre de Von Däniken. Algo raro sigue pasándole a mi cabeza.

22:40 hs. Telefé. Caín y Abel. Por lo visto, estamos en temporada de dramas con dinámicas de narrativa policial. Otro drama dark en el cual Agustín Vedia (Joaquín Furriel) se enamora de Leonora (Julieta Cardinali), quien en este capítulo ayuda a Consuelo (Virginia Lago) a descubrir la clave de un pendrive en el cual su marido Eugenio Vedia (Luis Brandoni) guarda información confidencial deseada por su otro hijo, Simón (Fabián Vena) que intenta destruirlo con ayuda de Valentina (Vanesa González). Seguramente no existe nada más intenso y atractivo que las pasiones familiares. Todos quisimos ver a los Campanelli en versión psycho-killer. Los productores parecen auscultar mejor que nadie nuestros deseos.

23:05 hs. Canal (a) Cuatro sillas. Diego Capusotto íntimo en el set. Un artista que confiesa a Luis Majul que Pomelo no es, definitivamente, uno de sus personajes favoritos. Que prefiere a Luis Almirante Brown por su expansiva dimensión spinettiana. Que no disfrutó de la secundaria pero sí de la primaria. Que en su vida Racing, peronismo, rock, whisky y amigos resultan definitivos aunque jamás sagrados. Que el humor es deformación de lo que uno ya conoce. Puede ser un perfecto apotegma para definir el estado de la televisión: la deformación como sistema de conocimiento.

23:25 hs. Canal 13. ShowMatch. Como siempre, otro encendido entrelazado de discusiones de discusiones de discusiones. Por cada minuto de baile, diez de histriónico debate. Los roles de enojo y defensa se intercambian sin descanso y las agresiones llegan, otra vez, un poco más lejos. No importa tanto la razón como el acting. Desde la tribuna, Nelson de Zaire defiende a Coky y Reina Reech contraataca. Perfecta introducción para el baile aeróbico de Matías Alé. El público espera ansioso la próxima trifulca.

23:32 hs. América TV. Animales sueltos. Titular: Se fue Borghi sin hablar. Lo que sigue son extensísimos minutos de la imagen de estacionamiento del hotel donde están reunidos los dirigentes de Boca tras la derrota con River. La voz en off de Alejandro Fantino dinamiza un estacionamiento en el que no sucede absolutamente nada. Y nada es nada de nada.

23:44 hs. Canal 13. ShowMatch. Momento de evaluación. Aníbal Pachano se regocija mientras advierte que Marcelo Polino lo desplaza en su papel de villano del puntaje. Ingresa en escena Jenni, una de las participantes de Cuestión de peso. Es lo fabuloso del ecosistema: las migraciones de staff, es casting ambulante. Programación, hoy por hoy, ante nada rima con deambulación.

00:01 hs. América TV. Titular: Florencio Varela. Rescataron a la nena sana y salva después de siete horas de trabajo. Felicidad general. El gobernador Scioli sonríe a cámara: “la desesperación quedó atrás”. Caigo en cuenta que, cuando la pequeña Vanesa cayó al pozo, ya habían transcurrido para mí dos horas o dos horas y media ante el televisor.

00:11 hs. Telefé. Clase turista. Ciudad del día: Praga. Se suceden visitas a la casa de Franz Kafka, al Museo del Sexo y a la calle más angosta del mundo. Tan angosta que, antes de transitarla hay que pulsar un botón por si alguien viene de frente y hay peligro de embiste. Poco tarda para que comience Telefé Noticias. El doctor López Rosetti pasa revista a las dificultades y desafíos de los rescatistas de Florencio Varela. Enseguida es el turno de Marcelo Tucci, Jefe de Bomberos. Vértigo. Diario de Medianoche. Flash de noticias: Casamiento del Jefe de Gobierno Mauricio Macri con Juliana Awada. El triunfo de River (1 a 0). Apresaron al Dr. Viagra (traficante de medicamentos truchos). Una nueva víctima de la mafia china en Adrogué. En Villa Ortúzar incendiaron a un presunto violador. Explota un departamento en Belgrano. Los listados que provoca la tele son inmejorables. Me distraigo unos segundos y no entiendo a título de qué (¿el casamiento de Macri?), la pantalla reproduce un desopilante video tomado de Youtube: vemos el momento en que un tal Andrew Engstrom, en su rol de novio frente al párroco, observa entre risueño y azorado cómo su futura esposa Melissa (de impecable blanco), se destornilla de risa luego de la tradicional pregunta “¿tomas por esposa a tu amada?”. Luego de estupor inicial, no puedo sino decirme, parafraseando a Pettinato: “creo que la televisión argentina se está riendo de todos nosotros”.

Reinvención Avatar

2010-11-24T09:03:00.000-08:00

Torino: Son formas (o mejor estados) de conexión, de interacción. Dinámicas y estéticas simultáneamente. No es lo mismo conectarnos en “estado Skype” que en “estado Second Life”. Otras formas y sensibilidades se ponen en juego.

Napoleón: Hay diferencias definitivas. Es muy distinto si te conozco de este lado de la pantalla y luego nos encontramos en el metaverso. Si nuestro modo de relacionarnos es únicamente Second Life, las cosas son realmente muy distintas.

T.: ¿Por esto regresaste a Second Life? ¿Extrañabas el contacto propio del metaverso?

N.: Sí. Echaba de menos mi estado avatar. Ciertas particularidades de mi estado avatar. El avatar existe para otros avatares: finalmente es una máscara que no esconde, sino que pone en escena lo que somos, de otro modo. El uso que hacemos de esas máscaras difiere mucho. No todos transitamos nuestro estado avatar del mismo modo. Para nada.

T.: Me decías que te habías habituado a cierto tipo de interacción.

N.: Creo que es eso. Lo que llamamos “juego”, que no es más que las diferencias de interacción que un entorno 3D presenta con respecto a la no-digitalidad. Para mi es esencial sentir una fuerte conexión con estilos de estar en el metaverso que experimente como cercanos con el mío.

T.: ¿Es parte de la experiencia? Quiero decir: ¿aprendemos a estar en Second Life cuanto mas tiempo pasamos en el software? Te pregunto esto porque estoy convencido que los usos del Metaverso, nuestros modos de habitarlo, poco tienen que ver con una experiencia intrínseca, por horas de navegación. Al revés, creo que el estilo viene determinado por nuestras formas de imaginar y fantasear.

N.: Ni mas ni menos. En mi regreso soy absolutamente enfático. Sólo me interesa linkear con fantasías cercanas a la mía. Sí, definitivamente estar en Second Life es una forma de juego, en tanto, como te decía, me seduce que las reglas sean otras.

T.: ¿Buscás una suerte de equilibrio entre RL y SL?

N.: Es exactamente lo mismo que cuando éramos niños y jugábamos a los piratas, a los astronautas, a los vaqueros o a lo que fuera: seguíamos estando en el mundo real, pero de otro modo. No dejábamos de ser nosotros mismos, de hecho no perdíamos conciencia de nuestro entorno, pero relajábamos en relación a las imposiciones del medio.

T.: ¿Reinvención de las reglas?

N.: La reinvención de las reglas como el más intenso diálogo con el otro. Un modo alucinante de estar junto a quien queremos.

Las imágenes de este posteo son de Nur_Moo

Posiciones

2010-11-16T21:24:00.000-08:00

Conozco muchos artistas que sólo adscriben a las estéticas del arte contemporáneo por comodidad: les resulta una vía tan dúctil que se mimetizan con ella y de ningún otro modo la frecuentarían. Conozco otros que lo hacen por fatalidad: su época los condena. A mí me sucede, en tanto ensayista y espectador, todo lo contrario: descubro que la tecnología me interesa porque mi inmersión proviene del arte contemporáneo. Lo mismo me sucede con la gran mayoría de las estéticas de la música derivadas del rock (no importa si en algún momento fue exactamente al revés). Seguramente porque nada me sigue resultando tan incómodo como el arte contemporáneo sea que sigo considerándolo mi episteme favorita.

Banal, bizarra, poderosa, hipnótica

2010-11-13T09:58:00.000-08:00

Y el arte llegó a la televisión
por Marina Oybin
Publicado originalmente en Ñ

Una muestra en Telefónica vuelve sobre las experiencias de un grupo de artistas del Di Tella, que, a fines de los años 60, redefinieron el lugar de la tevé en la vida de los argentinos.

Hubo un tiempo en que el arte local estuvo bien cerca de la tevé.

Televisión. El Di Tella y un episodio en la historia de la TV, la imperdible muestra, curada por Rafael Cippolini e Inés Katzenstein en el Espacio Fundación Telefónica, pone el foco en las relaciones entre arte y televisión, a través de las experiencias en el mítico instituto entre 1965 y 1969. Un dato sirve para ilustrar el lugar que ocupó la pequeña pantalla: a fines de los sesenta la Argentina ostentó el extraño récord de ser el país con más horas transmitidas por tevé en todo Occidente.

Tanto fue el interés, que Jorge Romero Brest proyectó transformar el instituto en un estudio de televisión. Una idea “deudora de un proceso que se había iniciado unos años antes de la mano de los artistas y que había tenido al Di Tella como centro de operaciones: por primera vez el arte proponía modificar la televisión desde todos los ángulos, convirtiendo el doméstico aparato en escultura, fetiche y sistema autorreferencial, pero también transformando las especulaciones teóricas (sociológicas, tecnológicas y políticas) en una indagación de la visualidad social y sus efectos”, escriben los curadores en el catálogo.

Sin duda, uno de los tantos aciertos de esta muestra es que no se propuso reconstruir obras de época, que difícilmente hubieran logrado la misma fuerza conceptual y visual, sino que se ha incluido valioso material de archivo integrado por fotografías, grabaciones televisivas inéditas que son joyitas, manuscritos, artículos de diarios y revistas y entrevistas a los artistas. Se exhiben obras y proyectos de Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega, Marta Minujín, Edgardo Giménez, David Lamelas, Roberto Jacoby, Eduardo Costa, Raúl Escari y el grupo Frontera. Y una serie de instalaciones de Jorge Macchi, Miguel Mitlag y Andrés Di Tella realizadas especialmente para esta exhibición y como comentario de aquellas experiencias.

La muestra tiene mucho de lógica fragmentaria y de mosaico visual como la que hoy domina el zapping. Las imágenes y voces de las distintas filmaciones proyectadas en las paredes de la sala y las de los plasmas copan el espacio en vertiginosa superposición. Dan ganas de ver todo en simultáneo. Un verdadero frenesí mediático.

Las distintas propuestas, que buscaron resignificar la tevé, reinventarla, ponerla en cuestión o crear nuevos usos, van desde obras sobre la mediatización de la política hasta el artificio y la ficcionalización propias del medio televisivo en la instalación de Mitlag. O desde la estructura primaria minimalista electrónica en la que Lamelas invitó al espectador a sumergirse en una atmósfera de luz catódica con tiempo envolvente, a contrapelo del tiempo segmentado zappinero, hasta –en uno de los trabajo de Macchi– las imágenes seleccionadas en un Flickr dedicado a televisores abandonados. ¿Qué extraña atracción conservan estos esqueletos de tevé? Sin duda, lo más curioso de aquellos años fue la inserción del pop, con Minujín y Giménez a la cabeza, en la pantalla chica. Quisieron publicitar sus obras a gran escala y lo lograron, acaso intuyendo algo de los mecanismos de espectacularización televisivos. Las cámaras los trataron como stars . En cambio, en la vereda de enfrente al pop, cuenta Jacoby que su vinculación directa con el set de tevé fue nula. Influenciados por las ideas de Marshall McLuhan, los artistas Jacoby, Costa y Escari, que siguieron atentos las clases de Oscar Masotta, buscaron analizar los mecanismos de la televisión y poner en evidencia el poder de los medios en la construcción de la realidad. Imaginar nuevos modos de participación, lejos de la actitud pasiva.

Un tema sobre el que los análisis teóricos siguieron poniendo el foco: preguntándose cuáles son los mecanismos mediante los cuales la tevé influye en la conducta, si los efectos sobre el espectador son poderosos o limitados, analizando los cambios que experimenta el discurso político para lograr inserción en la pantalla, y discutiendo el lugar –decisivo o no– de la tevé como escenario político y nuevo foro público (¿de las cámaras parlamentarias a las cámaras de televisión?).

En Homo videos. La sociedad teledirigida , aquel Giovanni Sartori enojado –irreconocible, si uno lo compara con sus otros escritos– comenzó con los efectos en la política. La televisión, decía, personaliza las elecciones: importan los rostros de los políticos, no los programas partidarios. La cobertura de campaña deviene horse race minuto a minuto. Además, la tevé favorece la emotivización: una política dirigida y reducida a episodios emocionales. Y contra la supuesta condición global, el politólogo italiano sostuvo que la tevé “aldeaniza” las vivencias: el mundo visto en imágenes es de primeros planos, donde la unidad foto- aprehensible es, a lo sumo, la aldea, el conglomerado mínimo. El autor anunciaba un final trágico: el ciudadano transformado en eterno video niño adicto al juego. “¿Libertad de qué y para qué? ¿De hacer zapping?”, preguntaba, provocador.

Muchos dispararon contra la tevé sosteniendo que la decodificación simple e inmediata de la imagen desactiva la capacidad de abstracción. O que degrada los contenidos con el tratamiento espectacularizado y descontextualizado: las noticias más diversas se suceden en desfile indiferenciado, provocando que las imágenes de guerra sean absorbidas por el televidente del mismo modo que un filme. Hasta llegó a hablarse de hipertrofia de emociones, de televidentes devenidos multitud solitaria privada de experiencias de primera mano. Joan Ferrés i Prats no dio un panorama mucho más alentador con el “zapping moral” de un ciudadano convertido en espectador pasivo que se limita a contemplar la pantalla: alguien tomará las decisiones. Y Manuel Castells volvió sobre la idea de una audiencia perezosa.

A fines de los setenta, Umberto Eco lanzó una pregunta punzante en su trabajo titulado ¿Tiene la audiencia efectos perniciosos sobre la televisión? Esta muestra nos responde qué hicieron los artistas locales con aquella pequeña caja, hoy devenida tamaño extra large, que acompaña, atrae con la ilusión de contenerlo todo. Banal, bizarra, poderosa, hipnótica.

¿El paréntesis Gutenberg?

2010-11-12T09:21:00.000-08:00

Click sobre la imagen para agrandar

Lo que hace medio siglo atrás de la mano de Marshall McLuhan, W.J. Ong y Eric Havelock surgió como una premonición, y que desde la emergencia de la web hace dos décadas atrás se convirtió en una posibilidad, en el último lustro devino torrente y diluvio. Los 500 años de historia de texto impreso que tenemos/tuvimos no habrían sido otra cosa que un mero paréntesis entre el mundo oral de casi toda la historia.
¿Hasta qué punto el libro impreso sirvió para centrar nuestra atención, promoviendo un pensamiento creativo y profundo; mientras que Internet suscitaría el empleo rápido y distractivo de múltiples fuentes con una ética de la velocidad y la eficiencia, de producción optimizada y consumo que integraría lo peor de la época industrial con lo peor de la nuestra?
La vida antes y después de Google. La cultura digital como religión universal. ¿Hay una apuesta política en el remix? ¿Cómo se redefine la relación entre originalidad, identidad y autenticidad de la obra en la cultura de la copia? La civilidad digital, ¿un nuevo orden social, neutral y postnacional? Tácticas, estrategias y artes del hacer que reinventan la cultura. Las prácticas de gestión y producción cultural en esta era.

Info haciendo click acá

Cuando el arte coqueteaba con la tele

2010-10-30T19:25:00.000-07:00

"Entre la crítica y la fascinación: cuando el arte coquetea con la tele", en Clarín de ayer. Por Marina Oybin.

El 17 de octubre de 1951 se hizo en la Argentina la primera transmisión televisiva. Muy pocos tenían tevé: amigos y vecinos se reunían para ver los programas. Ya en 1953 había 32.000 aparatos y sólo dos décadas después nuestro país ostentaba, con 2 millones de aparatos, el récord de horas transmitidas por televisión en todo Occidente.
Tanto fue el interés que generó el nuevo chiche que un grupo de artistas puso el foco allí.
Televisión. El Di Tella y un episodio en la historia de la TV , la excelente muestra en Fundación Telefónica, curada por Rafael Cippolini e Inés Katzenstein, se centra en las relaciones entre arte y televisión a través de las experiencias que se realizaron en el Instituto Di Tella, entre 1965 y 1969. Los artistas experimentaron con la tevé, buscaron resignificarla, trasformarla y darle nuevos usos .
La muestra incluye material de archivo, fotos, grabaciones inéditas que son joyitas, manuscritos, y artículos de diarios. Hay también obras de Luis Felipe Noé y Jorge De la Vega, y una serie de instalaciones de Jorge Macchi, Miguel Mitlag y Andrés Di Tella realizadas especialmente para esta muestra.
¿Qué hacían los artistas de los 60? En Situación de tiempo (1967), David Lamelas reunió en una sala a oscuras del Instituto 17 televisores Siam Di Tella. Los sintonizó en un canal inexistente e invitó a los espectadores a pasar ocho horas dentro de la sala. Se proponía vaciar de contenido la pantalla y envolver al espectador en una atmósfera de luz catódica alienante.

Pensando en aquellos años, Andrés Di Tella, hijo de Torcuato Di Tella, hizo una proyección con material televisivo de época. Un zapping imaginario de los 60 donde desfilan Andrés Percivale cubriendo la Guerra de Vietnam, Mónica Cahen D’Anvers desde Cabo Cañaveral y los jovencísimos Marta Minujín y Edgardo Giménez.
Los artistas pop buscaron llegar al gran público a través de la tevé. Y lo lograron. Las filmaciones de época dan cuenta del lugar que ocuparon en la pantalla chica como verdaderas estrellas y de la repercusión que tuvieron históricos happenings como Simultaneidad en simultaneidad (1966), que incluía un circuito cerrado de tevé, y La Menesund a (1965), que incluía una sala donde una pareja en la cama miraba tevé.
Marta Minujín hizo el primer happening televisado de Latinoamérica. Cuenta la artista en una entrevista que puede verse en un pequeño monitor en una de las mesas, que como el término se venía usando en los medios con un sentido inapropiado, se lanzó a hacer uno en el programa “La campana de cristal”. Y lo hizo: ponies encabritados que llevaban latas de pinturas y a su paso salpicaban a la audiencia, strippers musculosos reventando globos con pinches adosados al cuerpo y decenas de gallinas sembrando plumas por doquier hicieron encolerizar al presentador del programa. Acto seguido: cortaron la transmisión.

En la vereda opuesta a la de los artistas pop, Eduardo Costa, Raúl Escari y Roberto Jacoby buscaron analizar los mecanismos de la televisión, poner en evidencia el poder de los medios en la construcción de la realidad e imaginar nuevos modos de participación. Así, el Happening para un jabalí difunto –en el que participaron Oscar Masotta, Manuel Mujica Lainez, Antonio Gasalla, entre muchos otros– buscó “construir la obra en el interior del medio”. Un informe y una serie de fotos publicitaban un evento artístico que nunca existió. Sin embargo, muchos medios gráficos difundieron la supuesta noticia sin chequear la información.
Una muestra que cautiva más que la tevé, y que, por la cantidad de fotos, grabaciones inéditas, entrevistas e instalaciones hay que recorrer con tiempo.

Inconsciente televisivo

2010-10-27T21:56:00.000-07:00

En los sesenta todo comenzó a suceder en la televisión (la pantalla no estaba sólo en el cine, sino dentro de tu casa). Hoy también está en tu bolsillo (en tu celular) y en tu bolso o mochila (en tu laptop). En los sesenta el arte comenzó a mirarse globalmente desde las pantallas, más allá del cine. En una muestra como La Menesunda (de Marta Minujín y Rubén Santantonín, de 1965) los espectadores se veían a sí mismos en la tele mediante un circuito cerrado. Si Pettoruti se escandalizaba en los años cuarenta porque las obras de arte podían enchufarse (Kosice y sus obras de neón mediante), en los sesentas un happening ¡la última avanzada de resistencia del aura perdida! podía verse en la televisión pública argentina. De eso trata (además de otras cuestiones) la muestra que inauguró la semana pasada en el Espacio Fundación Telefónica. El comienzo de la anfibiedad en un archivo expandido.

Televisión

2010-10-09T15:59:00.000-07:00

Se viene.

Televisión.

El Di Tella y un episodio en la historia de la TV.

Curaduría de Inés Katzenstein y Rafael Cippolini

Una muestra documental.

21 de octubre, 19 hs.

Fundación Telefónica, Arenales 1540.

Liniers, Tamara Kamenszain, Marina Mariasch, Adrián Dargelos, Beatriz Sarlo, David Nahón, Daniel Saimolovich, Noé Jitrik y yo

2010-10-05T23:15:00.001-07:00

Blogósfera TV: 30 de junio.

Con Marina Mariasch y David Nahón

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Con Liniers en el Malba. 23 de agosto.

En el ciclo El libro del mes (Malba Literatura).

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Con Beatriz Sarlo, Noé Jitrik y Daniel Saimolovich. 15 de setiembre.

En el ciclo Revistas Culturales, pasado y presente (CCEBA)

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Con Adrián Dárgelos. 20 de setiembre.

En el ciclo El libro del mes (Malba Literatura).

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Con Tamara Kamenszain. 12 de julio.

En el ciclo El libro del mes (Malba Literatura).

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2001 Ready-made

2010-10-02T07:11:00.000-07:00

La fábula del primer ready-made.

Prêt-à-Rocker

2010-09-29T17:55:00.000-07:00

Sobre Prêt-à-rocker, de Victoria Lescano

En La Voz del Interior

Las tribus urbanas son otro de los productos culturales derivados de el fashion del rock. Recuerdo haber leído en los ’80 que el público tendía a agruparse no tanto por la estética musical como por la visual, siempre centrada en el vestuario. Existieron entonces ocasiones en las cuales una canción podía ser una avanzada de cualquier género, hasta el momento en el cual la imagen de los músicos lograba imponerse. Y es que en el rock el look dice tanto y resulta tan estratégico como los sonidos. También, por supuesto, en otros géneros: las elecciones de vestuario resultan todo un manifiesto.

La pinta nunca es lo de menos. Los fans pueden desconocer hasta el más simple de los acordes, pero sin dudas saben en qué negocio podrán conseguir un clon de la remera de sus ídolos. A propósito, ¿existe un fashion local? Y de ser así, ¿cuál es su historia? Es en estas coordenadas en las cuales Prêt-à-Rocker, de Victoria Lescano, se impone como un fabuloso relato de investigación periodística.

Adrián Dárgelos relee Alasdair Gray en el Malba

2010-09-23T16:13:00.000-07:00

La cita fue el pasado lunes. En el Malba.

Adrián Dárgelos eligió la recomendadísima (e inconseguible) novela Lanark de Alasdair Gray como libro para conversar. Fue un lujo.

Por supuesto, los temas se extendieron tanto mas allá.

Con esta fecha cerramos (al menos por este año) el ciclo El Libro del Mes, con producción de Malba-Literatura y por el que pasaron, además de Dárgelos, Fabián Casas, Tamara Kamenszain y Liniers.

Dárgelos relee Lanark de Alasdair Gray

2010-09-18T14:05:00.000-07:00

Ciclo. El libro del mes. Lanark de Alasdair Gray, por Adrián Dárgelos.
Lunes 20 de septiembre a las 19:00. Auditorio del Malba. Entrada libre y gratuita. Hasta completar la capacidad de la sala.

El libro del mes es una actividad en la que narradores, poetas y artistas de diversas disciplinas son invitados a recomendar un libro al público y hablar sobre la experiencia mínima y máxima de su lectura junto a Rafael Cippolini.

Adrián Dárgelos (músico) relee Lanark de Alasdair Gray.

Adrián Dárgelos es músico, actor y desde 1991 forma parte de Babasónicos. Dirigió algunos de sus videos bajo el seudónimo de Benito Scorza.

Avenida Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA
Buenos Aires, Argentina
+54 (11) 4808-6500

Revistas Culturales

2010-09-15T12:02:00.000-07:00

SCANNER MUNDI
Revisando los desafíos de las publicaciones culturales en la era web

Hasta hace unos pocos años atrás no necesitábamos explicarnos el rol de las revistas culturales. Sin embargo, nuestro presente de redes digitales sigue mutando su tradicional contexto de circulación (sus espacios de intervención e influencia) reclamando un análisis -o mejor, un autoanálisis- de sus intenciones, políticas y alcances. ¿Cómo se piensa el mundo, o más exactamente, cómo se lo escribe y publica (en capítulos y diálogo) en un medio ubicuo de velocidades inéditas, en una atmósfera de creciente infoxicación y violenta disponibilidad? ¿De qué hablamos cuando nos referimos a independencia y movilidad? ¿Vivimos una metamorfosis de saberes, una reubicación o una momentánea alteración? ¿Nuevos lenguajes? ¿Transitamos modelos antes desconocidos o simplemente intentamos adaptarnos como podemos al demoledor desafío de los nuevos medios de comunicación? ¿De qué modo imponer una agenda -de estrategias, visiones y programas- en plena redefinición y reconstrucción de visibilidad cultural? ¿Para quién se escribe? ¿Qué es hoy un lector? ¿Qué significa estar informado? ¿Otra opinión pública? ¿Sigue resultando imperioso recurrir a los medios gráficos no electrónicos? ¿Reinventamos la fórmula de apocalípticos o integrados? ¿Nuevos protocolos para un mismo tipo de debate? ¿Realmente experimentamos una influencia en el modus operandi institucional? Estas mesas de exposición y discusión se proponen un análisis del ayer y del ahora de nuestras ediciones culturales: continuidades, abandonos, hallazgos, desafíos y persistencias.

MIÉRCOLES 15 - 18.00 Mesa redonda LETRAS, PENSAMIENTO, CULTURA. UNA PERSPECTIVA HISTÓRICA

Participan: NOÉ JITRIK, DANIEL SAMOILOVICH Y BEATRIZ SARLO
Modera: RAFAEL CIPPOLINI

JUEVES 16 - 17.00 Mesa redonda EL FUTURO DE LAS REVISTAS CULTURALES
Participan: MARCELO COHEN, MARIANO LUCANO, JIMENA NESPOLO Y GABRIEL PASQUINI
Modera: RAFAEL CIPPOLINI

JUEVES 16 - 19.00 Conferencia de RAFAEL CIPPOLINI

15/09/2010 18:00 HS. CCEBA SEDE PARANÁ 1159
16/09/2010 17:00 HS. CCEBA SEDE PARANÁ 1159

Los humanos además son contagiosos

2010-09-08T13:46:00.000-07:00

Otra versión del apotegma de Peter Steiner: “pensé que eras un humano, pero me parecía demasiado fantasioso”. En el último número de Gazpacho, publicación del Centro Cultural de España en Buenos Aires, esta vez dedicado a la diversidad cultural, escribí unas líneas sobre los imaginarios en software. Pueden obtener su versión PDF haciendo clic acá. Pero les recomiendo conseguir su versión física. Una vez más, el tacto gana.

José Luis Brea, ensayista

2010-09-04T21:15:00.001-07:00

Un ensayo implica –no lo puedo pensar de ningún otro modo- experimentar con un modelo retórico. Jugarse en las palabras. Ensayar será en todos los casos ensayar una lengua, es decir, exponerse al balbuceo. José Luis Brea lo hacía: siempre admiré el sitio desde el cual construía su visión. Subía la apuesta y avanzaba decidido por donde los demás sólo exhibían cautela (y en términos ensayísticos, jamás es un buen espectáculo). Hablé una sola vez con él, hace algunos años, en Montevideo. Me hubiera encantado haber dialogado mucho más.
Extrañaré sus textos.

Cippodromo(n): Historial

2010-08-31T16:13:00.000-07:00

Posteo autorreferencial. Trayectoria(s)

Comencé a escribir el Cippodromo en enero de 2007 en un estudio en el que ya no escribo. La idea era poner en órbita (en la blogósfera) un cuaderno virtual de apuntes sobre usos estéticos (en el sentido más amplio) y las reflexiones que surgieran al paso (más que un cuaderno, una libreta de apuntes ubicua).

Al poco de comenzar (en marzo de 2007) decidí cerrar más mis textos a un conjunto de temáticas. Fui abriendo tags muy específicos. Pensé los textos para la web. Textos kundalini, que se pensaran a si mismos en un contexto bien específico. Escribir sobre la web en la web. Hay quienes creyeron que mis intereses (totales) se contentaban con estas exploraciones a los imaginarios de los contextos web. Nada de eso: el Cippodromo es una experiencia con límites bien precisos. Un 10% aproximadamente de mi trabajo. Últimamente un 2%.

Sigo pensando que no podemos repensar lo que aún llamamos estética sin analizar los efectos de la web en lo social. Eso no me convierte en un webfílico. Simplemente me parece que no atender a esta observación es no focalizar todo cuanto debemos.

La estética no es privativa (jamás lo fue) de las artes visuales. Ni siquiera de las artes. Es exactamente al revés. No me interesa especialmente el campo de las artes si no es como observatorio privilegiado para entender el mundo en el que vivimos. Cuando me refiero a las artes no puedo dejar de aclarar: lo que llamamos arte contemporáneo ocupa un sitial por demás privilegiado en tanto sistema de conocimiento.

El arte contemporáneo es, tal como lo abordo, un instrumento fundamental para explicarme el mundo.

En este sentido Cippodromo no es un blog sobre arte contemporáneo. Es el blog de un ensayista que cree que el arte contemporáneo es un desafío inevitable para observar las formas de vida del Siglo XXI. Aquello que escribo sobre la cultura web proviene de esta dirección.

Lo que todavía denominamos ficción no es lo mismo que llamábamos así hace apenas unas décadas atrás.

Me interesa la blogósfera como red. Aquellos blogs que están en mi roll o que cito mucho son la punta de iceberg de los blogs que navego.

Si hay algo en que no creo es en un decálogo del buen blogger. Me parece tan absurdo como querer imponerle a quien sea qué debe hacer con una libreta de apuntes.

Comencé el Cippodromon en diciembre de 2007 para postear todo aquello que no escribo específicamente para el Cippodromo. Por eso lo denomino el lado B del Cippodromo.

Durante mucho tiempo me propuse la rutina de postear no menos de 4 veces por mes. Llegué a postear ocho. No concibo un posteo para el Cippodromo con menos de 4000 caracteres. Ningún posteo es estrictamente un ensayo. Más exactamente se trata de apuntes para ensayos construidos a partir de linkeos previos que me sirven de referencia y contexto.

Tanto Cippodromo como Cippodromon son diarios personales públicos por defecto.

Este es el mes en que menos posteos realice. En mi vida.

Tokonoma presenta

2010-08-10T19:41:00.000-07:00

Invitado una vez más por Amalia Sato, para este número escribí sobre las "Sensaciones desconcertantes" (Touwaku, en japonés). Titulé a mi colaboración Selenitas y lunáticos.

Y comienza así:

当惑 Touwaku
Sobre las Sensaciones desconcertantes.

Selenitas y lunáticos

Todo lo oscuro (lo más oscuro) suele suceder a plena luz del día.
De ningún modo para contradecir una atmósfera tradicional, pautada a lo largo de muchos siglos de sugestión (porque incluso la sugestión tiene su propia historia cultural). Sino (y simplemente) porque el horror, incluso tan cotidiano y aséptico como lo concibió el mismísimo Sade, no obedece ni a momentos ni a lugares.
Estas líneas quisieran prometerse en la microhistoria de un mix cerebral, ese ejercicio acaso involuntario que consiste en entender y explorar una historia (una fábula) a partir de otra. Y confundirlas, reescribiéndolas simultáneamente, en único gesto. (...)

El relato más antiguo que conocemos del Japón, el Taketori Monogatari, escrito hace más de mil años y popularizado en nuestra lengua como La leyenda del cortador de bambú o La Princesa de la Luna da cuenta de este insensato exilio. Una bebé, la futura reina de la luna, se deja encontrar muy lejos de su hogar por unos campesinos terrestres.
¿Por qué no puedo dejar de recordar este relato, supuestamente escrito por una mujer, cuando vuelvo a ver la película de animación Princess, del director danés Anders Morgenthaler?
Se trata de la odisea de Mia, una niña adulta de cinco años que parece prisionera de un campo magnético de corrupción, del que trata de liberarla –para liberarse- su tío August, un clérigo misionero obsesionado por el destino de su hermana Christina, actriz porno asesinada en confusas circunstancias.
Como en Dei bambini non si sa niente, novela de Simona Vinci publicada en 1997 que aún hoy sigue provocando, es el comportamiento socialmente desajustado de los niños el que nos conmueve. Mientras que el universo de Taketori Monogatari (perteneciente a ese libro mágico conocido como Kojiki o inventario de cosas antiguas) todo obedece a un plan celestial y justo, en el universo de la pequeña Mia todas las reglas parecen haber sido dictadas por un dios maligno que se complace en el sufrimiento y desconcierto de sus criaturas-víctimas. Aún así, el caos –para nada paradojalmente- no deja de ser previsible."

Sigue en la revista.

El exceso de las formas del mundo

2010-07-30T20:22:00.000-07:00

¿Cuántos videos de factura doméstica se suben diariamente a plataformas como Youtube? Todo se filma, todo se registra, todo se instala, todo se comparte.
La visualidad crece desproporcionadamente.
Nuestros otros sentidos orbitan a su alrededor.

No hay nada que no sea alcanzado por la velocidad de un video, que no se observe, que no se capture. Youtube es, ya lo sabemos, una narración de narraciones. También Vimeo y las demás plataformas para video. Un siniestro ocurre en el punto opuesto del globo y ya fue captado por decenas de celulares que lo distribuyeron inmediatamente en la web.

¿Cuántas personas se filman en las situaciones más absurdas y proponen estas “historias mínimas” en internet?
Nuestros sueños y nuestras pesadillas se construyen con esas imágenes tan pixeladas como histéricas.
Tan histéricas que apenas las percibimos en su histeria.

Las relaciones entre visualidad y virtualidad se redefinen ininterrumpidamente

2010-07-16T05:10:00.000-07:00

Y también impúdicamente.
Si existe un pulso en nuestra cultura es este.
No sólo somos espectadores (el horror de Guy Debord). Somos también productores de visualidad.
Jamás como en los últimos tres lustros la virtualidad fue tan masiva.

Pues ese es otro punto clave: visualidad y masividad.
Son demasiadas voces.
No hay nada mejor que proteger que sean demasiadas voces.

Imágenes de Nur_Moo

Manifiesto Infoxicante

2010-06-30T14:42:00.000-07:00

Mucha información hubo siempre
Pero ¿cómo podías obtenerla?
No era accesible mucha información
sobre la existencia de tanta información.
Nunca antes hubo tanta información
sobre la existencia de la información.

Hoy somos básicamente generadores de información,
absolutamente conscientes de serlo, incluso
en nuestra mayor inconsciencia.
Hoy todo es información
Absolutamente todo.
No existe algo que no sea información.
Hasta el desinterés.

Nuestra vida es información.
Nuestros movimientos son información.
La diversión es información.
El ocio es información.
Toda información tiene valor.
Tiene un precio.

Vos sos información.
Yo soy información.
Todos lo somos.
Tus enemigos son información.
Tus amigos.
Tu amor es información.
Tus odios lo son.

La información (también) es poesía.
Y si no lo fuera
deberíamos poetizarla.

Blogósfera

2010-06-18T17:50:00.000-07:00

"No me interesa tanto el blog en sí sino la blogósfera en tanto constelación expandida, comunidad fluctuante de intereses. La blogósfera es un ensayo de red. Ya sabemos: la red es un paradigma de época, lo cual no significa que sea ningun paraíso. La blogósfera es una escala amable y también incisiva de dinamizar un ensayo de red." Hace dos años le dije esto a Maccur. Hoy charlábamos con Marina Mariasch mientras grabábamos un capítulo para Blogósfera (Canal á). Una feliz sincronía.

Con Fabián Casas en el Malba

2010-06-12T09:30:00.001-07:00

La cuestión es simple. Invité a Fabián Casas (poeta, narrador y ensayista) a elegir un libro (el que quisiera) y después charlar en público sobre esa lectura. Eligió Anna Karenina, de Tolstoi y hablaremos sobre esta novela el próximo miércoles 16 en el Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Av. Figueroa Alcorta 3415) a las 19 hs.

El ciclo se llama El libro del mes y los próximos invitados son: Tamara Kameszain en julio, Liniers en agosto y Adrián Dárgelos en setiembre.

¡Nuevo! Si querés escuchar la charla hacé click acá.

¿Quién es Flavio Kacer?

2010-06-09T06:43:00.000-07:00

Rarísimo. En la nota publicada el domingo último en el diario Perfil sobre la última muestra de Fabio Kacero titulada (sólo para el texto de la nota ¿de dónde habrá salido ese nombre? ) Atemporal, invisible y de encuentros imposibles, Claudio Iglesias parece querer discutirme cuando escribe “En una palabra, Kacero es un desertor de toda idea de práctica artística que se fundamente en la especificidad de un medio y no, como juzgó oportunamente Rafael Cippolini, en la construcción de un personaje. De ahí que la opacidad casi alienígena de los objetos y la extravagancia de algunos planteos formales subrayen una búsqueda de la dirección performática inherente a toda obra de arte y del involucramiento ficcional del artista en ella.” Sin dudas se refiere a lo que dije en este posteo-apunte (hacer clic acá), ya que en Dispersiones diferidas, que es mi colaboración para el libro sobre el artista que publicó Adriana Hidalgo Editora, no utilizo en ningún momento el término personaje ni siquiera en forma figurada.

“El personaje-Kacero (que remite de inmediato y en sus palabras a aquel Borges y yo, que tanto admira) reaparece con El Muertito y las performances en el café Saint Moritz registradas por Rosana Schoijett, que conviven perfectamente con las distintas propuestas de su Muestra del Año y sus ya conocido catálogo de acolchados y transparencias.”

Para empezar, la idea del personaje-Kacero en relación al Borges y yo, es algo que charlamos muchas veces con Kacero ya que es un tema de su interés y no una ocurrencia mía. Por otra parte, en ese párrafo sólo me limito a decir que el personaje reaparece (es decir, se manifiesta), no que fuera central ni fundamente ni, mucho menos, que necesariamente preexista a la obra.

¿No deberíamos revisar con más atención la frase que Kacero sube a la web de la galería? (hacer clic sobre la imagen)

Simétricas imposibilidades de ver.
El dios del mundo es Jano, y Fabio Kacero se encuentra con Flavio Kacer.

Además, el video exhibido no es El Muertito (Totloop, 2003) sino una cita a esa obra donde Kacero se reapropia de una crítica despiadada que recibiera en una muestra colectiva en Nueva York en el 2007.

Pero lo que menos entiendo es cuando describe “[En uno de los videos] otra niña, todavía inexperta lectora, le impone una prosodia particular al relato de Víctor Hugo Morales del gol de Maradona contra Inglaterra donde es comparado con un barrilete cósmico”. Y digo que no entiendo porque justamente esa obra no forma ni formó parte de la muestra.
Realmente, muy muy raro. Tan raro como ese nombre de muestra que ni el propio artista conoce.

Adaptación

2010-06-07T07:52:00.000-07:00

Suele suceder así. Estaba leyendo unas líneas de Nietzsche que dicen:

“A los ojos de los extraños que nos ven somos una cosa completamente distinta de lo que nosotros creemos ser: generalmente, no se ve otra cosa más que una particularidad que salta a los ojos y que determina la impresión. Así es como el hombre más apacible y más razonable, en caso que tuviera un gran bigote, podría sentarse en cierto modo a la sombra de ese bigote y sentarse ahí con toda seguridad.” Y me vino a la cabeza inmediatamente de esa otra frase de Salvador Elizondo que recuerdo más o menos así: “Finalmente acabamos por parecernos a ese que imaginan los desconocidos”.

Imagínense, con esto rondándome encontrarme con éste posteo (hacer clic acá) y enterarme que un artista llamado Leopoldo Sosa, a quien creo no conocer (al menos no recuerdo su nombre) está realizando un work in progress que no es nada distinto a un mural con mi cara. Vaya impresión ¡tremenda sorpresa!. Una vez más otra cita me revoloteó; esta vez de Bioy Casares. “Creí durante muchos años que la cara nos tocaba en suerte. (…) En no recuerdo qué oportunidad un fotógrafo me dijo: “Usted no va a creerme, pero hay personas que no asumen la responsabilidad de su cara” Rápidamente resolví, por si acaso, asumir la responsabilidad de la que tengo”. Incluso siendo un work in progress, estoy pensando en asumir la responsabilidad de parecerme todo lo que pueda al mural de Leopoldo Sosa.

El Fin de Second Life

2010-05-31T20:36:00.000-07:00

Dolcemare: Hace dos meses y medio que abandonaste Second Life. ¿Extrañás?

Napoleón: Definitivamente sí. Pero no sé si el software en tanto tal o un tipo de usuario que encarné en algún momento casi sin darme cuenta. Fueron años en el metaverso. No siempre lo experimentás del mismo modo.

D.: Ahora que decidiste estar afuera ¿cómo describirías tu estilo de avatar? Quiero decir: tus estrategias de juego, de utilización del software.

N.: Me veo claramente como un utopista. Ingresé a Second Life para experimentar las posibilidades de un metaverso que sabía complejo. Poco a poco me fui dando cuenta que se trata de una oportunidad maravillosa para conectarnos con otras personas de otro modo. Pero lo cierto es que conocí muy pocos usuarios que realmente quisieran llevar a fondo su experiencia avatar.

D.: ¿Y qué sería llevar a fondo una experiencia avatar?

N.: No insistir en el avatar como si fuera el reflejo de un espejo más o menos deformante. Un avatar no es otra cosa que una manera de objetivar tu imaginación en torno a un yo. Un yo que sirve para compartir experiencias desde lo imaginario.

D.: ¿Lo imaginario sobre lo físico?

N.: Es la posibilidad que te ofrece este universo digital: fundir lo virtual con lo imaginario. Para mi la imaginación (mi imaginación) es importantísima. Mi identidad en el mundo no-digital está mediada todo el tiempo por la imaginación.

D.: ¿Lo que extrañás de Second Life es este modo particular de articular tu imaginario?

N.: Ni más ni menos. Sigo creyendo que uno de los mejores modos de conocer a alguien es entendiendo cómo utiliza su imaginación, que no es más que la más vigorosa puesta en marcha de lo que entendemos como deseo. En la imaginación nuestros deseos se vuelven más complejos, a mi modo de ver más interesantes.

D.: ¿Imaginación visual?

N.: No. No sólo. Imaginación en tanto motor de estrategia de sobrevivencia en un contexto cada vez más contaminado.

Criogenado blog de Napoleón Baroque.

Imágenes de Nur_Moo.

Manifiesto Procrastinante

2010-05-25T08:42:00.000-07:00

El historial de tu máquina es pura acción.
Tu labor. Son tus elecciones. Es un software que funciona como un detective y a la vez como un diario personal de tus movimientos virtuales.
¿Qué hacemos en la web? Muy simple: navegamos todo tipo de información.
El historial no es otra cosa que el minucioso mapa de tus movimientos.
Una web es ante todo tiempo.
Y tu presencia en ese tiempo es tu historial: ni más ni menos que una lista.

(Clickear sobre la imagen para agrandar). Soy usuario de Google Chrome (la web es ante todo un instrumento y, ya lo sabemos, nos determinamos en nuestras posibilidades de instrumentistas).
Una herramienta muy gráfica, especialmente el historial. Mi memoria de archivo en estado crudo.
En este sentido mis blogs, tanto Cippodromo como Cippodromon, son mis archivos razonados. Nada distinto al núcleo duro de mi actividad web: un muestrario de links que son los que más se reiteran en el historial de mi máquina.
Por suerte, mi vida web es sólo una parte no tan extendida de mi vida a secas. Con esto quiero decir: mi vida web no duplica para nada a mi vida unplugged. La continúa, sí. Muy parcialmente. De aquí mi anfibiedad: sólo un porcentual pequeño de mi deseo de información se articula en la red.

Todos somos procrastinautas. Avanzamos y delineamos una buena parte de nuestros días en las oscilaciones de nuestro procrastinar.
Por lo mismo, propongo un manifiesto-manual-de-instrucciones cuyo centro sea el siguiente: todos los días, antes de apagar la máquina, detenernos a observar minuciosamente y sacar conclusiones de nuestro historial.
Procrastinemos, sí. Pero sepamos cómo.
Seamos procrastinadores autoconcientes.
Politicemos nuestro tiempo.

Teorizar

2010-05-22T15:17:00.000-07:00

Teorizar poco se parece a explicar.
Jamás creí que teorizar se determine en dar una respuesta.
Por el contrario. Soy de los que sostienen que no existe mejor narrativa que la teoría. Y al revés. La narrativa que más me entusiasma es incisivamente teórica. Es algo muy elemental: teorizar implica construir preguntas.
Cada teórico se define en lo que realiza con esas preguntas.

Leo a McLuhan:

“Soy un investigador que arroja sondas. Carezco de una posición o un punto de vista determinados.
Nuestra cultura sólo acepta a quienes se mantienen en posiciones fijas. El que se mueve y traspone límites es un delincuente y un belicoso. Todo explorador es cabalmente contradictorio. Nunca sabe en qué momento hará algún sorprendente descubrimiento. Carece de sentido hablar de coherencia respecto a un explorador, porque si éste se propusiera ser coherente no se movería de su casa.

No explico.
Exploro.”

Walt Disney se descongeló y Frank Chu salió en defensa de Albertino

2010-05-19T07:25:00.000-07:00

El siguiente fragmento es parte de un texto buenísimo de Leonello Zambon titulado Masomenos realidad (si te digo la verdad te miento).
No se lo pierdan.

Una amiga me prestó un breve libro de Jonathan Lethem suponiendo que iba a interesarme. Ella estaba en lo cierto. El título original del texto es The ecstasy of influence: A plagiarism publicado originalmente en Harper´s Magazine en febrero de 2007, la versión en español fue rebautizada Jonathan Lethem contra la originalidad.

Este brevísimo texto es una invitación feroz e inteligente al desapego creativo y al robo a mano armada en lo que a materiales y fuentes creativas podamos imaginar. La idea de la cultura como propiedad privada es desarticulada sutilmente a través de una defensa de la cultura del regalo que desbarata la noción de derechos de autor como ley en tanto absoluto moral, pensándola más bien como una negociación constante, imperfecta cada vez. A su vez es un texto que nos traslada casi sin percibirlo de relato en relato: textos fragmentarios y disconexos entre sí se articulan como cuando tejemos semejanzas entre los paisajes y situaciones que se suceden sin orden aparente al realizar un paseo distraído y despreocupado.

Es en estos paseos distraídos, sin embargo, cuando nuestra percepción se sitúa apenas distante de aquello que solemos definir como lo que somos y… algo puede temblar tal vez. Quiero decir: superando la imagen funcional del “yo” que reafirmamos una y otra vez como herramienta para realizar transacciones (de todo tipo: morales, económicas, afectivas, intelectuales) se abre la posibilidad del conocimiento por el montaje. Y en el montaje no puede haber realidades fijas, imperturbables. Ni siquiera las dictaduras del yo. Yo soy otro. Otro que rápidamente se adaptará a otro yo. Sin pecar de maníaco. Mas bien pensando en un “yo funcional anfibio”, que no deja sin embargo de fallar en sus intentos por reafirmarse y adaptarse a su función mutante.

Basta de rodeos. Digámoslo de una vez por todas: en el texto de Lethem me sedujo antes que nada su teoría de la Disneygación de las fuentes, es decir, como de manera hipócrita la compañía Disney engrosa su catálogo de personajes e historias a partir del trabajo de otros (Blanca Nieves y los siete enanitos, Alicia, El Libro de la Selva, etc.) para apropiarse los derechos sobre este material y defenderlo como si de un botín de guerra se tratase.

A partir de su contagio e influencia comencé a escribir este informe un tanto tartamudo.

Tecleé Walt Disney en Google y me enteré por primera vez que de muy joven su sentimiento patriótico lo impulsó a presentarse como voluntario en la primera guerra. Falsificó su acta de nacimiento y fue admitido en la Cruz Roja, sin embargo nunca pudo entrar en combate. También leí que cuando terminó su entrenamiento y fue trasladado a Europa, Alemania había firmado el armisticio, y la guerra había terminado. Walt entonces fue seleccionado para conducir ambulancias. Allí se dedicó a transportar a oficiales, jugar al póker y pintar cascos con colores de camuflaje, golpeándolos para que parecieran usados en combate y vendiéndolos a los americanos que buscaban souvenirs de guerra. Todos estos datos me parecieron irrelevantes. Tal vez porque lo que deseaba saber no era tan fácil de hallar. En principio, no sabía lo que deseaba saber. Así que suponía no saber como hallarlo. Creo que el interrogante que me zumbaba en el oído era algo relacionado a esta pregunta: ¿el viejo Walt y su ratón, porqué siempre ríen? Y también ¿es que ríen por lo mismo?

En una vieja foto con la que dí consultando Wiki a propósito del viejo Walt, se lo puede ver hacia el final de la Gran Guerra, posando frente a la ambulancia de la Cruz Roja que conducía en Francia. Como en muchas otras fotografías posteriores, Disney aparece junto a una caricatura, solo que esta vez no se encuentra acompañado por su fiel e incondicional aliado el ratón Mickey. El dibujo realizado por él mismo parece representar a un suboficial, o probablemente a un integrante de la Cruz Roja. Tal vez incluso se trate de un autorretrato. Walt y su doble, a escala uno en uno, él con una expresión rígida en el rostro y las manos ocultas en los guantes negros (es la única fotografía en la que lo recuerdo serio). Por otro lado su clon inanimado trazado sobre la lona espesa y curtida de la ambulancia, diminutos ojos redondos de mirada hueca descansando sobre una bocaza sonriente hasta la estupidez.

Otros dos dípticos de Walt y sus caricaturas (esta vez si acompañado por Mickey) también llamaron mi atención. En ambas fotos se lo puede ver con un instrumento de dibujo poniendo fin a un último trazo. Uno se trata aparentemente de una pluma y el otro es una tiza, lo que da un carácter de provisionalidad al dibujo. Esta es la primera diferencia que llamó mi atención. Un trazo rígido, firme y cubierto de tinta negra en uno de los dibujos y un trazo inconcluso, abierto, que deja traslucir los trazados reguladores del círculo que forman la cara del archifamoso ratón en el otro. En el dibujo a tinta el último trazo que parece cerrar Disney con su pluma también describe un círculo: pero esta vez no se trata de la cara del ratón sino de la circunferencia que constituye el punto de la “i” de su apellido. Es que uno de los dibujos se encuentra firmado y el otro no. Segundo rango de provisionalidad del dibujo: uno funda cimientos desde la autoría, el otro navega y dialoga desde un hacer circunstancial. A su vez este círculo parece duplicarse y desplazarse hacia el ángulo inferior izquierdo de la imagen, para contener la “c” que determina el signo de copyright. En un doble juego de firmas, el autor se convierte en una marca definida mediante su propio nombre. Un último rango de provisionalidad que resulta interesante señalar es a partir de la idea de retrato. Podríamos afirmar que sin mirada no hay retrato. De hecho el retrato no solo se sostiene a partir de un juego de semejanzas entre el retratado y su imagen. Más bien es la tensión que produce la mirada “viéndonos” a través de la imagen.

Lo que nos mira en aquello que vemos da un carácter provisional a la imagen ya que esta nunca terminará de hacerse, redibujándose una y otra vez a partir de este juego de miradas. Una forma de eludir lo que hay de mirada en lo que vemos consiste en aplanar las imágenes. Aplanar la imagen al punto de no leer espesores ni superposiciones posibles. El grado cero de aplanamiento en relación al retrato es la traslación geométrica frontal a la posición de perfil. Allí se pierde toda complicidad posible entre las miradas. Los retratos de perfil son antes que nada no-retratos, contornos forjados en acero, más durables pero también más ciegos. Aquello que se gana en permanencia es tal vez lo que sedujo a los primeros que dieron a la moneda y los valores de intercambio una imagen reconocible. Los rostros de emperadores representados de perfil en los bronces romanos cumplen una función devastadora como signos políticos y económicos de la permanencia. La cabeza descubierta de Nerón como César mirando hacia la izquierda. Mirando hacia el infinito. Mirando con un ojo ciego la otra cabeza, la del rostro descubierto de Walt mirando a su vez hacia la izquierda el rostro de su ratón, mirando al César.

Taller Scanner Mundi

2010-05-12T06:15:00.001-07:00

Taller Scanner Mundi
Otra antropología para las prácticas artísticas.
Dictado por: Rafael Cippolini
Centro Cultural de España Córdoba
Días de cursado: jueves 13 y viernes 14 de mayo de 10 a 14 hs.
Abre: 26 de abril

Tema:
¿Aquello que durante tres siglos conocimos con el nombre de estética es una especie en extinción? ¿Qué significa percibir en tiempos de inconsciente informático y cultura digital? ¿Con qué herramientas trazar un diagrama de las incesantes mutaciones en la ecología de las formas? ¿Por qué la Historia del Arte nos resulta hoy tan limitada? ¿De qué modo se manifiesta el nuevo tradicionalismo cuando las nuevas tecnologías se presentan más y más tribales? ¿Nuevos mitos, nuevos ritos?

Dirigido a:
Todos aquellos interesados en las estéticas contemporáneas, ya en el arte, la literatura, la crítica, el cine y las nuevas tecnologías.

Patafísicos somos todos

2010-05-12T06:05:00.000-07:00

Hoy en La Voz del Interior

Rafael Cippolini presenta mañana el libro ‘Patafísica, un volumen dedicado a la “ciencia de las soluciones imaginarias”. Por Demián Orosz

La furiosa diversidad de sus miembros y el abanico de ideologías que conviven en su interior alimentan (entre otras cosas) la fascinación que Rafael Cippolini siente por la ‘Patafísica. El progenitor del término fue el francés Alfred Jarry, con la obra Ubú Rey y, sobre todo, con Gestas y opiniones del Doctor Faustroll, patafísico. Pero esta “ciencia de las ciencias”, como la conciben sus adeptos, existe desde mucho antes. Desde siempre, en verdad. Es más, el universo conocido (y el desconocido) es patafísico.

La ‘Patafísica (así, con apóstrofe) germinó de muchas maneras y soporta varias definiciones. Un método, un rito, un arte de la existencia. Quizá nadie discutiría lo siguiente: es la “ciencia de las soluciones imaginarias” y las leyes que rigen las excepciones. Posee un calendario propio (en patafísico hoy es: 23 de Palotin de 137 EP), instituciones y sus correspondientes dignidades. Cippolini es Regente de Historiografía y Deambulaciones Pataporteñas del Colegio de ‘Patafísica, y en el Instituto porteño es Admirable Nababo.

El año pasado contribuyó decididamente al “desocultamiento” de textos y saberes con ‘Patafísica. Epítomes, recetas, instrumentos y Lecciones de aparto (Caja Negra), un volumen que incluye escritos de Jarry, Valéry, Roussel, Eric Satie, René Daumal, Julien Torma, documentos sobre el muy galo Colegio de ‘Patafísica y la pata argentina de esta excéntrica maravilla. El curador y ensayista vendrá a presentar el libro este jueves a las 19.30, en el Centro España Córdoba.

–¿Cuándo te interesaste en la ‘Patafísica?
–Consignemos dos momentos. Primero, la temprana lectura (tenía entonces 13 ó 14 años) de un ensayo sobre la materia de Jaime Rest que por alguna razón me dejó bastante perturbado (recordemos que fue un insigne patafísico porteño, y que dedicó su traducción del libro de relatos de John Lennon “a Juan Esteban Fassio y los miembros argentinos del Colegio de ‘Patafísica”). Segundo, la tarde en que conocí a mi maestra Eva García. Fue en su residencia náutica de la calle Reconquista. Simplemente se me acercó, me olió y me dijo: “el pensamiento es una mierdra”. En ese mismo momento sentí que el virus ya estaba inoculado en mí.

–¿Cómo te hiciste miembro, y qué requisitos cumpliste para integrar el Instituto de Altos Estudios Patafísicos de Buenos Aires?
–Cuando conocí a Eva el Instituto estaba aletargado, es decir, no realizaba manifestaciones externas. Después de estudiar ‘Patafísica durante un buen tiempo (la biblioteca de Eva sobre el tema era gigantesca) le propuse iniciar de inmediato el desletargamiento y comunicárselo al Colegio de ‘Patafísica. Un mes mas tarde, el Trascendente Sátrapa Fernando Arrabal estaba en Ubuenos Aires bendiciendo el renacimiento de la institución patafísica por fuera de Francia más antigua del planeta. Lo cierto es que Eva ya me había olido, no se necesitaban más requisitos.

–Da la impresión de que una vez que se entra en la ‘Patafísica ya no hay salida. ¿No es en cierto modo una concepción totalizante, como un panteísmo? Desde el punto de vista patafísico, el universo es patafísico y el que lo niegue es un patafísico pero ingenuo…
–¡Es que nunca necesitamos entrar! Si no existiéramos, también seríamos patafísicos de todos modos. Digámoslo al revés: no es que no haya salida, sino que tampoco existen entradas. Donde sí podemos ingresar es al Longevo Instituto de Altos Estudios Patafísicos de Buenos Aires o al Colegio de ‘Patafísica. De este modo reafirmaríamos que podemos ser ingenuos en todo, menos en la Ciencia del Doctor Faustroll.

–No se deja encapsular como literatura, es una apelación a lo imaginario, tiene rituales y un lenguaje propio. ¿No son estos rasgos de otros movimientos como el surrealismo?
–En absoluto. Los surrealistas tenían en su programa cambiar el mundo. Los patafísicos no necesitamos cambiar nada. Por otra parte, la patafísica existía antes de que existiera nuestra galaxia y nuestro sistema solar. No podemos decir lo mismo de las huestes de Breton. Por último, los dominios del surrealismo son los del siglo XX. Diversamente, la ‘Patafísica está más allá y más acá del tiempo. Es cierto que muchos artistas filiados al surrealismo, como Duchamp, Max Ernst y Man Ray fueron autoridades del Colegio de ‘Patafísica. Pero también lo es Benoît Mandelbrot, tan conocido por sus trabajos sobre los fractales, y esto no significa que todos los patafísicos seamos matemáticos. Y también lo fue Baudrillard, y de hecho no somos simulacros. Al menos no todos.

–¿Se puede pensar en una lógica anticapitalista de la ‘Patafísica, pese a la inutilidad rigurosa de sus investigaciones y al hecho redimirse de la tarea de curar la Historia?
–El Colegio supo albergar en sus filas a furiosos anticapitalistas, como es el caso del Trascendente Sátrapa Enrico Baj, pero lo cierto es que por definición nos negamos a generalizar. Al fin de cuentas, el anticapitalismo es tan patafísico como el capitalismo. El Colegio de ‘Patafísica sabe albergar tanto a furibundos anarquistas como virulentos monárquicos. Las ideologías mas contrastadas son parte de su folklore interno. Particularmente, me seduce esta salvaje pluralidad.

–En tanto arte que permite a cada cual vivir como una excepción, ¿la ‘Patafísica conecta con una estética de le existencia?
–Sin duda de la ‘Patafísica puede deducirse una estética, del mismo modo en que se puede hacer algo parecido con el turf. Recuerdo que el poeta Alberto Girri recomendaba frecuentar las carreras como fórmula para mejorar nuestro gusto. La ‘Patafísica es tan estética como un cinocéfalo papión fuera de control. También como un nido de carancho.

–¿Estás llevando a cabo estudios patafísicos sobre algún tipo de objeto?
–En este mismísimo momento me encuentro cerrando un dossier sobre Macedonio Fernández y la patafísica porteña que será publicado en Francia en unos meses (se trata nada menos que de una Macedónica Aplicada). Es más, lo adelanté en el Observatorio Astronómico de Córdoba hace algunos años (el tiempo pasa muy deprisa). Pero también prosigo con mis investigaciones habituales, como el estudio de las filiaciones probables e improbables entre Orélie Antoine de Tounens, Rey de la Patagonia y Araucania y el Nahuelito, monstruo milenario que fue avistado por primera vez en el lago Nahuel Huapí hace exactamente 100 años. No puedo decir que haya obtenido conclusiones definitivas, pero sí que todo está muy bien documentado.

–“La patafísica es una recusación del positivismo, una reacción bufonesca contra la doctrina del progreso en la época”. Así la define en un artículo Christian Ferrer. ¿Estás de acuerdo?
–Digámoslo así: ni Raymond Roussel ni Alphonse Allais ni el mismísimo Jarry estarían de acuerdo con esta proclama. Por supuesto, sí Enrico Baj o Asger Jorn. Por mi parte me niego a pensar un mundo en el que no exista Atari. ¿Qué habrá querido decir con lo de “bufonesca”?

Presentación y proyección
Patafísica. Epítomes, recetas, instrumentos y Lecciones de aparato (Editorial Caja Negra, traducciones de Margarita Martínez) se presentará mañana a las 19.30 en el Centro Cultural España Córdoba (Entre Ríos 40). Estará presente el autor y se referirán a la obra Mariana Robles y Demian Orosz. Proyección: se verá el filme El zoo de Zaratustra, de Karin Idelson y Rafael Cippolini. Audición: Evatrónica Aplicada, obra de Alan Courtis.

Tokonoma 14

2010-05-09T01:04:00.000-07:00

Japón desde 55 palabras: ya llega la nueva Tokonoma.

Imperdible.

¿Quieren saber un poco más? Hagan click sobre la imagen.

Información desocultada

2010-05-03T04:54:00.000-07:00

¿Cómo sucedió?
Lo que sabemos (que no es mucho) es lo que leemos en los foros. Blogger no contesta directamente sino que nos remite a las discusiones que se van generando. Por lo cual, finalmente, no existe una voz de respuesta sino hipótesis de usuarios y también de gente de Blogger.

El 19 de marzo comenté que repentinamente, todas mis intervenciones en mis comentarios (no así los mensajes de otros) habían desaparecido. Del mismo modo, la semana pasada me percato que, así como habían permanecido ocultos, de un momento para el otro reaparecieron en su sitio.
Sin ninguna respuesta precisa.

Ya me había pasado con Google Analytics. Toda la data generada durante meses un día desapareció. El software me indicó que debía reinstalarlo y ya.
No deberíamos olvidar nunca esta experiencia. ¿Qué tan previsores somos con el backup? Sabemos que se trata de resguardar lo que nos interesa y entregarnos a la posibilidad de que desaparezca el resto de la información que generamos o ayudamos a generar. Lo cierto es que muchas veces vamos entendiendo sobre la marcha que ciertas cosas pueden tener su importancia.
El valor que le damos a cada una de las ramificaciones de lo que hacemos también es dinámico.

identidad y pertenencia / error y delito

2010-04-30T05:43:00.000-07:00

"Confundir identidad y pertenencia es un error de lógica. O uno dice A es A, yo soy yo, y entonces hablamos de identidad; o uno dice A pertenece a un determinado grupo, y entonces hablamos de pertenencia. Este error lleva a decir tonterías. Y, además, a un crimen político: el racismo. Decir de alguien que es negro, judío, etcétera, es una frase racista porque confunde la pertenencia con la identidad. Reducir alguien a una sola de sus pertenencias puede condenarle a la persecución. ¿Entonces quién soy yo? Yo soy yo. Yo soy la suma de todas mis pertenencias, incluidas aquellas que no conoceré hasta mi muerte, porque todo progreso consiste en entrar en un nuevo grupo. Identidad nacional: error y delito". Michel Serres.

Estética : Statement

2010-04-21T07:56:00.001-07:00

No me interesa para nada la estética como contemplación, sino más bien como un poderoso y perverso manual de instrucciones que nos invita a utilizar el mundo de otra forma. ¡A ver qué hacemos con estos objetos!

Arte o no arte, artistas o no artistas ¿a quién le importa? La estética está en tus sentidos cuando ya no estás en la sala de exposición, cuando ya terminó la película, cuando la canción sucede sólo en tu cabeza.

La tecnología es otra oportunidad más para redireccionar estéticamente. Cualquier aparato es mi molino de viento: todos somos el Quijote.

‘Patafísica total: cualquier objeto o situación tiene su abracadabra que puede llevarte a un mundo, a otra Wonderland. Hay que ver si te animás a ir.

Fisonomía del ensayo

2010-04-14T06:59:00.000-07:00

Ensayamos tratando de explicarnos algo, cuando jamás conocemos la respuesta y lo único que tenemos es una conjetura (más o menos autopersuasiva). Y la forma que elegimos no viene jamás dada de antemano: las circunstancias y el tema resultan el máximo condicionante de nuestra escritura.

En todos los casos que conozco, un paper ya posee una forma potencial previa. Y es más, no se escribe nunca porque sí. Un paper no es por definición gratuito: se hace para ser aprobado, para que la institución o autoridad del caso reconozca una afirmación. Los papers no se escriben gratis, aunque su gratificación no sea necesariamente monetaria.
En un paper puede haber ensayo, pero de ningún modo es en sí un ensayo.

Macedonio ensayaba. Aunque en lo formal no todo lo que escribió hayan sido ensayos. Las condiciones de escritura (y una vez más no me refiero a lo económico) del gran metafísico porteño son las que reclamo para ensayar.

En realidad no me interesan demasiado las etiquetas. Sino más bien proteger y alimentar un tipo de escritura que nada tiene que ver con lo que realizan los tan necesarios (y no lo digo para nada irónicamente) hacedores de papers.

Tramas beatle de la cultura

2010-04-10T16:56:00.000-07:00

En el verano boreal de 1986, en el número 17 de su revista Weirdo, Robert Crumb publicó otra de sus versiones historietísticas de los mitos más corrosivos del siglo XX; esta vez fue el turno de La experiencia religiosa de Philip K. Dick, narración que da cuenta del profético instante en el que el autor de Confesiones de un artista de mierda conectó por primera vez con lo que luego bautizaría VALIS (sigla de Vast Active Intelligence System o Sistema de Vasta Inteligencia Viva), visión apocalíptica en la que la esquizofrenia y la revelación se fundían insolublemente.

Esto sucedía en Fullerton, California, en marzo de 1974. Muy poco después de esa alucinación demasiado vívida de un paseo por las catacumbas de la Roma Imperial, Dick descifró un urgentísimo mensaje transmitido mientras escuchaba Strawberry Fields Forever: la voz de Lennon le advertía que la vida de su hijo (entonces un bebé) corría peligro. Es más, le proporcionaba un diagnóstico preciso: “la tara de nacimiento de tu hijo está en peligro. Tiene una hernia inguinal que ha reventado y penetra el la bolsa escrotal”. A riesgo de pasar por lunáticos, Dick y su mujer llevaron a su hijo al hospital y, como el lector ya lo adivina, pudieron intervenirlo a tiempo. Emmanuel Carrière también describe minuciosamente el episodio en su biografía del escritor.

Si Los Beatles fueron indudablemente el soundtrack de una época y de varias generaciones, lo cierto es que su frondoso imaginario poblado de tantas fabulosas figuras hace un buen tiempo que modela el casting de nuestro inconsciente colectivo. Capas y capas de escenas en las que entran en contacto muchísimos artistas, científicos, filósofos, dementes y criminales. Casi cinco años antes del “episodio VALIS” y no tan lejos de allí, el imaginario beatle ya había producido estragos en el ritual de muerte de Sharon Tate.

Los detalles de la historia del asesinato de la mujer de Roman Polanski y sus invitados resultan tristemente célebres: los fanáticos seguidores de Charles Mason grafitearon con sangre las paredes de la mansión haciendo alusión a canciones del cuarteto inglés. No mucho antes, Mason había reinterpretado la letra de Helter Skelter (tema de Paul McCartney del Álbum Blanco, de 1968) como un mensaje profético: el inminente inicio de una salvaje guerra civil de los negros contra los blancos.

Una década y media más tarde, los miembros de Sonic Youth (que alguna vez se definieron como “Los Beatles de una dimensión paralela”) dedujeron de este hecho el nacimiento de toda una cultura de la que el mismo nombre de un artista como Marylin Mason da cuenta.
Hace años Luis Chitarroni me dijo que estaba convencido que desde mediados del siglo pasado no existía mayor mitología que la generada por las culturas rock y pop, en las que toda la literatura beatle (los personajes, escenarios y situaciones que pueblan sus obras) se erige como el mayor punto de cruce del que tengamos noticia. En todo momento, infinitas tramas culturales de los últimos cincuenta años atraviesan ese núcleo que no hace más que crecer. Si un teórico como Marshall Berman aseveró que el “fenómeno beatle” sería hoy imposible debido a la expansión estilística y de audiencias que comenzaron a multiplicarse desde la separación del cuarteto, cuando nos encontramos con un disco como el recientemente editado Who Killed Sgt. Pepper? de Brian Jonestown Massacre, entendemos hasta que punto no se trata sólo de melodías y otros sonidos.

Si existe un inconsciente rock/pop es porque indudablemente existe un inconsciente beatle. Ese inconsciente traspasa tanto a personajes de ficción como Sam Dawson, el retrasado mental interpretado por Sean Penn en la película I Am Sam, que moldea su vida de acuerdo a un horizonte beatle, tanto como a un homínido de la especie australopithecus afarensis de 3,2 millones de años de edad, cuyos restos fueron descubiertos en Etiopía ocho meses después del episodio de Dick, y bautizados por el paleoantropólogo Donald Johanson con el nombre de Lucy, en honor a la protagonista de la famosa canción de John Lennon Lucy in the Sky with Diamonds

Si escenas como las narradas en She’s Leaving Home (Ella se fue de casa) reaparecen remozadas en el rock argentino en temas como Laura va (1969) de Almendra y 4 AM (1999) de Babasónicos, la presencia psicodélica de una calle de Liverpool como Penny Lane resurge como apodo de una seductora groupie encarnada por Kate Hudson en Almost Famous (Casi famosos), película de inspiración autobiográfica del ex periodista de la revista Rolling Stone Cameron Crowe. Hasta Peter Jackson utilizó una silueta de la banda de Ringo en los sesenta como temible presencia en una furgoneta en su salvaje ópera prima, Bad Taste. La materia del mundo beatle prolifera, muta y se resignifica sin descanso.

¿Efectos del cosmopolitismo pop? Experto en cultura convergente, Henry Jenkins nos cuenta que el Proyecto Global de Audiencias de Disney testeó la circulación de sus productos en 18 países y descubrieron que en 11 de ellos el 100% de los encuestados había visto al menos una película de su factura y que “muchos de ellos habían comprado un amplio repertorio de productos complementarios”.
Los Beatles, que pueden competir holgadamente en estos parámetros, ponen en escena una gran paradoja: si tenemos más información sobre ellos que sobre cualquier otro artista contemporáneo (¿cuántos pueden jactarse de poseer una crónica diaria de su carrera, como la realizada por Barry Miles con el título The Beatles: A diary. An Intimate Day by Day History, publicada en castellano como Los Beatles, día a día?), a pesar de la saturación no dejamos de sorprendernos y deleitarnos con nuevos efectos y repercusiones de su leyenda.

Por empezar, hubo muchas presencias beatle simultáneas. Pasemos revista solamente a algunas. En septiembre de 1965 comenzaron a proyectarse sus aventuras de ficción en dibujos animados (The Beatles Cartoon). Los más memoriosos recordarán, incluso antes, las tempranas actuaciones -en julio de 1964- de The American Beetles en Canal 9, una banda de imitadores que aprovechando la poca información de la época y las dificultades económicas para traer a los originales, tuvieron su momento de éxito en Argentina y Uruguay, incluso más tarde en España. A diferencia de las tantas bandas-tributo posteriores, que desde todos los puntos del planeta centran su performance en el homenaje (de las cuales en nuestro país existen ejemplos como The Beats, Los DuraBeat, The Shouts, Danger Tour, Nube 9, The Beetles 4sale, On Sale, The Beaters, The Beladies y The Silvers, entre otros) sus clones estadounidenses fueron promocionados como si se tratara de los mismísimos fab four.

No asombra demasiado si tenemos en cuenta que los primeros singles de la banda fueron publicados entre nosotros con el título de Los Grillos, tal como consta en “A, B, C, D, Paul, John, George y Ringo”, libro de Lewi, Chilavert, Sanmartino y Ravelo que reconstruye las primeras ediciones de sus discos en Argentina. Nada más precioso para la buena salud del inconciente beatle que las patologías culturales (malintencionadas o no) que el fanatismo propone. Ellos reinventaron el mercado: si los pioneros fans estadounidenses fueron los protagonistas de una de las primeras películas de Robert Zemeckis (I Wanna Hold Your Hand, conocida en castellano como Locos por ellos, 1978), un ciclo se cierra con la terrible historia de Mark Chapman, el asesino de Lennon, que también posee su propio biopic (Chapter 27, de Jarrett Schaeffer, 2007).

Antropológicamente, las preguntas clave en el tema podrían formularse del siguiente modo: “¿de qué modo te influyeron Los Beatles? ¿De qué modo determinaron tu cultura?” y lo cierto es que, en tiempos de nuevas tecnologías, toda la data que conocíamos terminó por simple disponibilidad multiplicándose con más versiones personales, conjeturas, paranoias y delirios, cada uno de los cuales vuelve a resemantizar en mayor o menor medida nuestra “percepción beatle”. Basta con teclear en el buscador de Youtube la frase “Paul is Dead” para contabilizar cientos de videos dedicados a un episodio por demás bizarro y peculiar, la más difundida teoría conspirativa de la cultura pop. Dos meses después del citado asesinato de Sharon Tate, dos estudiantes de la Universidad de Michigan, Fred Labour y John Gray, publicaron un estudio en el cual afirmaban que Paul McCartney había muerto en un accidente automovilístico en noviembre de 1966, y a partir de ese momento había sido reemplazado por un doble.

Desde entonces, hasta el más mínimo gesto real o ficticio de los integrantes de la banda pudo ser entendido como una pista que acercaba a los interesados al centro mismo del secreto. Acertada o no, parcial y/o tendenciosa, ninguna mirada más incisiva que la de un paranoico. Volviendo a las preguntas-clave tratamos de indagar en la construcción de la amenaza ¿por qué cuatro músicos resultaron para tantos culturalmente tan peligrosos?

La respuesta social más obvia podría deducirse de lo que aprendemos viendo el documental USA vs. John Lennon (de David Leaf y John Scheinfeld, 2006) donde vemos al cantante y guitarrista componer una canción, Give Peace A Chance (Dale una oportunidad a la paz) y luego a una multitud sumando a miles y miles de manifestantes coreándola en contra de las políticas de Richard Nixon (esa y otras intervenciones similares tornarían más dificultosa y retrasarían en mucho la obtención de la green card para el beatle, que ¿contradictoriamente? tanto ansiaba la ciudadanía estadounidense).
Sin embargo, sigue siendo en lo viral y por lo tanto incontrolable de sus imaginarios y mitologías en donde se concentra su potencia. Al fin de cuentas estos acrecientan y hacen proliferar muchas tradiciones que se dieron cita en las obras de Los Beatles: de Lewis Carroll a los beatniks, del avant-garde al folk, de las músicas del mundo al pacifismo, un sobreextendido catálogo que aún sigue fermentando en nuestros cerebros y induciendo los más disparatados efectos.

Publicada hoy en Ñ.

Nota de apertura de Jorge Fondebrider.

PKD

2010-04-07T06:06:00.000-07:00

Digamos lo obvio: Philip K. Dick reaparece una y otra vez en todos los imaginarios que pueblan la red. Sus relatos son el ADN de tantas películas y teorías sin las cuales la web sería inimaginable. Por suerte, sus fans no dejan de subir más y más material que no conocíamos.
Una vez más, con ustedes, Mr. PKD. Acá, acá, acá y acá. Y también su androide acá.

Biorritmos

2010-04-03T08:32:00.000-07:00

Un posteo es tu unidad de medida. Tu velocidad de avance. Tu tempo y tu densidad. Es triste cuando imitamos a los medios: el continuo (murmullo, murmullo, murmullo). Miles Davis solía decir “cuando en un solo no tenés que decir, no digas nada”.

Un buen lector sabe esperar. El lector sabe que su biorritmo manda. Lectura no es otra cosa que digestión.

Nuestra sociabilidad es intercambio de información.
Nuestra sociabilidad se determina en la información que elegimos para compartir. Y en los modos con los cuales la compartimos.

Apuntes de un patólogo cultural

2010-03-24T16:55:00.000-07:00

En una cultura en la que hay una enorme proporción de la población que no tiene acceso a Internet o ni siquiera a una línea telefónica, cada vez es mayor la distancia entre un sector de la población y otra.

-Se llama 'división virtual'. Pero no hay que fetichizar las computadoras. También mediante los celulares se conecta uno al reino de lo virtual. Y en México la gente parece estar bastante conectada a través de celulares, mensajes instantáneos, chat, etcétera. Sin embargo, sí es completamente distinto usar una computadora para conectarte al mundo virtual".

Dery ahondó sobre esta división, específicamente entre la población de las naciones pobres y ricas: "La división entre los países que viven cada vez más en lo virtual y los que viven en lo que Baudrillard hubiera llamado el 'desierto de lo real', es una división tangible. Se pueden sacar escenas de esto de varias películas de ciencia ficción, como Star trek. El privilegio del llamado primer mundo de vivir una vida sin cuerpo es adquirido a costa de la gente que vive en las colonias orbitales haciendo todo lo material que aún necesitamos, porque, la mayor ironía es que aún tenemos un cuerpo. ¡Qué fastidio!"

Acerca de la vigencia de su libro Velocidad de escape, en el que hace un recuento de las nuevas tecnologías y que fue editado en Estados Unidos en 1996, dice: "Ya es un fósil en el mundo de 'érase una vez'. Está irremediablemente caduco, pero no en el terreno de la 'división virtual'. La gente que tiene vidas privilegiadas en el primer mundo metieron sus cabezas por el espejo y fueron chupados al mundo del otro lado de la pantalla de la computadora".
Para Dery hay una elite virtual que vive "fuera del espacio público y dentro de comunidades suborbitales, una elite global de escuelas privadas, aviones privados, que parecería que no necesita tocar el suelo, con capital que se mueve a todos lados, el desprenderse del cuerpo digitalmente parece que permite eso de una manera que da susto. Cuando vives tu vida en línea, el mundo material te parece algo como del siglo XIX".

-Parecería que pasó de escribir del mundo digital al del mundo real. ¿Es así?

-Citando a J.G. Ballard: El futuro es aburrido. No creo en el futuro. Es obsoleto. El apocalipsis ya pasó. Mi segundo libro The pyrotechnic insanitarium, es sobre Unabomber, los suicidios colectivos, patología forénsica. Una razón por la que dejé de escribir sobre la era digital fue porque desapareció dentro de la estructura celular de la vida diaria. Ya no hay nada extraordinario sobre la cultura digital, que permea todo. Ahora asumo que es la estructura de todo lo que escribo.

Una vieja entrevista a Mark Dery, leída acá.

Desaparecido

2010-03-19T15:24:00.000-07:00

Un día, de un momento a otro, centenares de pequeños textos (acotaciones, mini reflexiones, complementos de sentido, pistas) dejaron de ser visibles. ¿Podrán recuperarse? Nadie lo sabe. Blogger aún no dio respuestas. Y por cierto, no soy el único al que le sucedió.

Cada blog tiene su dinámica, su modo de existencia. Para el Cippodromo, el diálogo por medio de comentarios es clave. Los posteos no son más que linkeados en forma de texto conector, invitaciones a navegar y a conversar sobre las diferentes conexiones y sus sentidos. Alguna vez Cece del blog Microplacton escribió que yo utilizaba los comentarios al modo de un bloc de notas. Y es muy cierto. Imagínense la incertidumbre cuando, repentinamente, mis anotaciones de más de tres años dejaron de estar en donde estaban siempre.

Fue en la primera semana de este mes. Una semana de trabajo muy intenso, cuando amigos (Diego de Instantes de, Salvador de Faroscopio) me avisaron, via mail, que el Cippodromo no estuvo disponible durante casi un día. Aparecía como borrado. Por suerte, del mismo modo en que había dejado de estar disponible, volvió a su estado habitual. Perdón: casi habitual. Todas mis intervenciones en los comentarios habían desaparecido. Desde el primero de los posteos. Es más, Fabiana de Artilunio me puso en aviso de que los comentarios que durante años dejé en su blog también habían desaparecido.

Si hay algo que define a eso que llamamos web 2.0 es la posibilidad de dejar rastros. De acceder a la red y habitarla de otro modo. Blogger fue un modo ejemplar de realizar esta tarea. Pero hasta el día de hoy no obtengo respuesta.
Siempre fui un defensor y hasta un fan de Blogger, pero lo cierto es que no dejo de experimentar el desamparo. Ni siquiera una mínima sugerencia sobre qué puede haber pasado. Nada.
Siempre supimos que las cosas pueden fallar.
Pero que lo único que obtengamos es silencio, no es nada agradable.

Tu experiencia avatar

2010-03-13T04:24:00.000-08:00

Dolcemare: ¿Por qué no pensar cada avatar en términos temporales? Ya lo sabemos, la percepción del tiempo en el metaverso es diferente. Una semana en Second Life es, en términos de interrelación con el contexto, muchísimo más que una semana en un marco unplugged. ¿Qué sucede si nos preguntamos sobre el tiempo que nos retiene un avatar y la cantidad de información que acumula?

Napoleón: La primera falacia es creer que Second Life posee un tiempo homogéneo. Falso. Depende de tu viaje, de lo que estés planeando como estadía en este mundo digital. Si te dedicás a explorar lands, a estar sólo merodeando por espacio digitales, la percepción temporal es muy diferente a si interactuás con avatares de distintos apetitos culturales.

D.: Mis intereses siempre estuvieron más cercanos a la investigación que a la recreación. En todos los casos estuve provisto de mi libreta de apuntes, construyendo algo bastante parecido al trabajo de campo de un antropólogo, indagándome en cuestiones cómo ¿de qué modo se forma una tribu urbana en un metaverso? ¿Cómo se interrelacionan los avatares? ¿Qué códigos propios de un contexto digital se van afianzando?

N.: Eso implica un control sobre la percepción del propio tiempo muy distinta a la que me impuse desde que comencé a mantener un blog sobre mis experiencias en el metaverso. Supe siempre que resultaba pretencioso intentar cualquier tipo de objetividad, por lo cual asumí desde el vamos la primera persona. Una sola pregunta me organizó la escritura: ¿quién soy yo en un universo digital como Second Life? ¿Qué tipo de adaptación y por qué voy experimentando?

D.: Un tipo de respuesta invariablemente vinculada y dependiente de los lazos que vayas construyendo. Es más, es justo en ese punto donde las ideologías del metaverso se vuelven más evidentes. El tipo de ideas que nos vamos formando sobre qué es Second Life, o Bluemars.

N.: Diría que existen dos grandes ideologías al respecto. Los que intentan imprimir nuevos imaginarios al contexto y aquellos que lo entienden de modo residual. Me explico: encontramos una minoría ilustrada que trata de modelar sus fantasías sin alienarse y no deja de indagarse sobre qué significa esto culturalmente. “Ok. En este sitio soy un avatar o interactúo como tal. Debo aprender qué quiere decir esto”. Después nos encontramos con la aplastante mayoría que lo entiende como un juego. “Tengo un muñeco que es como tener un disfraz. Te muestro lo que quiero y mientras tanto puedo conocerte un poco”.

D.: Leí en tu blog que estás en cuenta regresiva con respecto a tu experiencia en el mundo creado por Linden Lab. Sospecho que tu decisión tiene su origen en estos temas que estamos tratando.

N.: No tanto. Creo que Napoleón cumplió su cometido. Por supuesto, no se trata de algo planteado de antemano. Napoleón no deja de ser una forma. En nuestra vida material no podemos deshacernos tan fácil de esa forma. Sí en Second Life. De hecho, lo que haré es criogenar este molde. Dejarlo descansar por un tiempo lo suficientemente extenso.

D.: Te cansaste.

N.: No sólo. Napoleón, es decir, su rol social, su figura en el metaverso, en ciertos círculos del metaverso en los cuales fui interactuando, hace un tiempo comenzó a experimentar síntomas de desgaste. No se trata sólo de Napoleón. A muchos avatares que conozco, que son importantes para mí, que mantuvieron blogs interesantes y construyeron su mitología metavérsica, les sucede algo similar. El cierre ¿temporario, definitivo? de los posts de Hatsue Watanabe sobre exploraciones, que hace poco anunció su retiro, me hizo reflexionar bastante sobre esta cuestión.

D.: ¿De qué clase de hartazgo estamos hablando? ¿Second Life comenzó a repetirse? ¿Ya conocés el entorno demasiado bien? ¿Nostalgia de un tiempo que se fue esfumando?

N.: Diría que se trata más bien de un resguardo. Resguardo una experiencia, la cuido. Me tomo un largo tiempo para pensar. Sé que voy a experimentar muchas ganas de volver, pero sé que estas extensas vacaciones que pueden ser definitivas me ayudarán a pensar mejor cuál es mi relación con todo lo que representa este software en mi vida.

D.: Tu segunda vida.

N.: Mi única vida. La única que tengo.

Addenda: Arte en Second Life se dice, invariablemente, nur_moo

Scanner Mundi

2010-03-08T21:12:00.000-08:00

Sobre Madrigales, motosierras y otras cosas de San Poggio.

Interminable, sí. Los límites (temporales, espaciales) parecen seguir en default. Como en Sinécdoque Nueva York, de Charlie Kaufman; el espectáculo sólo se reconoce en el puro continuum. Entenderlo es fácil, pero insoportable. ¿Acaso el público –atosigado y tan igual a sí mismo- no es también nuestro espectáculo como espectadores?
No estamos por fuera, es decir, no estamos a salvo. Tampoco sabemos a cuál de las tribus pintadas pertenecemos.
Las enumeramos, es uno de los juegos. Llevan máscaras, o son arcaizantes, o tratan de parecer vulgares, usan pulóveres, gustan de los papeles o los libros, y seguimos buscando, indagando. Nos gusta descubrir que hay algunos que se besan.
Ahora bien ¿qué es exactamente este espectáculo? Quiero decir ¿tiene un tema que se imponga a todo cuanto sucede? Deberíamos poder deducirlo de los elementos propuestos (enumeremos motosierras, esa vegetación que se muestra cercada o rodeada o apuntalada, los tubos que transportan agua, y tantos etcs-) o bien de las acciones (el canibalismo, también el nudismo, cierta abulia, ese infatigable colocar ¿o descolocar? baldosas, subir escaleras, fotografiar, cargar piedras, estar sangrando o ser interceptado por los insistentes micrófonos). Mi favorito es único, al menos por ahora (es algo que me gusta creer). Está sentado, sin embargo los recortes de las paredes, pegados y despegados, ausentes, delatan sus movimientos.

No me permito caer en ningún tipo de cercanía alegorizante. Ni siquiera simbólica ¿acaso no es demasiado simple descubrir en esos sísifos sangrantes a una casta delatada por sus ritos y míticos loops?
Sin embargo, admito el par perfecto: un infinito inaprensible para una retina cada vez más finita. Deliciosamente finita.
Claro, también están los biombos. ¿Son ellos el límite?
¿Las nubes y las montañas intimidan o seducen?
Nada mejor que acrecentar el oxímoron: porque no reconocemos más que límites, pero ellos no parecen terminar nunca.
¿Qué esperábamos en la época de las fantasías de El Bosco escaneadas por Google Earth?
¿Escanear el mundo finalmente no se parece cada vez más a escanear el infinito?
Detrás de cada límite, otro límite y otro y otro y otro.
No obstante, la expectación persiste en cada uno de ellos.
Y está buenísimo que eso pase.
Continuará
(¿por siempre?)

R.C.
Marzo, 2010

En Jardín Oculto.

Kamishibai y Marzo

2010-03-05T21:20:00.000-08:00

Durante todos los sábados de marzo el Club Argentino de Kamishibai presentará un kamishibai colectivo en el Pabellón Bicentenario, ubicado en Parque Tres de Febrero, Av. del Libertador 3600.

EL BIDENTE DEL BICENTENARIO
Visiones del Bicentenario por un Gliptodonte de papel

Sábados 6, 13, 20 y 27 de marzo a las 17.30 hs.
GRATIS

"Hace muchos miles de años alguien tuvo el don de la profecía, y ustedes hoy van a conocer esas visiones. Las visiones que uno de los animales más gigantescos que recorrió nuestras Pampas avizoró entrecerrando los ojos en un paisaje, en ese momento exuberante y tropical. El Gliptodonte, ese ser con caparazón de plaquitas hexagonales que tanto entusiasmó al sabio Florentino Ameghino, es nuestro protagonista, el augur de esta historia. Hace 10.000 años o más, en el esplendor de la Era Cuaternaria, uno de estos gigantes herbívoros de las Pampas vio pasar por su mente una serie de felices alucinaciones, con algunas imágenes perturbadoras, hoy ya familiares."

PARTICIPAN
Delius, Rafael Cippolini, Masao, Diego Posadas, María Eva Blotta, Renata Lozupone, Lux Lindner, Susana Szwarc, Pablo Fusco, Liliana Lukin, Gustavo Schwartz y Amalia Sato.

Psicodelia

2010-03-01T19:15:00.000-08:00

Del Art Nouveau

Al fondo de pantalla.

Serial Killer Conceptual

2010-02-24T19:10:00.001-08:00

Azarosamente me encuentro con una revista (en formato PDF) de difusión de las actividades culturales de Reims. Como muchos saben, la ciudad es (entre tantas otras cosas) la cuna de Baudrillard y el paisaje en el cual Jarry descubrió la ‘Patafísica.
La leo distraídamente, hasta que me dejo asaltar con un párrafo que publicita las Jornadas Baudrillard. Leo:

"Estas manifestaciones saludarán al "filósofo destroy", "prophet of junk" y "serial killer conceptual", que analizó radicalmente nuestra sociedad de consumo.
Celebrarán al escritor ubuesco -próximo de Jarry-, al fotógrafo "objetor de visión", el letrista pop de la cantante japonesa Megumi Satsu, al ácido cronista del periódico Libération.
Presentarán al inspirador del cine de los hermanos Wachowski (Matrix), de los pintores simulacionistas de Nueva York (Jeff Koons, Peter Halley, o Meyer Vaisman), de coreógrafos, de creadores de moda y de músicos en cualquier parte del mundo.
De la novela cyberpunk a la música electrónica, pasando por la crítica social, la pintura o el cine, no existe un dominio de la cultura que no haya sido poderosamente irrigado por las fulgurantes intuiciones de Baudrillard."

Filósofo Destroy, Profeta Junk, Serial Killer Conceptual, Objetor de Visión.
¿Cómo podría no caerme simpático alguien que inspiró semejantes descripciones?

Macanudoscopía

2010-02-22T05:49:00.000-08:00

El próximo jueves 25 es la cita.

Inaugura Liniers en el Centro Cultural Recoleta a las 19 hs.

Imperdible.

Mondo Spook

2010-02-19T05:21:00.000-08:00

LO VIRTUAL. País de espías (Spook Country). La nueva novela de William Gibson, una trama techno sobre la paranoia de la localización global, con un contenedor ilocalizable y su valioso contenido como obsesivo objeto de búsqueda. Alrededor de este nódulo contemporáneo se reconstruye un mundo difuso, situado entre lo real y lo virtual, lo material y lo tecnológico, siguiendo la premisa de que el ciberespacio (“See-bare-espace”) ha comenzado a exteriorizarse, permitiendo una contemplación desnuda del espacio real. Un mundo alucinante poblado por artistas como Alberto Corrales, creador de un localizador virtual de celebridades muertas. Un casco galáctico y un dispositivo GPS bastan al usuario para ver el cadáver de River Phoenix caído en la acera del Viper Room. Un aparatoso monumento a Helmut Newton al pie de la autopista donde se produjo su accidente mortal. Scott Fitzgerald padeciendo un ataque cardíaco en un antiguo café suplantado por una megatienda Virgin como alegoría cultural de nuestro tiempo. Crípticas señales funerarias por los miles de muertos de Irak. Cruentos hologramas que ocupan un repliegue del espacio visible. El espacio local recupera así el poder de resucitar el tiempo muerto de la historia como inserto visual en el presente. Tiempo muerto o tiempo de los muertos, país espectral, presencia siniestra y fantasmal aguardando aparecer de ese modo tenue que propicia la mediación de la tecnología. El lugar ya no es sólo un lugar en esta configuración contemporánea. Es el enclave de una intersección visionaria. El umbral del acontecimiento espectacular que conecta cualquier punto aislado con la totalidad de la que forma parte. Arte (multi)locativo. Todo espacio local se ha vuelto ubicuo y deslocalizado en potencia. Toda estética es, de por sí, geopolítica. Esto sólo quiere decir una cosa. Una cosa importante. El presente es el futuro.

Por Juan Francisco Ferré. Leído hace varios días acá.
También acá.

Hipótesis Avatar

2010-02-16T05:47:00.000-08:00

Una vez más: un avatar es una estrategia de exploración de un contexto, realizado con los mismos materiales de ese otro contexto. Mientras que las naves de exploración, en principio, son una extensión de la materia del exógeno, el avatar es un pliegue de la materia a explorar en manos de alguien exógeno. Pero no deberíamos olvidar nunca que, en todos los casos, el avatar -ese pliegue de materia ajena en nuestras manos, conectado directamente a nuestros sentidos- siempre afecta nuestros modos unplugged.

¿Escucharon hablar o leyeron sobre Life 2.0, de Jason Spingarn-Koff, el film sobre Second Life seleccionado para la próxima muestra del Sudance? ¿Cómo afecta Second Life nuestras vidas desenchufadas?
No se pierdan ni el site ni el trailer.

Dispersiones estéticas & Simon Reynolds

2010-02-13T07:10:00.000-08:00

¿Qué pasó con el mainstream del rock y del pop en la década pasada? ¿Dónde estamos parados? Leo este texto de Simon Reynolds en el blog de Estéticas de la dispersión, proyecto de Franco Ingrassia. Análisis, blog y proyecto más que recomendados.

Estaba mirando la lista de los 200 mejores discos de la década de Pitchork. Y noté algo extraño sobre el top 10. Es obvio que hay un límite en lo que se puede leer en una encuesta de críticos. Pero Pitchfork es una de las pocas instituciones que puede decirse que resulta influyente, en términos del material que cubre y de los juicios que formula. Pitchfork a la vez lidera y refleja a un público que es sustancial y sin embargo relativamente definido. Podríamos llamarlo “post-indie”, lo que significa que Pitchfork es lo más cercano, en la era moderna, al NME de los años posteriores al punk (cuando su perspectiva era distintivamente rockera pero con una apertura a música situada por fuera de este esquema, desde el reggae al disco, pasando por el funk, África y el jazz). Los participantes en la encuesta –el staff de Pitchfork- son personas que pasan muchísimo tiempo escuchando de forma intensa un rango realmente amplio de música. Así que parece improbable que su evaluación colectiva de lo que resultó importante en la última década esté privada de significancia. Y, en todo caso, en función de abrir el debate, voy a avanzar tomando como presupuesto que los resultados de esta encuesta significan algo.

Entonces, ¿qué era lo intrigantemente extraño de su top 10 de la década? Lo que inmediatamente me impactó fue que siete de los discos eran del 2000 y el 2001, con un disco del 2002 y otro del 2004. El único disco editado en la segunda mitad de la década era Person Pitch de Panda Bear. ¿Qué significado podría derivarse de esta densa agrupación (ocho de diez) de los “más grandes discos” en los primeros tres años de la década? Dos interpretaciones son posibles: O la música se deterioró a medida que los 00s avanzaron o se volvió cada vez más y más difícil para la gente establecer un consenso sobre qué grupos o discos eran importantes. La primera posibilidad parece improbable, así que voy a tener que elegir la segunda. Lo cual resuena con el modo en el que la década se sintió: diaspórica, con escenas astillándose en sub-escenas, con la formación de bunkers según los distintos gustos, con el aumento de la probabilidad de que la pregunta “Escuchaste a X?” se encontrara con un gesto de negación con la cabeza o con una mirada de incomprensión.

Me pregunto si mi propio ranking de discos tendría una forma similar al de Pitchfork –es decir, una lista masivamente sesgada hacia los primeros años. Casualmente, ya había participado en una encuesta de críticos similar organizada por Stylus, un webzine que constituyó el “amistoso rival” de Pitchfork hasta que fue cerrado unos años atrás. Sus autores se han reconvocado para una edición especial de balance de la década (los resultados, más un conjunto de ensayos estarán disponibles en algunas semanas). Revisando mis propias elecciones, me sorprendí al ver que el top 10 (e inclusive los 50 discos que elegí en total) estaban equilibradamente divididos entre la primera y la segunda mitad de la década. Ninguna declinación de la calidad según mi propia opinión entonces. Pero al inspeccionar la lista con mayor detenimiento descubrí que mis elecciones provenientes de los primeros años de los 00s eran notablemente más consensuales, incluso “de cultura media”: Kid A de Radiohead, The Blueprint de Jay-Z, Discovery de Daft Punk, Since I Left You de The Avanalches (los cuatro aparecen también en el top 10 de Pitchfork), Original Pirate Material de The Streets, The College Dropout de Kanye West, Boy in Da Corner de Dizzee Rascal. Mientras que mis discos preferidos de la segunda mitad de la década eran llamativamente más idiosincráticos: discos del catálogo del sello Ghost Box, Black Moth Super Rainbow, Dolphins Into the Future, Mordant Music, High Places… grupos que ciertamente tienen fans, pero que están muy lejos de ser centrales. Esto me llevó a preguntarme si el mismo síndrome estaba afectando al resto del mundo. ¿Estamos todos distanciándonos de todos los demás?

La fragmentación del rock/pop ha estado operando desde que tengo memoria, pero esta década parece haber cruzado un umbral. Hubo tanta música en la cual interesarse e investigar. Ningún género desapareció, todos siguieron adelante, lanzando productos, hacienda proliferar a los retoños sonoros. Tampoco se retiraron los músicos a medida que fueron envejeciendo; los que no murieron siguieron sacando cosas, empujándose junto con artistas más jóvenes que confiaban en avanzar hacia la luz. Es tentador comparar la música de los 00s con un jardín ahogado por la maleza. Excepto que se un lecho de flores ahogado por demasiadas flores sería una imagen más exacta, porque mucha de la producción fue buena. El problema no es sólo la cantidad sino la calidad multiplicada por la cantidad. También estaba el pasado, disponible como nunca antes, compitiendo por nuestra atención y afección. El descenso de los precios de los estudios caseros y las tecnologías de grabación digital, combinado con la riqueza histórica que los músicos pueden absorber y recombinar intensificó la calidad de la producción musical. Pero el resultado de toda esta sobreproducción fue que “nosotros” fuimos diseminados a lo largo de un vasto terreno sonoro. Es por ello que hay tan pocas coincidencias entre las distintas encuestas de fin de año o de fin de la década publicadas en las revistas musicales. Si incluso una comunidad relativamente no-difusa como Pitchfork sólo pudo encontrar su centro alrededor de discos que salieron en los primeros años de los 00s, esto sugiere que el deslizamiento de la cultura entera hacia la entropía se está acelerando.

Esta idea es planteada en uno de los comentarios del top 10 de Pitchofork, en torno a Funeral, el disco de Arcade Fire del 2004 que figura Nro. 2 en su lista. Escribe Ian Cohen: “Ya sea por los cada vez más fraccionales hábitos de escucha o por la creciente habilidad para hacerse escuchar de los disidentes, Funeral sigue sintiéndose como el último ejemplar de su tipo, un disco indie que, sonando capaz de conquistar el universo era exactamente eso lo que conseguía”. Señalando el principal déficit de la blogósfera (el hecho de que acordar con la opinión de los otros no genere ningún tipo de valor narcisista) Cohen agrega que “la hipérbole de consenso con la que se encontró Funeral tuvo como consecuencia que cualquier otro disco que amenazaba con alcanzar ese nivel fuese escrutado de modo severo o incluso directamente condenado al escarnio.” Y concluye, melancólicamente, que “aun así, nos preguntamos si alguna vez volverá a suceder algo como Funeral –algo que me diga que a medida que la música se vuelva más y más disponible en la próxima década, todavía podremos atravesar todo ello con la esperanza de poder encontrar algo con la fuerza unificante y con la increíble carga explosiva emocional que sólo discos como Funeral pueden generar”. Lo que Cohen está diciendo aquí sugiere que mis dos interpretaciones de la perspectiva de Pitchfork pueden tener mayor relación de la que había pensado: quizá haya una conexión íntima entre valor musical y consenso.

Es que tengo una corazonada. Yo creo que si uno tuviese que armar una selección de los mejores 2000 discos de cada década del pop y compararlos, entonces los 00s ganarían: vencerían claramente a los 90s, bastante bien a los 80s y vapulearían a los 70s y los 80s. Pero también estoy convencido de que si uno tuviese que comparar los mejores 200 discos el resultado sería el inverso: los 60s le ganarían ajustadamente a los 70s, los 70s obtendrían una victoria apenas mayor sobre los 80s, que claramente vencerían a los 90s y que los 90s le harían morder el polvo a los 00s. Es sólo una corazonada –pero tiene resonancias de verdad. Porque creo que los puestos más altos de este tipo de listas exigen algo más que mera excelencia musical: también tiene que estar presente un “factor X”, esa calidad difícil de definir que suele llamarse “importancia” o “grandeza”.

La importancia rara vez es un aspecto puramente intrínseco de la música misma o del genio de su creador. Un componente crucial de lo “importante” es el impacto y la recepción: lo que la audiencia le aporta a la música. La “fuerza unificante” de Cohen no es por entero inherente al disco; debe, hasta cierto punto, pre-existirlo, buscarlo, verse reflejada en él. En cualquier caso, la significación es siempre un proceso biunívoco. Parte de las razones por las cuales los Beatles alcanzaron la grandeza de forma repetida es porque sabían que el mundo estaba esperando; esto los hizo estar a la altura de la ocasión. Existe un ejemplo relativamente reciente de este síndrome: la edición, a fines del año pasado, de Chinese Democracy de Guns N’Roses y 808s & Heartbreak de Kanye West (escribí sobre ambos aquí). El primero era un fallido intento de resultar importante, el grotesco y desagradable espectáculo de alguien tratando de superar las expectativas; el segundo era un convincente ego-drama acerca de una herida narcisista representado en el mayor escenario posible.

El resultado de la sobrecarga de “cantidad x calidad” es que aquellos optimistas implacables que anualmente corean que el año ha sido fantástico y que “cada año se produce más buena música que el año anterior” están en lo cierto. Pero los previsibles gruñones que se quejan de las deficiencias de la cosecha anual también lo están. Más y más música entre buena y excelente se produce cada año pero ese mismo hecho frustra la emergencia de la música realmente grandiosa, sofocándola. Cuando mayor es la diseminación, más nos diseminamos “nosotros”. Y es incluso peor: a medida que los artistas internalizan la reducción de expectativas, el ciclo menguante sigue descendiendo en forma de espiral.

Soportes

2010-02-11T14:52:00.000-08:00

por Umberto Eco

En la jornada conclusiva de la Escuela para Libreros dedicada a Umberto y Elisabetta Mauri, en Venecia, hablamos, entre otras cosas, de la caducidad de los soportes de la información. Han sido soportes de información escrita la estela egipcia, la tablilla de arcilla, el papiro, el pergamino y, obviamente, el libro impreso. Este último, hasta ahora, ha demostrado que sobrevive bien durante quinientos años, pero sólo si se trata de libros hechos con papel de trapo. A partir de mediados del siglo XIX se pasó al papel de madera, y parece ser que éste tiene una vida máxima de setenta años (y en efecto, basta consultar periódicos o libros de los años cuarenta para ver cómo muchos de ellos se deshacen en cuanto se los hojea). Por lo tanto, desde hace tiempo se celebran congresos y se estudian medios distintos para salvar todos los libros que abarrotan nuestras bibliotecas: uno de los que gozan de mayor éxito (pero casi imposible de realizar para todo libro existente) es escanear todas las páginas y copiarlas en un soporte electrónico.
Pero aquí se nos presenta otro problema: todos los soportes para la transmisión y conservación de la información, desde la foto a la película cinematográfica, desde el disco a la memoria USB que usamos en nuestro ordenador, son más caducos que el libro. Lo tenemos muy claro con algunos de ellos: en los viejos casetes, al cabo de poco tiempo la cinta se hacía un lío, intentábamos desenmarañarla introduciendo el lápiz en el agujero, a menudo con resultados nulos; las cintas de vídeo pierden los colores y la definición con facilidad, y si las usamos para estudiarlas, rebobinándolas y adelantándolas a menudo, se estropean aún antes.

Ahora bien, hemos tenido tiempo para darnos cuenta de cuánto podía durar un disco de vinilo sin rayarse demasiado, pero no hemos tenido tiempo de verificar cuánto dura un cd-rom puesto que, de ser la invención que había de sustituir al libro, ha salido rápidamente del mercado porque se podía acceder on-line a los mismos contenidos y a un precio más conveniente. No sabemos cuánto durará una película en DVD, sabemos sólo que a veces empieza a darnos problemas cuando la vemos mucho. E igualmente, no hemos tenido tiempo material de experimentar lo que podían durar los discos flexibles (los floppy disk) para el ordenador: antes de poderlo descubrir fueron sustituidos por los disquetes, y éstos por los discos reescribibles, y estos por los pen drives. Con la desaparición de los diferentes soportes han desaparecido también los ordenadores capaces de leerlos (creo que ya nadie tiene en casa un ordenador con la ranura para el floppy) y si uno no se ha copiado en el soporte sucesivo todo lo que tenía en el precedente (y así en adelante, presumiblemente durante toda la vida, cada dos o tres años), lo ha perdido irremediablemente (a menos que no conserve en el trastero una docena de ordenadores obsoletos, uno por cada soporte desaparecido).
Así pues, sabemos que todos los soportes mecánicos, eléctricos y electrónicos son rápidamente perecederos, o no sabemos cuánto duran y probablemente no llegaremos a saberlo nunca. En fin, que basta una subida de tensión, un rayo en el jardín o cualquier otro acontecimiento mucho más banal para desmagnetizar una memoria. Si hubiera un apagón bastante largo no podríamos usar ya ninguna memoria electrónica. Aun habiendo grabado en mi memoria electrónica todo el "Quijote," no podría leerlo a la luz de una vela, en una hamaca, en un barco, en la bañera, en el columpio, mientras que un libro me permite hacerlo en las condiciones más arduas. Y si se me caen el ordenador o el e-book desde el quinto piso, estaré matemáticamente seguro de que lo he perdido todo, mientras que, si se me cae un libro, como mucho se desencuaderna completamente.

Los soportes modernos parecen apuntar más a la difusión de la información que a su conservación. El libro, en cambio, ha sido el instrumento príncipe de la difusión (pensemos en el papel que desempeñó la Biblia impresa en la reforma protestante), pero al mismo tiempo también de la conservación.
Es posible que dentro de algunos siglos, la única forma de tener noticias sobre el pasado, al haberse desmagnetizado todos los soportes electrónicos, siga siendo un hermoso incunable. Y, entre los libros modernos, sobrevivirán los muchos hechos con papel de gran calidad, o los que ahora proponen muchos editores hechos con papel libre de ácidos.
No soy un reaccionario nostálgico del pasado. En un disco duro portátil de 250 gigas he grabado las mayores obras maestras de la literatura universal y de la historia de la filosofía: es mucho más cómodo recuperar del disco duro en pocos segundos una cita de Dante o de la Summa Theologica que levantarse e ir a buscar un volumen pesado en librerías demasiado altas. Pero estoy contento de que esos libros sigan en mis librerías, garantía de la memoria para cuando se les crucen los cables a los instrumentos electrónicos.

Leído acá

Stranglers & Arteca

2010-02-08T05:10:00.000-08:00

Cada cual tiene sus blogs (los que no podemos dejar de leer). Fundamental en mis lecturas es el Arteca Sketchbook, de un poeta que leo y sigo hace años, el siempre estimulante Mario Arteca (recomendadísimo).
En su bitácora pueden encontrar pequeñas joyas como ésta.

"Algo está pasando y está sucediendo ahora mismo / Eres demasiado ciego para verlo", dice este tema superclásico de The Stranglers. Pero si es demasiado ciego, la ceguera resulta real, absoluta, prácticamente fuera de cualquier tropo o posible metáfora (aquella que dice que "no hace falta ver para abrir los ojos": una estupidez insostenible). Cuántas veces al día escuchamos de frases semejantes (no la de The Stranglers, sino la dicha unos sintagmas después), qué océano de deshechos crece alrededor de estos giros de hipocresía, de talento ralentizado, de sentido común propuesto como categoría filosófica. Ya hablamos del sentido común. No hace falta referirnos a él. Y al recordar esa frase en el video (véanlo completo, ya lo leerán), no se puede dejar de pensar en cuánta producción destilada funciona en esa máxima feminista, creada por la periodista y educadora Irina Dunn, en 1970. En esa fuera de coincidencia ("una mujer sin un hombre...", que replico en el título de a entrada) se percibe la fuerza de la tristeza, del vacío más elemental y menos contemplativo, como una búqueda cerrada antes de comenzar la exploración del tema. Dar por concluido. Más allá de esto, en el verso de la canción de The Stranglers, hay un punto esencial que merecería la pena descifrarlo. Algono sólo ocurre, sino que hay una precisión temporal muy marcada: ahora mismo. El verso traspasa la temporalidad del gerundio, lo ahorra con el objetivo de disolver su efecto nocivo, su capacidad de violar la gramática y volver sólo un punto débil en una frase berreta. Pero ese ahora mismo, ese super-presente congelado por el diminutivo del tiempo, trabaja como un hierro incandescente sobre los ojos de aquellos que ven pasar, pero no pueden tomar para sí la realidad. Por eso son doblemente ciegos, y es aquel demasiado, escrito como un antes y un después, jamás durante. Antes era ciego; ahora que la realidad está encima, todo es aún menos visible. Algo está ocurriendo. La venda que nos cubre tiene el color de sus ojos."

Otra joya que leí hoy en La Nación: la versión de Oliverio realizada por Delius.

Shaking Dog

2010-02-05T06:00:00.000-08:00

¿Escuchaste a Las Kellies?
Si querías clasicismo punk, acá lo tenés.

Visitá su MySpace.

Asficción

2010-02-03T06:06:00.000-08:00

Abril de 1997. Silvio Mattoni me invita a colaborar con el primer número de la revista El Banquete, editada por Alción. Hay poco tiempo, pero tengo sobre mi mesa de trabajo muchos libros sobre los que quiero escribir. Dos días después le envío este texto. Silvio me contesta, me comenta cuándo está prevista la fecha de edición. En el medio, sus compañeros de staff deciden que el texto no vaya, que no coincide con la onda de la revista. Me olvido de lo que escribí, durante años. Ayer, revisando viejos diskettes, linkeo con aquello.

La magia del error: El escritor Héctor Libertella (Bahía Blanca, 1945) teclea, absorbido por el trance, un breve ensayo cuando, sorprendido, observa que tipeó: "asficción". Se alegra. Descubre que sus dedos ¿casualmente? dieron con la morfología incorrecta y a la vez perfectamente exacta. No sabe si agradecer el lapsus a su vieja Olivetti o al vértigo de la frase -que quizá no sea más que una sola cosa-. El texto se publica con el hallazgo. Felicidades de época: en los ´70, los tipógrafos estaban acostumbrados a osadías incluso mayores. Adicto a los desvíos y a cuanta patología literaria se le cruce (que yo sepa, él es el creador del término "patógrafo", al cual se ajusta mejor que nadie) Libertella, sospechamos que no por azar, termina topándose siempre con la palabra exacta.

Entreacto: El narrador César Aira (Pringles, 1949) pide a su hijo Tomás que navegue en Internet desde un cyberbar para ver que encuentra sobre Marcel Duchamp. Le escribe el nombre en un papelito. Su primogénito regresa con unos pocos párrafos sobre el creador del "Ready-made". Pero varios diskettes sobre estética Manga (comic japonés) y especialmente, la saga Robotech. El novelista se desanima. Yo (Lomas de Zamora, 1967) me alegro enormemente: acabo de leer una novela de Stephen Koch cuyo protagonista es un fan maniático del artista galo. En Japón se gasta más papel en historietas que en idem higiénico. Y, estoy persuadido, que los nietos de Astroboy son mucho más interesantes que las especulaciones del dadaísta. Al menos hoy, abril de 1997. (Recomiendo leer los artículos de Guillermo Quartucci en los números 3 y 4 de la revista Tokonoma).

Lecturas y disgresiones I: En la pasada quincena, leí tres novelas maravillosas de jóvenes autores europeos. "Whore Banquets", (traducida por Marcelo Cohen, y publicada originalmente en Víctor Gollancz, Londres, 1987) de Matthew Kneale (Londres también, 1960) describe la complicada y no muy agradable historia de Daniel Thayne, inglés de 27 años que progresivamente descubre que Japón es una trampa. Tokio, la ciudad que al principio lo libera de los lazos de su familia, sus novias, su tradición literaria, se transforma en un monstruo que lo devora. (Típico de los narradores ingleses: chequear: "The confort of Strangers", de Mc Ewan. Los extranjeros, para los súbditos de su Majestad, devienen, inavariablemente, poco simpáticos Aliens). El director Peter Bogdanovich comentó una vez que el mismísimo Hitchcock le aconsejó a Truffaut: "Nunca dejes de pensar en el Japón; cuidado con esa isla". El relato de Kneale trastoca sorpresa en pura asficción. Y la encarnación del peligro no será sino su amante, una muchacha de Tokio, separada, fanática del Ratón Mickey. Imperdible. No puedo pasar por alto que Kneale, como su creación, Thayne, vivió en ese mismo sitio en esa misma época. No existe asficción (ficción asfixiante, o asfixia por la ficción) que no coquetee con el engaño de la autobiografía.

Idea desmesurada: Que Libertella no definió un tópico, una presunción, sino un género. O algo que se le parece. Vamos a la segunda de las novelas de esta pasada quincena.

Lecturas y disgresiones II: "Diario di un millennio che fugge", de Marco Lodoli (Roma, 1956; quien en la foto que observo parece una especie de Daniel Guebel, nacido no tan paradójicamente ese mismo año, pero en Buenos Aires). Edizioni Theoria, Roma, 1986. Más asficción, claro: y más ficción autobiográfica. El narrador reconstruye memoriosamente su presente y pasado en un diario que traiciona cualquier cronología. Intenta, esforzado, la construcción de un tiempo personal que arrime algunas respuestas. Obvio, estas aparecen simplemente para fugarse. El libro no es otra cosa que un lento rompecabezas que tampoco es plenamente nítido al final de su escritura. Emerge, entonces, esa molestia que se percibe en la respiración pero resuena en la letra. Los autores del Viejo Continente acatan, sin saberlo, la preceptiva nacida en un ensayo, una mañana, desde un (convengamos al menos momentáneamente) lapsus.

Duda: ¿No parecen certificar, los intentos narrativos de este fin de milenio, que el gusto estético del joven Tomás Aira es más agudo que el de su padre? La estética Manga, su desmesurado heroísmo, sin duda obliteran esa fatal reverencia a la épica de la incredulidad, cuyo paradigma pintó bigotes en una reproducción de la Gioconda. Japón es una trampa fantástica. Y Alemania también, como veremos en mi tercera lectura de quincena. Por su parte, el creador pringlense llegó a Asia por primera vez en forma explícita por su "Novela China". Pero las reglas de la cortesía japonesas ya emergían de los modales aborígenes en "Ema la cautiva".
Personalmente, me encantaría volver a encontrarlo por ahí.

Lecturas y disgresiones III: El tercer libro se titula "Nox" y es obra de Thomas Hettche (Giessen, Alemania, 1964). Se publicó por Shrkamp Verlag Frankfurt am Main, en 1995. El narrador es un escritor que asiste a un Congreso de idems en Berlín. Conoce a una mujer que, ya en las primeras páginas le corta el cuello, matándolo. Sin embargo, su voz sigue funcionando para relatar, literalmente, la descomposición de su cuerpo, simétrica a los hechos inmediatos (simultáneamente, mientras se desangra, muere y comienza la putrefacción, se derrumba el Muro y la Historia ya no es la misma). Hettche podría ser tachado de un Hoffman posmoderno y quizá lo sea. Los trayectos de su prosa no escatiman la bestialidad de un autor como Dennis Cooper (tan contemporáneo suyo como estadounidense), pero en estas páginas su escritura llega al tope de la asficción, travestida para la ocasión de sadomasoquismo, salvajismo hard-core y terror dark. Ni el mismísimo Benjamin se hubiera atrevido a sumarlo a su enumeración radiofónica del "Berlín Demónico".

No solo se trata de muchachos: En Francia, los paradigmas de la asficción son señoritas muy jóvenes. Béatrice Leca, (París, 1969) se inscribe en la línea en cuestión con su "Technique du marbre" (Seuil,1996). Y Marie Darrieussecq (París, más o menos la misma edad, supongo) lo hace con "Truismes" (POL, 1996). Por razones de espacio, prometo volver sobre ellas en otro artículo.

Filiación de epílogo: En nuestro país, quizá el único autor que podría atravesar la zona asficciante, en la narrativa del último lustro, sea Gustavo Ferreyra (Buenos Aires, 1963). Con solo un volumen édito de su tríptico (El Amparo -Sudamericana, 1994 - ; se completa con El Desamparo y El Perdón, aún en busca de editor) Ferreyra roza este espacio en una atmósfera muchas veces cercana a la del suizo Robert Walser.
¿Qué características visitará la asficción y en que otras latitudes, si es que lo hace? ¿De cuántas otras formas cristalizará?
Lo maravilloso de la literatura es que las predicciones van más allá del puro cuento. Se convierten, invariablemente, en pura letra.

Charlotte Beck

2010-02-01T04:24:00.000-08:00

Supe, hace tiempo, que Charlotte Gainsbourg y Beck estaban grabando lo que luego sería IRM por una sugerencia maravillosa de Google: estaba yo entonces buscando información sobre Jocko Beck, nacida Charlotte Beck, reconocida maestra de Zen. Así procede hoy nuestro conocimiento.

Por supuesto, con el tiempo quedaría fascinado con el video Heaven Can't Wait. ¿Qué fue lo que me flasheó? Que era puro Frank Vega. Lo que este genio viene haciendo hace mucho (al menos desde que lo conocí, exactamente una década atrás), explorando las infinitas mutaciones de un universo inestable, donde lo cotidiano revela otras facetas, volvía a aparecer en estas imagenes.

Seguiré ampliando.

Devenir-avatar

2010-01-29T05:20:00.000-08:00

La vida sin cualidades, la ficción sin contenidos

Por José Luis Brea

Perderíamos nuestro tiempo -el de la crítica- si dedicáramos un solo segundo a poner en evidencia la endeble espureidad, las dependencias ideológicas, la trivialidad o el infantilismo patético del “mundo ideal” que se describe, infumable trufado de un empalagoso mejunge capaz de mezclar impúdico figuras de promisión neomística, arrancadas de precocidas mitologías amazónicas -digo yo- con dibujos de vida hermanada en un naturalismo neoecolópropio de la nueva supercherías idílicas tipo Gaia, o sueños de vuelo irisado regados por igual con el más generoso consumo de éxtasis y el mezclado casi arbitrario de cualesquiera mitologías multicultis, llegadas de cualquier parte.
Más aún lo perderíamos -aquí cierta indignación mayor es casi insuperable: la ideología ha perdido textura hasta grados inaceptables a la hora de prefigurar sus dibujos de el mal- cómo lo verdaderamente cómplice ideológico del mundo que hay se cobija en la simplonería caricaturizada con que se traza lo rechazado -como si para recusar lo maligno del mundo que no se quiere bastaran cargar las tintas en cuatro pinceladas mundialmente unánimes, reeditando aquí muy a la baja -menos mal que la reedición de la Replay no es tan sarnosa- antihéroes más refinados, como los de otros tiempos de Apocalipsis mejor psicodelizados.

Autorreferencia: la ideología -re(d)tórica- sin contenido

Y -perderíamos el tiempo, digo- sobre todo y fundamentalmente por una razón crucial: porque aquí ya ha accedido a la evidencia que cuando se trata de producir narrativas de ideología, de identificación -relatos capaces de configurarse como credos implícitos de época- lo que ya no importa es el contenido mismo de los relatos: la propia “narrativa”, lo “contado”. Que aquí, pero ya para todo lo que decide nuestro nuevo tiempo ideológico, es pura y simplemente nada, irrelevancia, frente a lo único decisivo y ahora coronado: la misma arquitectura tecnosintáctica de su fábrica y difusión. Hoy ya no hay otra ideología -ni falta que hace- que la del dispositivo: la ideología es el aparato mismo -de producirla.
Así, ni héroes ni villanos, ni narrativas ni historias: todo es espurio y está de más, para una productividad de ficciones definitivamente postliteraria, postnarrativa, exonerada de toda épica. Lo único relevante es, de una vez, la eficacia del mecanismo generador de efectos-efectos de discurso, pero sobre todo efectos de sujeto. Unos y otros se ponen en juego mediante una maquinografía de espejos -gracias a la eficacia retórica de un recurso autoproductivo que ciertamente descarga toda exigencia de argumentos, cualidades y contenidos.

Mostrémoslo en dos tiempos.

En el primero, parecería que nos movemos todavía en la escena del cine (incluso en el sentido más físico y de lugar, en el de la sala). Lo que él -pero tomado ya como pura ficción de ficción, autorreferencial- es ese juego del verse ver en el que el espectador se reconoce atrapado por la propia economía -de luces, visionado, gafas, dispositivos de mirada- de autocontemplación en la que es requerido a mirarse viendo. Lo que está en juego en ello es exclusivamente eso, y la única ideología que de eso se destila es la promesa de sujeto que se instituye en su fuerza: no son actos literarios -la narración es poco menos que irrelevante- ni la potencia ejemplarizante de los héroes lo que otorga promesa de ser. Sino el mero estar ahí -de lo imaginario, del renderizador de imágenes- en un lugar en el que ser es …visionar, en el que devenir sujeto significa única y simplemente ser … el que ve (que es, recursivamente, la misma aventura del héroe).
Como en la dialéctica de la autobiografía -incluso en la lógica del autorretrato- la verosimilitud del sujeto contado se inviste de fuerza por el supuesto -de ser él mismo el que cuenta la historia, y en ello reposa la densidad de su “tecnología” de (auto)fábrica. Se diría que lo que este cine -postcine- viene ahora a decirnos es: no necesitamos relatos, figuras ejemplarizantes de talla, porque el proceso de identificación con los imaginarios en juego es autorecursivamente sustanciado. La única y trivial “heroicidad” de esta narrativa es el autofabricarse como tal sujeto -y esa promesa es aquí sostenida por la pura mise en scène de la sala o la arquitectura vacía y autorreferente del cine, delgestor técnico de fantasía, de imaginario y su distribución social).

Avatar: el sujeto-log-red… sin atributos

Pero en realidad y si nos fijamos -segunda toma- esto está ya definitivamente más allá del cine -de otro modo tanto vaciamiento de contenido sería impensable, el cine sigue de un modo u otro endeudado con las tecnologías del relato (con la producción de una historia de identificación que se proyecta hacia un otro).
Aquí en cambio lo técnico es pura producción de imaginario: y la ideología el soporte de una tesis simplificada y elemental. Que allí donde se consume imaginario, se produce sujeto efectivamente.
Claro está que todavía queda una restancia ideológica libre, un cierto recurso de contenido: el que se refiere a la arquitectura neural, de red -propia del dispositivo. Hay una promesa de utopía flotando en el aire, en efecto, pero ella se pregona ya únicamente como efecto deconstelación, de pertenencia a los muchos.
Aquí en efecto la traza de la autobiografía persigue un signo de constelación, de tribu, grupalizado. Es cierto que el sujeto se produce en sujuego de habla, pero la aventura que lo consagra no es ya de individuación: sino, y precisamente, el resultado de ese puro negociarse de la fantasía, de la producción de imaginario -en el espacio de un consumo “simultáneo y colectivo”. No hay espejos ya, ni esa mirada lenta de un sujeto que escruta atento el crecer lento de su alma -como proyectada- en el estudio de las narraciones, lo literario, las figuras de identificación.

Aquí sólo hay esa velocidad de la entrada en avatar: ese “loggin” por el que, como nosotros físicamente y colocándonos la prótesis tridimensional, accedemos a la promesa de devenir-subjetividad que nos depara el consumo de imaginario (ese entrar y salir de Pandora -entrando en una cámara que no deja de ser el cine- es la misma metáfora efectualizada en su eficacia retórica del propio proceso autoproductivo que es el devenir-avatar.
Pero no nos dejemos engañar. Esto ya no es cine. Sino la puesta en escena de otra sintaxis productiva -para la que ni los contenidos importan ni la autorreferencia dice subjetividad ensimismada- radicalmente nueva -era secondlife - facebook- que habla de otros juegos y modelos de habla y enunciación. Digamos que una asociada con el “logear”, con ese actividad que consiste en entrar en línea y ponerse en red allí a la vez como consumidor y productor del propio (auto)relato -en el puro curso del situarse ahí, del “entrar” (como se entra en Pandora). El resultado no es ya un devenir sujeto -hablar de sujetos es nombrar algo demasiado denso, demasiado sólido. Lo que aquí sellega a ser, se deviene, está anunciado desde el título.
En efecto, un puro -acaso un mero- avatar.
Cuya credibilidad toda proviene del refuerzo que proporciona el ponerse de la primera persona en la mera estructura de participación en una red de comunidad bajo forma de “sujeto-enunciador”, para el que una fuerza de verosimilitud viene añadida únicamente porque aquél del que se habla -en discurso empequeñecido de autobiografía, tamañito blog- es “también” aquél que habla.

Aquí toda aquella pesadez hard de la conexión matrix, ese artificioso USB físico insertado en el enlace cuerpo-alma (que es también el soporte de todo nexo duro realidad-ficción, aquí se ve aliviado en mera pluma), todo ello se vuelve light, mero soft: la pura seña del haber “entrado” y haberse identificado y puesto en red, en conexión neural -digamos, los mejores teóricos de nuestro tiempo aliados con las visiones más banales y vulgarizadas, intelección colectiva en el espacio del sujeto-red.
Aquí entonces no se nace ni se es: se loguea -y en esa actividad el sujeto se produce como anunciador, eso sí banal.
Tampoco se “muere”, y eso convierte toda la antigua épica en banálica, toda narración en superficie plana, el gesto de autorreferencia de la técnica gestora del conocimiento en pura retórica reticular -y al sujeto que muriera, en mero emisor puntual de su propio último post, la exigua forma de su vida de avatar.
La misma de cada uno de nosotros, seres sin atributos ...

Las imágenes son del fabuloso flickr de Nur Moo

Después de la Web

2010-01-27T05:49:00.000-08:00

El comienzo es simple: neoyorquino al 100%, a principios de la década del 80, Jaron Zepel Lanier elaboró una categoría novedosa, suficientemente elegante y muy prometedora: "realidad virtual". Tenía no más de veintidós años. La fórmula era producto de sus investigaciones, por lo que su primer alcance terminológico se circunscribió al ámbito de los productos que comenzó a desarrollar desde la empresa que fundó por entonces, la primera en el mundo dedicada a vender "realidad virtual". Claro que semejante concepto fue provocando otras resonancias. Habría que decir, muy oportunamente, otras aplicaciones. Por ejemplo, avatar. Así, la historia de este científico, conferenciante, compositor y artista visual es, también, la suma de alusiones, referencias y desvíos que "lo virtual" y "lo real" acumulan en su derrotero semántico. Es la historia de Internet - o una parte considerable de ella -. La de sus conquistas y su expansión. Pero ahora, también, la de sus fracasos. Sus peligros. Y casi, casi, dirá Lanier, la de su amenaza.

Es que Lanier construye e implementa, ante todo, una tecnología lingüística. Aseverativa. Performática. En una entrevista que mantuvo la semana pasada con The New York Times, en ocasión de la edición de su nuevo libro (cuya esperable traducción al español sería, o será, Usted no es un gadget), parecía estar hablándole a un club de hastiados. O a esos que el prólogo del texto llama, directamente, "non persons" (no-personas) del siglo XXI. Lanier está en busca de, por ejemplo, los usuarios que pretenden eliminar sus perfiles de alguna red social y escapar para siempre de su seno. Los que no lo logran y descubren, además, que ese perfil, con sólo reincidir, vuelve a su estado "natural" sin mayores inconvenientes. Persigue a ese lector que como él celebra, desde afuera y desde adentro del sistema informático, y con mayor o menor cantidad de reservas, el avance techi. El mismo que, sin ser un estricto humanista, hoy toma distancia de los inventos y piensa dos o tres veces antes de festejar la llegada de "lo nuevo" Por eso, en el Times, Lanier lució sus flamantes nociones: maoísmo digital, comportamiento vicioso y campesinado Web. Todo esto, dicho al borde de los 50 y con sus inalterables rastras, un aspecto que logra reenviarlo tanto a su lugar de mítico columnista estrella de la revista Wired como al de frustrado hombre de negocios. Una voz autorizada. Un asesor necesario, definido por varios de sus colegas como el creativo que asiste siempre descalzo a las reuniones de ideas. Descalzo y, recuerdan muchos, con los anteojos 3D bien puestos.

El punctum de la (no tan) nueva discusión es, para Lanier, el estado de posweb en el que el trabajo colectivo al que la red invita sistemáticamente, triunfa sobre la producción individual: los intercambios de materiales simulan un enriquecimiento personal que oscurece la idea de cultura. Cultura es publicidad. ¿Compartir qué, en realidad? Nada. Y eso es todo. La música es reductible al rescate retro. La amistad es el vínculo social (virtual) por excelencia, pero sólo porque opera como contratara de una estrategia millonaria que sustrae las singularidades al engrandecimiento de la figura de un único Mesías (que ya no es el arte en ninguna de sus posibilidades): el millón de amigos.

Lanier responsabiliza a "los Gigantes" (Google, Wikipedia, Youtube) en el trazado de una arquitectura grupal asimétrica: periodistas, artistas, músicos y autores devienen usuarios de esos sistemas, atraídos por un impulso creativo que no redunda en ganancias. Algunos, que ya se lanzaron a responderle, utilizaron el ejemplo cinematográfico que sacude hoy por hoy a Internet: el caso del joven uruguayo que con su corto animado subido a Youtube, obtuvo nada más y nada menos que 30 millones de dólares para ampliar ese germen creativo que Larnier siente que la Web está disolviendo.

Que la enciclopedia virtual más consultada del mundo sea el reducto intelectual de Internet le resulta incompatible con ese grado cero de la red al que él tuvo acceso. Antes, antes de todo esto. Ahora, hay "mentes escondidas" y procedimientos más sutiles: las palabras pronto significarán, dice en su libro, lo que los grandes motores de búsqueda quieran que signifiquen. Para muchos críticos que se atrevieron con la reseña, el manifiesto Lanier evidencia la ilusión rota de un adelantado que, a diferencia de Steve Jobs o Bill Gates, murió en el romanticismo. Es, aseguran, el lamento por ese mito de origen idílico, en el que democracia y apertura, Linux y Napster (y, más tarde, también, SecondLife) despertaban a una primavera irrecuperable.

Por Franco Torchia
Publicado y leído acá.

Lady Gaga, imparable

2010-01-25T08:07:00.000-08:00

Dos joyas provenientes de la versatilidad de Lady Gaga: el video de Bad Romance (una producción impecable) y otra vez la diva al piano.

Amor de verano

2010-01-23T10:02:00.000-08:00

Tan corto el amor, tan largo el olvido, hoy en Ñ

“El amor de verano es una especie en extinción”, me comenta un amigo cuando lo pongo al tanto del propósito de esta nota. “Es un molde arrasado. Los atractivos que pudo haber tenido resultan casi invisibles y agotados para más de una generación”.
Confieso, la afirmación no me toma por sorpresa ¿el amor de verano existe más allá de la anécdota promocional del espectáculo o este último lo canibalizó por completo? ¿Algo más allá de una estrategia de simulación?
¿Puede vivírselo de un modo diferente?
Pasemos por alto por un momento los titulares y tapas de las revistas ¿de qué hablamos cuando nos referimos al amor de verano? ¿Nos referimos a una fatalidad, a una situación deseable?
Incluso en las tesis más pesimistas (pienso ahora en Espectáculo y Sociedad, de Jean Duvignaud o en las por demás glosadas invectivas de Guy Debord) algo subsiste de la experiencia no mediatizada (ni siquiera me animo a escribir “resiste”). Siendo así ¿en qué consisten las supuestas ruinas de estos modos amorosos?
¿Hasta que punto permanecen descontaminadas de su construcción mediática?
Aclaremos: el amor de verano no debería confundirse con el amor fugaz, precisamente porque verano, en este caso, parece aludir más al transcurso de una estación que a un escenario climático. Hablamos de un tipo de relación que se sostiene en un plazo medio. Como aseguraba Héctor Libertella, siguiendo a Roland Barthes: “el amor tiene su sistema regulado por el tiempo, como las modas”. Los cronistas del espectáculo lo saben de memoria: un amor de verano jamás se sintetiza mediante una fotografía, sino que invariablemente reclama un relato (aunque breve) y por entregas. Idas, vueltas y tantísimos divinos detalles y conjeturas. Para los titulares, el condimento ideal siempre es el escándalo, aunque todos sabemos que éste no es más que un juego retórico. Se reinventan y reiteran sus modos como se actualiza y vuelve a citar cualquier fashion de temporada.

Groucho Marx se preguntaba “¿por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?”. No es nuestro caso: el amor de verano tiene todos o casi todos los ingredientes de un romance. Si el desenlace ya está escrito y taxonomizado de antemano (sabemos que no prosperará) no así las instancias, pues de eso se trata: de observar cómo se ocupa (amorosamente) un período de tiempo.
Está escrito en ese molesto invento titulado la Ley de Murphy (cito de memoria): “Es amor cuando la mujer no consigue lo que buscaba y el hombre encuentra lo que no esperaba”. El verano transcurre antes de que sobrevenga el cansancio, que todo lo diluye. Neruda supo escribir: tan corto es el amor y tan largo es el olvido.
En tiempos en que las redes sociales de la denominada web 2.0 transforman la intimidad en espectáculo, los amores de verano imitan más y más el pulso de los blogs y fotologs: fragmentos de un diario íntimo al alcance de todos. A diferencia de lo que escribió hace cinco siglos Lope de Vega, el amor de verano parece tener tan fácil la entrada como la salida. La intensidad (lo inolvidable), se expande entre estos extremos.
En El Primo Pons, de 1847, Balzac interroga desde uno de sus personajes ¿cómo no enamorarnos si conocimos París juntos? La ciudad ayuda, pero es precisamente la experiencia del recorrido la que hechiza. El cine multiplica los ejemplos (recordemos Un amor en Florencia de James Ivory o bien Antes del amanecer de Richard Linklater): en todos los casos el amor de estación –sea la que esta sea- requiere del ocio, lo reclama. Las ciudades aportan ese otro clima, pero los enamorados invariablemente moldean su amorío en las bondades del tiempo libre. Si es de viaje, aún mejor.

Con esto quiero decir: el amor de verano rara vez toma por sorpresa. Es más: el ocio se justifica en esa búsqueda, en ese anhelo. Y si asombra, es porque alcanza un más allá de la inevitable predisposición para avanzar en una nueva aventura.
El ocio al que me refiero no es privativo de una clase social, pero sí de una época determinante. En este sentido el amor de verano que describo es, en cada uno de sus aspectos, un amor moderno. Los lazos culturales y estéticos entre la forma amorosa y la dimensión laboral resultan por demás significativos.
Martín Legón, joven artista argentino, reflexiona en un mail en el que me envía las imágenes que acompañan estas líneas: “Si vamos a las fuentes del arte y del verano, no hay nadie como Manet ¿de qué otra cosa nos habla sino del amor del verano? En su obra todo es tan frugal y efímero como los quince días hábiles que conseguís si todavía tenés la suerte de conseguir trabajo, vacaciones y aguinaldo. Incluso pueden ser recuerdos de todos esos amores de verano aquellos que pintó en los indestructibles jarrones que realizó antes de morir (para mí lo mejor de su obra por lejos).”
Coincido en todo: en ese tiempo en el cual la seducción se confunde (y potencia) con el ocio, la pasión dura lo que perduran mentalmente las vacaciones.
Así de simple: no hablamos sino del hábito de concebir las vacaciones como una experiencia amorosa.
Es exactamente esta predisposición sobre la que se monta la industria del espectáculo. Es tan obvio que verano y vacaciones devienen sinónimos en nuestros imaginarios como la multiplicación de los romances de parejas de receta en tanto sobreextendido consumo.

Vivimos en una época en la cual la experiencia no sólo imita al espectáculo sino que se entremezcla definitivamente con él.
En su libro Fans, blogueros y videojuegos, de reciente publicación en castellano, Henry Jenkins, fundador y director del Programa de Estudios Mediáticos Comparados del Massachussets Institute of Technology (MIT) narra las alternativas de una historia amorosa de su hijo homónimo con Sarah, una chica de un estado lejano luego de meses de idilio en la web. De manera similar a como sucede con el consumo cultural, los protocolos (estoy tentado de escribir “las plataformas”) del amor mutan, pero algo sigue persistiendo en sus formas. “En el ciberespacio no tienen cabida los gestos ambiguos que caracterizaban los primeros y desmañados cortejos de otras generaciones. (…) El lenguaje del amor cortés surgió en circunstancias similares: amantes distantes que ponían por escrito lo que no podían decirse en voz alta”. El amor de Henry Jenkins Junior seguramente fue lo que aún denominamos amor de primavera, o sea, aquel que implica siempre la inocencia, la inmensa ingenuidad del amor adolescente. Su brevedad oscila al ritmo de los cambios hormonales y a la adaptación –o inadaptación- de las relaciones sociales que se disfrazan muy rápidamente con los ropajes del destino.
Escribí recién que el ocio que conforma al amor de verano no constituye un privilegio de clase. Necesito aclarar: cada ritual de clase le imprime su perfil. Me gusta recordar a la novelista Angela Carter cuando afirmó: “Aunque la relación erótica parece existir libremente, en sus propios términos, entre las relaciones sociales distorsionadas de una sociedad burguesa, de hecho, es la más autoconsciente de todas las relaciones humanas, una confrontación directa entre dos seres cuyos actos en la cama están absolutamente determinados por los que realizan fuera de ella.” Una vez más es el arte quien se adelanta a la sociología.

Si el amor de verano se define por sus desmesuras, estas sin dudas serán otras. Baudelaire definió al amor como un crimen que no puede realizarse sin un cómplice, pero lo cierto es que el amor de verano raramente es trágico: así de intenso es su halo recreativo. El amor de verano vende muchísimas revistas, pero escasa literatura. La narrativa con pretensiones artísticas infaliblemente prefiere las relaciones trágicas, aunque en tantos casos el conflicto en cuestión pueda antojársenos banal.
Isadora Duncan creía que el amor puede ser simultáneamente un pasatiempo y una tragedia, sin embargo lo que suele distinguir al amor veraniego es cierta condición de souvenir. Ni más ni menos: no es otra cosa que un amor-souvenir, persistentemente leve, aparentemente sin urgencias.
Aún así casi siempre obedece a un plan, ya no identificado con la capacidad y voluntad de enamorarse, sino más exactamente la de desenamorarse. Amor ceñido desde el vamos a límites temporales precisos (estacionales), el “no va a durar” resulta clave en su status. Ese parece ser su pacto o contrato. Y ningún otro resulta ser su encanto. Una vez más, su mimetismo con las vacaciones resulta nodal: una relación que rehúye o deja entre paréntesis toda sombra de obligación. Lo mismo que en cualquier idilio, la brevedad se impone en toda su potencia. Tal como suele decirse, el amor eterno dura dos o tres meses. Y para nuestra suerte podemos vivir varias de estas eternidades: cada temporada necesita renovar el stock de amores, ya en su casting, sus remakes o locaciones.
Ahora bien ¿por qué creo estar de acuerdo con mi amigo cuando intuye que el amor de verano, en el más allá de las prosopopeyas del espectáculo, es una especie en extinción? Necesito repreguntarme ¿pueden las relaciones amorosas sustraerse de las transformaciones de intercomunicación, de percepción temporal y de alteración de lo que entendíamos por intimidad que la web instala progresivamente en los que son nuestros más recurrentes hábitos? No soy el único que experimenta la sensación de que el movimiento es doble: si los modos del amor, interacción digital mediante, cada vez parecen acercarse más a las ligeras oscilaciones del amor de verano, éste último parece desprenderse más de sus imperativos de estación.
En un futuro cercano ya demasiado parecido a nuestros presentes ¿seremos capaces de diferenciar uno de otro? ¿Será demasiado irresponsable y fantasioso observar diversos síntomas de doble fagocitación?
La intimidad también devoró al espectáculo.
Quizás terminemos por darle la razón al cada vez más vintage Premio Nobel Jacinto Benavente: "No hay sentimiento que valga; el amor es una ocupación como otra cualquiera."

Ensayo

2010-01-21T18:19:00.000-08:00

El problema no es sólo terminológico, sino conceptual (y grave, realmente grave). Releo en el número de otoño del año pasado de la revista Otra Parte, un texto de Alejandro Grimson presentado en tapa como PAPER VS. ENSAYO. Vuelvo a adentrarme en esas líneas y a divertirme con la falsa disyuntiva: lo que Grimson denomina ensayo no puedo apreciarlo sino como una variación del paper. Montaigne no hubiera entendido esa forma, no la reconocería. No estoy haciendo un juicio de valor, sí una distinción básica. No se trata de una cuestión académica (por suerte, estoy fuera de esa dialéctica). No es un hecho aislado. En la selección 25 ensayos argentinos para descubrir, antología en la que también participó Grimson, escasea –y tanto- el ensayo.
Sin dudas, estamos hablando de otra cosa.

Otaku

2010-01-19T14:27:00.000-08:00

por Mario Javier Bogarín Quintana

Trascendiendo la clasificación por géneros, el atractivo mencionado se debe en un impulso estético que el fanático de Occidente (desde ahora, otaku) genera a partir de la relación del uso de colores (pastel y chillantes, calientes y saturados) y técnicas (animación no discontinua de bocas y movimientos de las extremidades y ojos grandes como escaparate a la disposición de un abanico de sentimientos) con una única matriz que debe ser la productora de un estilo que emerge del manga/anime para ajustarse a la vida cotidiana: Japón como imagen universal y experiencia vicarial a copiarse e implementarse en todas las facetas de la cotidianeidad (Schodt, 1983:22), dependiendo centralmente de la concepción de un imaginario que no se alimenta de la experiencia real, aunque fuese mínima, pues responde en forma exclusiva a la oferta mediática de anime, películas, literatura, fotografías o simples referencias que van a parar no al acervo informacional que busca una organización racional (como el conocimiento escolarizado) para su investigación posterior sino a la colección de sentimientos y construcciones ideales (Durand, 2004:26) que, a través de la “experiencia manga/anime” concurren en la “japonización de la realidad” a través de la estética de los objetos consumidos.

Siguiendo a Durand, la permanencia de una idea que recorre el circuito de la percepción hasta romper la simple sensación y encajar con el imaginario personal y desde ahí potenciar un discurso, amuebla el espíritu (leyéndosele como imaginario) con “miniaturas” mentales, chispazos que sin embargo perduran, que no son sino copias de las cosas objetivas.

Aún así, esta objetividad no redunda en la materialización de un interés, de una cosa que se puede palpar al gusto del deseo: un Tamagotchi siendo “alimentado” por su dueño en su casa de Mexicali jamás tendrá relación con el Tamagotchi de la adorable chiquilla secundariana que lo revisa, programa y pone a dormir mientras recorre la línea Yamanote del metro de Shibuya, y esta imagen, recurrente a través de uno de los fetiches más populares (sexual y no a la vez) entre los otakus varones, merecería por sí sola, en tanto perteneciente a una gran categoría argumental manga/anime, un estudio aparte, pero aquí se refiere al punto de contacto que permite que un objeto cualquiera pueda lograr su membresía dentro de la fantasía personal que mucho le debe a estos pastiches que, aunque personalmente modificables, conforman la multirreferencialidad pop de estos productos.

Sigue acá.

Turismo de identidades

2010-01-17T07:29:00.000-08:00

Más sobre la Orden Tiresias

Eda.: Todos estuvimos vinculados a hordas vampíricas durante un buen tiempo. Siempre desde los mismos avatares. Algunos avatares que “habitamos” tienen identidades menos flexibles, más dirigidas…

Az.: Pero siempre discontinuas. Cada vez que ingresás al metaverso con un avatar no conocés el capítulo anterior, porque no estuviste vos usando esa identidad sino alguno de tus compañeros.

Dolcemare: ¿Y no realizan ningún tipo de ruta, aunque sea levemente fijada?

Az.: A veces nos dejamos notas, advertencias. Del tipo “hablé con X, estuve con M, me comentó tal cosa”. En ese sentido los avatares de la Orden poseen una memoria colectiva pero distribuida.

D.: La idea de “habitar cuerpos” es muy antigua, pero sistematizarla y cotidianizarla es algo de lo que no conozco antecedentes.

Eda.: Prosigo con mi ejemplo. A mí las múltiples dinámicas de los clanes vampíricos (Bloodlines Second Life, sobre todo) me son bastante familiares. Pero no para todos los miembros. Sin embargo, todos hemos hecho algo con esa coyuntura.

Az.: Es raro. Odio a los vampiros, todo ese imaginario. Pero en un momento te encontrás de lleno en ese mundo, y no como extranjero, no por fuera. Es una instancia distinta a la del impostor, porque de hecho el cuerpo que estás habitando en ese momento conoce instancias de uso anteriores que nada tienen que ver con la del infiltrado.

D.: Se me ocurre que una sensación que sobrevive en cada uno de ustedes es la de la identidad como un taller de experimentación. La distancia está siempre presente,

E.: En un comentario de tu blog hablás del Egregor. El Egregor es una entidad múltiple en conexión. Cada una de las singularidades que la componen son partes de un todo. No es el caso de lo que vivimos en esta experiencia. Cada uno sabe que participa en muchas experiencias simultáneamente a partir de diferentes roles compartidos.

Az.: Además, no hay un lider, una entidad mayor que indique una dirección determinada. Por el contrario, se trata de fugas en las mas diversas direcciones.

D.: ¿Pero llevan un registro de sus experiencias? Un archivo, una bitácora…

Az.: De hecho sí, cada cual va acumulando sus impresiones de diferente modo, pero aún no las tenemos sistematizadas.

E.: Ni sabemos con qué criterio lo haremos. Ni cuando.

Az.: Por el momento avanzamos, avanzamos y avanzamos. Lo que tiene de operativo es que si alguno de nosotros no puede estar on line durante una época determinada, los demás podemos cubrirlo y la continuidad no se interrumpe.

E.: Estamos siempre en línea. Pero ni siquiera nosotros sabemos exactamente quiénes.

Az.: Es una forma de volver un poco menos obvia nuestra presencia física. No tenemos idea de nuestras vidas por fuera del software.

D.: ¿Y eso será así siempre?

E.: Es bueno no saberlo.

Primera parte acá.

Alegorías Digitales. Sobre los Sims.

2010-01-15T18:44:00.000-08:00

Por McKenzie Wark (Fragmento)

Los Sims, los personajes tienen muchos trabajos diferentes, pero como dice Fredric Jameson: «la parodia se encuentra a si misma sin una vocación». Si Los Sims son una parodia, son una parodia neutra, la imitación sin un impulso crítico, sin las «segundas intenciones» de la parodia.
Quizás un juego como Los Sims podría ser una alegoría de la vida diaria en el espacio de juego. En el modo alegórico, dice Walter Benjamin: «cualquier persona, cualquier objeto, cualquier relación puede significar absolutamente todo lo demás. Con esta posibilidad se puede emitir un juicio destructivo pero justo so-bre el mundo profano: está caracterizado como un mundo en el que el detalle no tiene una gran importancia». Para Benjamin, la fragmentación del mundo moderno por la técnica, la abundancia de productos que brotan en ausencia de un todo coherente, encuentra su expresión en la alegoría, que fragmenta aún más las cosas, haciendo añicos la ilusión de orden burgués, revelando los recursos de los que está hecho. «Lo que se resiste a la falaz transfiguración del mundo de los productos es su deformación en alegoría». Y también esta posibilidad parece agotada. A un sim, la fragmentación de lo fragmentado le parece una rutina.
Ningún otro mundo parece posible. Ni tan siquiera éste.

Quizás un juego como Los Sims no sea sólo una alegoría, sino también un «alegoritmo». Ser un jugador es ligeramente dife-rente a ser un lector o un espectador. Lev Manovich dice: «a medida que el jugador avanza en el juego, descubre gradualmente las reglas que operan en el universo creado por este juego». Alex Galloway afirma: «jugar a un juego significa jugar al código del juego. Y por lo tanto, interpretar un juego significa interpretar su algoritmo (descubrir su alegoritmo paralelo)». Lo distintivo de los juegos es que producen para el jugador una relación intuitiva con el algoritmo. La experiencia intuitiva y el algoritmo organizador juntos son el alegoritmo para un futuro siempre prometido en el espacio de juego, aunque nunca hecho realidad. El alegoritmo por el que el jugador se relaciona con el algoritmo produce una alegoría bastante particular por la que el jugador y el algoritmo se relacionan juntos con el espacio de juego. En un juego, a cualquier personaje, a cualquier objeto, a cualquier relación se le puede dar un valor, y ese valor puede ser descubierto. Con esta posibilidad se puede emitir un juicio destructivo pero justo sobre el mundo profano: se caracteriza como un mundo en el que cualquier valor es arbitrario o absurdo.

Un algoritmo –para los objetivos actuales– es un juego de instrucciones finito para llevar a cabo alguna tarea, que transforma una condición inicial de salida en una condición final reconocible. Las recetas que Benjamín y otros sims aprenden de los libros de cocina de sus estanterías son algoritmos. La carrera de Benjamín como teórico es también un algoritmo. Hay una condición inicial: tiene que tener 8 amigos, 4 puntos de carisma, un 7 en creatividad, etc. Tiene condiciones finales, también. Con 10 amigos, 5 puntos de carisma y 10 de creatividad, puede terminar la carrera de teórico y empezar otra. El jugador selecciona una secuencia tras otra, y aprende gradualmente lo que hacen –es decir, un algoritmo. El jugador descubre una relación entre las apariencias y un algoritmo en el juego, que es un doble de la relación entre apariencias y un supuesto algoritmo en el espacio de juego –es decir, un alegoritmo. Pero siempre hay una brecha entre el algoritmo conocible intuitivamente del juego y la semejanza pasajera, desigual e injusta de un algoritmo en la vida diaria del espacio de juego –ésta es la forma que toma ahora la alegoría.

Conexión fatal

2010-01-13T18:58:00.000-08:00

Isil me envía este link. La imagen es buenísima. No todos los circuitos son recomendables.

Un Museo de la Tierra en Saturno

2010-01-11T23:15:00.000-08:00

Tractatus Fragilitatis

¿Cómo le explicarías a un incrédulo alienígena que los restos de tu civilización -la única que conocemos, después de todo- simplemente no se esfuman y saltan del sueño al inventario de tu experiencia?

Como si la posología fuera
40% de Pontormo, 20% de Tarkovsky, 18% de Macedonio Fernández, 21% del Ischigualasto de Raquel Corner (y su marido).

¿Qué es acaso un episodio, al fin de cuentas, sino un intermedio en una tragedia?
Hasta lo efímero se solidifica en el aire.

¨La mente es una ciudad como Londres
humeante y populosa: es una capital
como Roma, en ruinas y eterna,
marcada por los monumentos que ya
nadie recuerda. Así la mente, como Roma, contiene
catacumbas, acueductos, anfiteatros y palacios,
iglesias y estatuas ecuestres, caídas, rotas o mancilladas.
La mente posee y es poseída por todas las ruinas
de cada delebración prohibida de las generaciones¨.
Delmore Schwartz, Overtura.

Nunca conseguimos olvidar.
La memoria es una golosina extranjera.

Roma, Caracas, Londres, Buenos Aires, Mar del Plata,
podríamos permutar cada nombre propio
y la ecuación solo se fortalecería.
¿Qué más improbable, qué menos soñado?

Como una tantálica tradición
al alcance de otras manos.

Informalismo óseo, clinamen semántico,
fuentes de luz, colores geometrizados.

La fragilidad se extiende, ilimitada.

Eels, una vez más

2010-01-08T14:12:00.000-08:00

Es el modo que más me apasiona de acompañar una obra: esperar la próxima entrega como un nuevo capítulo, ya no más sorprendente, sino más incisivo. No vamos a recaudar las mismas respuestas, sino preguntas que no parecen ser las mismas.

Mark Everett nos trae mas canciones. Unos acordes, unas palabras, una melodía. Ningún arte más definitivo. Las adoramos, necesitamos saber que habrá más.

El álbum se titula End Times.

Empezar así el 2010 es una dicha.

Más si la ilustración de cubierta es de Adrian Tomine.

Un genio acompañando a otro.

Dos muestras. Acá y acá.